domingo, 1 de febrero de 2015

#Exposición Retratos de jazz. Esther Cidoncha. @esther_cidoncha @Fnac_Castellana

FNAC Castellana
Pº de la Castellana 57
Del 21 de febrero al 15 de abril de 2015.
Más información en ecidonchafotosdejazz.blogspot.com.es - FNAC Castellana

Christian Scott 2010 © Esther Cidoncha

La cámara de Esther Cidoncha recorre los escenarios donde el jazz cobra vida cada noche: Nueva York, Nueva Orleans, Newport, Copenhague, Berlín, Roma, Londres, París, Ámsterdam, Barcelona, Madrid, Valencia, San Sebastián, entre otras ciudades. Esther retrata a los grandes del género, muchos de ellos tristemente desaparecidos, pero también a los ‘hermosos perdedores’, aquellos con los que la fama ha sido esquiva. Es así como la fotógrafa aprovecha los elementos que tiene a su alcance para ofrecernos el más fidedigno retrato del músico de jazz en su elemento más allá de los convencionalismos.

Barry Harris 1991. © Esther Cidoncha

Tras 25 años fotografiando el mundo del jazz, su objetivo está presente sobre el escenario, pero también durante la imprescindible prueba de sonido antes del concierto o en la intimidad del camerino. Los músicos son una fuente de inspiración continua y sus retratos el producto de la fascinación que siente por ellos y su entorno.

sábado, 31 de enero de 2015

Imágenes para el recuerdo. José Luis Berzal @ALCBDS_CArte

Centro Cultural Anabel Segura
Av. de Bruselas 19
Alcobendas - Madrid
Del 4 al 28 de febrero de 2015.
*Inauguración 4 de febrero a las 19:30 horas
Más información en www.alcobendas.org

José Luis Berzal
El taller de Juanma, 1972


Dicen que el recuerdo es parte racional de la memoria. Recordar nos ayuda a comprender lo que fuimos para entender mejor lo que somos y hacia dónde vamos.

Recuerdos de personas, usos, costumbres y lugares... Recuerdo de oficios y talleres ya desaparecidos. Recuerdo de calles y descampados próximos a una ciudad que crecía y convivía con escenas bucólicas de un ambiente todavía rural.  Recuerdo de edificios que se levantan en mitad de la nada y donde los vecinos seguían sentándose en la calle como lo hacían en la plaza de su pueblo. Recuerdo de solares en mitad de la urbe, donde los niños aún jugaban y corrían aventuras como si estuvieran en el campo...

José Luis Berzal
Calle de Marianela, Cuatro Caminos 1960

Pero las fotografías de José Luis Berzal también despiertan sentimientos. Sus imágenes tocan nuestra fibra emocional, nos trasladan a un paso que se nos fue, cuando aún podíamos hacer lo que vemos en sus fotografías, y recorrer los espacios que en ellas aparecen. Inevitablemente provocan una sensación de nostalgia y añoranza.

José Luis Berzal
El pastor de Alcobendas, 1975


Cada una de las fotografías de esta exposición es un homenaje a los lugares y personas que en ellas se muestran: en especial, al que fue el último pastor de Alcobendas.

Siguieron con su vida hacia adelante, cambiando, desapareciendo...

Amigos de la dehesa de la Villa.

viernes, 30 de enero de 2015

Presentación: Giacometti. El hombre que mira. @FundacionCanal

Fundación Canal Arte
Calle Mateo Inurria 2
Del 31 de enero al 3 de mayo de 2015.
Entrada gratuita
Más información sobre horario y actividades paralelas en www.fundacioncanal.com

Annette, 1962
Para el libro de Jacques Dupin "Alberto Giacometti", Ediciones Maeght, Paris, 1962
© Alberto Giacometti Estate / VEGAP, 2015


Todas las obras de esta exposición proceden los fondos de la Fundación Giacometti, y más de la mitad, restauradas con la colaboración de la Fundación Canal para esta muestra, se exponen en público por primera vez.

La Fundación Canal ha presentado hoy la exposición “GIACOMETTI. El hombre que mira”, un ambicioso proyecto coproducido por la Fundación Canal y la Fundación Giacometti. Tras la presentación, a cargo de Eva Tormo, Directora Gerente de la Fundación Canal, y Cristian Ruiz Orfila, Director de Exposiciones, se ha llevado a cabo un recorrido guiado con los medios de comunicación de la mano de las comisarias Catherine Grenier, directora de la Fundación Giacometti, y Mathilde Lecuyer.

Alberto  Giacometti
Cabeza de hombre (Lotar I), 1964-65
© Fundación Canal

La muestra incluye un centenar de obras entre una importante cantidad de dibujos y un selecto grupo de esculturas, todos ellos en torno a la figura humana, una constante en la obra del artista, y a la mirada, que para él es el alma y la esencia de la vida del ser humano.

La exposición se divide en seis secciones cuyo orden se ha establecido como guiño a su constante preocupación por la aproximación del artista a su modelo: “Cabeza”, “Mirada”, “Figuras de medio cuerpo”, “Mujer”, “Pareja” y “Figuras en la lejanía”.

Alberto  Giacometti
Desnudo de pie copiado del natural, 1954.
© Alberto Giacometti Estate / VEGAP, 2015


Las dos primeras salas, dedicadas a la “cabeza” y a la “mirada”, muestran cómo las cabezas y los cuerpos se convierten en esculturas frágiles cada vez más reducidas. Las caras de los modelos desaparecen bajo las líneas de un cráneo universal repetido de memoria. En sus dibujos la mirada es tratada de forma individual, pero también como un todo que represente al modelo, al que intenta captar en su totalidad.

Las otras cuatro secciones exploran su relación con el cuerpo humano: las figuras de medio cuerpo y las pequeñas figurillas ilustran su particular percepción de la distancia física entre el artista y su modelo, y de los conceptos de “mujer” y de “pareja”.

Alberto Giacometti.
Hombre que anda, figuras de pie sobre peana, bustos de hombre de frente y de perfil, 1959.
© Alberto Giacometti Estate / VEGAP, 2015


La exposición también muestra la influencian del clasicismo en su obra. Giacometti fue introducido desde su juventud a los temas “clásicos” de la figura humana, que él trataría a lo largo de su vida con una continuidad sorprendente para un artista del siglo XX. En todas las etapas de su vida, en las que pasó por las formas del naturalismo, surrealismo, para después concebir esa estética figurativa tan personal que lo hizo célebre entre el gran público, el artista articuló su investigación en torno a una noción primordial: la mirada, la visión.

El montaje de la exposición, llevado a cabo por Gabriel Corchero Studio, reivindica los atributos de las esculturas de Giacometti: la verticalidad, la monumentalidad y la ligereza. Los dos primeros, a través altas y estilizadas vitrinas que organizan el itinerario de la exposición, gigantescas ventanas que albergan las esculturas de Giacometti, en ocasiones diminutas pero con una monumentalidad intrínseca y asumida. Por último, el carácter etéreo de sus esculturas queda reforzado al posarse sobre peanas transparentes, que consiguen un efecto de flotabilidad en el espacio.

Actividades complementarias (Información en www.fundacioncanal.com).
- Visitas-taller para familias
- Visitas guiadas y visitas privadas
- Visitas-taller para colegios
- Fichas didácticas para el profesorado de Educación Primaria y Secundaria.

Avance: @CA2M_Madrid “PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo”.

Centro de Arte Dos de Mayo 
Av. de la Constitución 23
Móstoles - Madrid
Del 26 de marzo a septiembre de 2015.
Más información en http://ca2m.org

Comisariado: David G. Torres

Jordi Colomer, No Future, 2006


 Aïda Ruilova, Brice Dellsperger, Carlos Aires, Christoph Draeger, Chiara Fumai, Claire Fontaine, Eulàlia Grau, Fabienne Audeoud, Federico Solmi, Iñaki Garmendia, Itziar Okariz, Jimmie Durham, Joan Morey, Jonathan Messe, Jordi Colomer, Juan Pérez Agirregoikoa, Kendell Geers, Martin Arnold, Mike Kelley, Martín Rico, Natascha Stellmach, Pepo Salazar, Tere Recarens y Tim Reinecke.

Entre 1976 y 1978 en Londres y Nueva York surgió como una explosión el Punk: unos cuantos grupos de música agrupados en torno a fancines, tiendas de moda o locales que mostraban oposición frente a los convencionalismos de la industria musical, de la moda y del panorama socio-político haciendo de la negativa, el ruido, la irresponsabilidad y la rapidez su leitmotiv. El Punk surgió como una reacción a la crisis del sueño hippie (un espejo de la crisis de la propia modernidad); enredado en la aparición del terror y el terrorismo como acción política; atenazado por la crisis económica ligada a la gestión de la escasez (el petróleo) que conllevaba el final del sueño en el progreso y una generación abocada al desempleo; todo ello aderezado con un regreso del conservadurismo político que anunciaba la aparición del tacherismo y Reagan. El Punk mostraba un descontento rabioso frente a una situación sin futuro que enseguida prendió y se extendió geográficamente. En España apareció poco después en los grupos incipientes de la movida madrileña y en las zonas más industriales (Euskadi y Cataluña principalmente) con una generación que ya había perdido la ilusión democratizadora de la lucha antifranquista. Pero el Punk es sólo el punto álgido, una explosión en la que se oyen ecos del Dadaísmo o el Situacionismo, de un sentir común, un malestar, descontento, insatisfacción y una rabia que acompaña todo el siglo XX. Una rabia cuyo eco todavía está presente hoy en día.

Tanto el Punk como su genealogía y antecedentes han sido analizados y estudiados. En “Rastros de carmín”, el ensayo más significativo e icónico sobre sus repercusiones, Greil Marcus trazaba por primera vez un recorrido por los antecedentes del Punk. Esta exposición pretende hacer el ejercicio inverso: recorrer su influencia en el arte actual, es decir, establecer una genealogía que llegue hasta nuestros días o, tomando una expresión de Greil Marcus, seguir sus rastros hasta el presente. “PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo” busca hacerse eco de la importante presencia de lo Punk como actitud y como referencia entre muchos creadores. Tanto que quizás esa referencia es el único punto en común entre artistas y obras muy distantes; o tanto como para rastrear el arte contemporáneo como un espacio de disidencia en el que congregar una actitud Punk.

Aspectos como la insatisfacción, el inconformismo, la pérdida de fe en el progreso o la crítica feroz a los iconos del sistema económico y social parecen intrínsecos a la práctica de muchos artistas. En la exposición el Punk aparece como una referencia explícita en muchos artistas: en el uso de elementos como el ruido, la tipografía de recortes, el anti-diseño y el feísmo; o al incluir referencias musicales explícitas de grupos punk. Pero también se muestra el rastro del Punk como actitud: la negación, la oposición y la destrucción; el hazlo tu mismo; la referencia al miedo y el terror en una sociedad que aliena a los individuos; esa misma alienación que provoca estados psicóticos; la valorización de lo que se sale de la norma; el nihilismo; la crítica al sistema económico y la anarquía; o la reivindicación de la propia libertad sexual, del cuerpo como lugar de batalla.

El ruido, la negación, la violencia, la destrucción, la alienación, la anarquía, el nihilismo y la sexualidad forman distintas áreas temáticas de la exposición, a las que se suman referencias de grupos, textos, música o algunas obras icónicas. Así refleja la multiplicidad de ideas, aspectos y temas que articulan la actitud Punk en arte contemporáneo. Y, como no podría ser de otra forma, “PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo” es una exposición llena de ruido, explícito pero también en la suma de imágenes y en una voluntad desjerarquizadora de la producción artística contemporánea: mezclando grandes instalaciones, rastros documentales, piezas únicas, múltiples, fotografías, vídeos, pintura. Finalmente como muestra de los antecedentes y de la historia del Punk, la exposición incluye un diagrama que muestra tanto sus orígenes como sus rastros hasta el presente.

Avance: “El triunfo de la imagen“ @rabasf

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
Sala de Exposiciones Temporales
Calle Alcalá 13
*Entrada gratuita a esta exposición.
Del 18 de febrero al 12 de abril de 2015.
Más información en www.realacademiabellasartessanfernando.com

"El triunfo de la imagen".


La exposición “El triunfo de la imagen“ da a conocer el trabajo de conservación y restauración de bienes culturales (muebles e inmuebles) de naturaleza eclesiástica, realizado por la Comunidad de Madrid en colaboración con la Iglesia católica.

Entre las actuaciones desarrolladas desde la Comunidad de Madrid con objeto de facilitar, difundir y estimular el conocimiento y aprecio de los bienes culturales ubicados en la región, la Dirección General de Patrimonio Histórico organiza exposiciones que permiten mostrar al público la labor llevada a cabo para garantizar la conservación y disfrute de dichos bienes.

"El triunfo de la imagen".


El título El triunfo de la imagen hace referencia, por una parte, a la labor evangelizadora desempeñada por la imagen a lo largo de la historia del catolicismo y, por otra, a las intervenciones de restauración promovidas desde el Gobierno regional con objeto de recuperar el esplendor de estas piezas.

La exposición recoge una amplia selección del patrimonio eclesiástico y recorre un período concreto, que coincide con un momento de máxima actividad en el mecenazgo eclesiástico, el que discurre entre la Edad Media y finales del siglo XVIII. Consta de cincuenta y siete piezas, entre las que se cuentan lienzos, esculturas, textiles y orfebrería, seleccionadas en función de su valor histórico y artístico, así como la innovación e interés técnico de la metodología de restauración empleada en cada una de ellas. Cerca de la mitad de estas obras es la primera vez que se exponen en España y más de una decena son inéditas.

La muestra también acerca a algunos de los proyectos de restauración en bienes inmuebles más relevantes realizados en los últimos años, como los acometidos en la Capilla del Obispo o el convento de las Comendadoras de Santiago en Madrid, el monasterio de Santa María la Real de Valdeiglesias en Pelayos de la Presa y la iglesia parroquial de la Asunción de Nuestra Señora en Meco.

jueves, 29 de enero de 2015

#FiveYears @pablolecroisey #Alcorcón Five Years, de Pablo Lecroisey

Centro Municipal de las Artes
Sala Altamira
Av. de Pablo Iglesias s/n
Alcorcón - Madrid
Inauguración: 5 de febrero de 2015 a las 19:00 horas
Más información en www.pablolecroisey.com



Comisariado: Nuria García Arias

Five Years
La vida es una secuencia de ciclos encadenados donde el principio y el final se conocen, pero en donde el recorrido es toda una incógnita. Un abanico infinito de opciones y de posibles vidas que vivir. Unas sucesión de viviendas que van desde lo más terrenal y básico, a lo más superficial y sofisticado, sin olvidar lo más puro y espiritual.

En esta exposición se podrá ver una selección de obras producidas a lo largo de cinco años por el fotógrafo Pablo Lecroisey. Un artista emergente con amplia experiencia, capaz de ordenar escenografías y dotarlas de una potente interrelación entre si, dotando sus composiciones de una gran carga dinámica. Un narrador de historias verosímiles, con ciertos toques de irrealidad, que invitan al espectador a soñar.

Esta exposición propone, a través de más de veinte obras profundamente simbólicas, el recorrido vital de un joven a lo largo de cinco años, buscando la constante complicidad con el visitante. En la muestra se invita a imaginar cómo puede cambiar la vida de una persona en tan corto periodo de tiempo.

Nuria García Arias - Historiadora del Arte

#MMACM @Econdeduque @CondeDuqueMAD Reapertura del Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid.

Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid
Calle Conde Duque 9-11
Desde el 3 de febrero de 2015.
Más información en la web del museo

Isabel Quintanilla
La Noche, 19995


"El orden de la Colección" y "El despacho de Ramón Gómez de la Serna" muestras que sirven para la reapertura del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, tras cinco años cerrado al público.




En su Antropología estructural, Claude Lévi-Strauss, nos enseñó que "El análisis formal plantea inmediatamente una cuestión: el sentido", y ese sentido, el de las obras que conforman una colección y la colección misma como entidad, al tratarse de un museo o institución, implica siempre un cierto ordenamiento, que podemos designar como"El orden de la Colección". Aquí, a ese orden le antecede un sintagma, el de El Museo portátil, que engloba todo el proyecto que desplegamos ahora en estas dos salas del Museo de Arte Contemporáneo, y ese sintagma funciona como el nexo de unión de dos realidades interconectadas: la colección permanente y el Despacho de Ramón Gómez de la Serna.

Lo portátil es un rasgo que entrelaza y define ambas plantas y contenidos, promueve su carácter transitorio y afianza la idea de movilidad del museo dentro del museo. ¿No es acaso el Despacho de Ramón un museo dentro del museo? ¿No constituyen las obras de una colección un museo portátil dentro del museo?. La nueva "lectura" de la colección se basa en la articulación de cuatro unidades autónomas bajo los epígrafes: FORMA Y GESTO; FIGURA Y REALIDAD; IMAGEN Y CIUDAD; UNICIDAD Y MULTIPLICIDAD; categorías todas ellas aplicables también al despacho ramoniano, base de esta nueva lectura de la colección y del programa que la sustentará.

El escritor Ramón Gómez de la Serna (Madrid, 1888 - Buenos Aires, 1963), perteneciente a la generación de 1914, popularmente conocido como Ramón, fue una figura central de la vanguardia literaria y artística de los años veinte y treinta del siglo XX en Madrid. En el contexto de sus múltiples realizaciones, la temprana creación de su despacho en los años diez, con objetos adquiridos preferentemente en el Rastro madrileño, pero también en otras ciudades europeas que visitó, e imágenes recortadas de libros y revistas que fueron cubriendo y tapizando paredes y mobiliario, supone una de las creaciones artísticas más singulares de ese tiempo.

Para construir y reconstruir sin cesar ese entorno, concebido y vivido a lo largo de su vida como un taller que le motivó para realizar una obra en la que es primordial el mundo de la imagen, se valió de dos dispositivos creados por el arte de las vanguardias: el collage y el fotomontaje. Con esos instrumentos creó uno de los fotocollages más sorprendente del arte de la vanguardia española, una de cuyas características esenciales fue su condición portátil, cualidad intrínsecamente asociada con la fórmula baudeleriana que definía la modernidad como la exaltación de "lo transitorio, lo fugitivo y lo contingente". Con ese museo portátil Ramón se sitúo en el epicentro de las búsquedas asociadas con el Cubismo, el Dadaísmo y el Surrealismo, motores de la fascinante modernidad requerida en el campo de la creación, la escritura y el arte del primer tercio del siglo XX.

Esa modernidad, que Ramón propició como leit motiv de su vida, conjugaba el deseo de las búsquedas de nuevos modos de expresión así como de nuevas emociones artísticas. No es extraño que Ortega y Gasset le dijera a Ramón cuando visitó su Torreón de la calle de Velázquez, símbolo de los distintos despachos que creó en su dilatada carrera y el más querido por él, que fue allí "donde vio claro el secreto del arte moderno". La construcción de ese entorno, le permitió reforzar su psicología personal, estar rodeado permanentemente de su mundo más querido y afianzar su propia imagen.

Su contenido enciclopédico abarcaba temas tan diversos como el erotismo, la muerte, lo cómico, los sucesos cotidianos, las patologías, lo fantasmagórico, lo vulgar cotidiano, la iconografía de escritores y artistas así como multitud de imágenes de obras de arte desde la antigüedad hasta los ismo s de su tiempo, formando, junto con los numerosos objetos diseminados por el espacio, una cámara de maravillas de la modernidad.

Esta feliz conjunción de una selección de la colección permanente del museo con las imágenes del arte y los objetos que acopió Ramón en su despacho que ahora pasa a convertirse en la nueva tarjeta de identidad del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, nos ha permitido establecer un entrelazamiento de conceptos y realidades que, bajo la fascinante fórmula el museo dentro del museo, propiciará un programa atractivo para su más inmediato futuro.

 Eduardo Alaminos López, director del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid 

#MapasDeAccion Mapas de acción, de Yolanda Domínguez. @e_serendipia @yodominguez

Galería Serendipia
Calle Infante 3
Del 30 de enero al 14 de marzo de 2015.
Más información en www.espacioserendipia.com - @yodominguez


Comisariado: Abel Azcona


Una galería de arte convertida en laboratorio • Una artista incómoda • Mapas para explorar y detonar • Espectadores críticos, activos y creativos • Terminar con la asepsia mental que nos rodea • Arte colectivo y en construcción • Procesos de creación en red, publicados, twiteados, comentados y versionados

“Mapas de Acción” es un laboratorio artístico donde Yolanda Domínguez nos invita a ser testigos de su proceso creativo. Diferentes acciones desarrolladas durante años por la artista son desgranadas paso a paso a la vista del visitante: desde las referencias que encienden la mecha hasta el impacto y alcance de las que han llegado a convertirse en pequeñas revoluciones sociales. Un recorrido a puertas abiertas por su mapa mental y estrategias de trabajo que nos proponen una nueva relación artista-sociedad, dibujando al espectador como pieza clave de activación y el espacio público como campo de batalla.


Yolanda Domínguez (Madrid, 1977) artista visual, estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y es Master en Arte y Nuevas Tecnologías por la Universidad Europea de Madrid y Master en Fotografía Concepto y Creación por la Escuela de Fotografía EFTI, Madrid.

Becada por el Ministerio de Cultura de España para la Promoción del Arte Español en el exterior (2010) ha presentado su trabajo en diferentes instituciones y festivales como Photoespaña 2012, JustMad Arte Contemporáneo, L'Alliance Française, Mulier Mulieris Museo de la Universidad de Alicante, Live Art Festival Exist en Australia, International Art Gender Festival, Contemporary Culture Festival NOVA in Sao Paulo, Rio de Janeiro y Barcelona y ha realizado exposiciones en la Galería Rafael Pérez Hernando y Pilar Cubillo en Madrid, Streitfeld Projektraum en Munich, Rojo Artspace en Milán y Elga Wimmer Gallery en Nueva York.

Su labor artística trasciende al ámbito social y educacional, colaborando con distintas instituciones y organismos oficiales en programas de igualdad y género a través de talleres y conferencias y actualmente es profesora y tutora del Master Concepto y Creación de la Escuela de Fotografía EFTI de Madrid donde imparte el taller "Arte como herramienta de transformación social" y profesora en el Master Experiencial en dirección de marketing para las industrias creativas en Madrid School of Marketing.

También colabora con empresas realizando acciones específicas, recientemente en 2012 colaboró con Greenpeace en su campaña "Detox" y con Médicos del Mundo en su campaña "Nadie Desechado".

miércoles, 28 de enero de 2015

#MatadorQ Matador Q se rinde a la fotografía.

LA REVISTA MATADOR SE RINDE A LA FOTOGRAFÍA Y PRESENTA UN NÚMERO EXCEPCIONAL EDITADO POR ROBERT PLEDGE, FUNDADOR DE CONTACT PRESS.

En 2015, a casi 20 años de su nacimiento, Matador reflexiona sobre sus señas de identidad: el arte y, especialmente, la fotografía. Junto a su nombre, su espectacular diseño, sus tipografías o su cuidada impresión, la imagen es una de las claves de la filosofía de Matador, que permite al lector disfrutar de fotografías a varias tintas y tamaño XL, a 60x40 cm en las dobles páginas, en un despliegue de color y fuerza que constituye una experiencia inolvidable para la retina. Consciente de la importancia de la fotografía en la filosofía de la revista, Matador ha querido rendirle homenaje y pone en manos del lector su volumen Q, un ejemplar espectacular donde la fotografía es absoluta protagonista.

Para crear un número rendido a la fotografía, Matador no podía más que contar con uno de los grandes fotoeditores de la historia. La edición de Matador Q es obra de Robert Pledge(Londres, 1942), editor, comisario y fundador de la mítica agencia Contact Press Images. Con la premisa de que la fotografía fuese la protagonista de este número, sin demasiadas palabras, Pledge ha decidido centrarse en la fotografía documental debido a que, mientras otras esferas de la fotografía atraen muchísima atención, los expertos llevan tiempo proclamando la desaparición del documental y del periodismo. Lejos de presentar un estudio de la fotografía documental alrededor del mundo, el editor ha querido reunir una representación formada por fotógrafos de ambos sexos, de diferentes orígenes y generaciones, de todos los estilos y tendencias. Una selección de fotografía documental tanto artística como fotoperiodística en la que todos los continentes están representados y en la que las voces nuevas se unen a las más esperadas, procedentes de las grandes tradiciones e importantes escuelas de fotoperiodismo, fotografía de revista y documental, así como del fotoensayo.

Cultivos de secano no 21, comarca de los Monegros, Aragón; España, 2010.
Dryland farming #24, Monegros County, Aragon; Spain, 2010.
© Edward Burtynsky.
Cortesía Nicholas Metivier Gallery, Toronto / Howard Greenberg Gallery & Bryce Wolkowitz Gallery, New York.


Matador Q presenta los paisajes de Sebastião Salgado (Brasil, 1944), con su silenciosa denuncia del expolio de los paraísos naturales de la tierra; imágenes de Lu Guang (China, 1961) que documentan los contrastes del paisaje en la China moderna, con sus luces y sus sombras. Las fotografías aéreas de Edward Burtynsky (Canadá, 1955), quien en los últimos años ha retratado zonas terrestres rodeadas de agua, conviven con las fotografías sobre el desmantelamiento de la cultura tradicional en Papúa Nueva Guinea de Stephen Dupont (Australia, 1967) y las oníricas imágenes del Congo de Sammy Baloji (República Democrática del Congo, 1978), que mezclan blanco y negro con color en un trabajo que perdura poderosamente en la memoria.

Un cazador Yali, Papúa Occidental; Indonesia, 2010.
A Yali hunter, West Papua; Indonesia, 2010.
© Sebastião Salgado.
Cortesía de Amazonas Images & Contact Press Images.

Catherine Leroy (Francia, 1945 – Estados Unidos, 2006) contaba solo 22 años cuando realizó una secuencia de imágenes ya icónica de la Guerra de Vietnam, mientras que la fotógrafa coreana Yun Suyeon (Corea del Sur, 1972) retrata la vuelta a casa de los soldados norteamericanos tras la guerra de Irak. Annie Leibovitz (Estados Unidos, 1949) muestra su lado más íntimo en una colección de imágenes que retratan una serie de mujeres “famosas”, entre ellas Emily Dickinson, Eleanor Roosevelt o Georgia O’Keeffe, a través de las estancias que ocuparon en vida, mientras que Sim Chi Yin documenta en Underground Beijing viviendas minúsculas, casi subterráneas, construidas en los cimientos de las casas de Pekín.

Mundo de carbón. Ovejas artificiales de tamaño real; interior de Mongolia, abril de 2012.
Coal World. Fake life-size sheep; Inner Mongolia, April 2012.
© Lu Guang.
Cortesía Contact Press Images.

La vuelta al mundo continúa en Japón con Kosuke Okahara (Japón, 1980) y su trabajo Ibasyo, una impactante serie sobre los jóvenes japoneses que se autolesionan como manera de huir de su realidad, y llega a la India de la mano de la fotógrafa Talisma Akhter(India, 1974), que retrata la vida de las trabajadoras de las fábricas de ropa en Bangladesh, con el drama de fondo del derrumbe de una de ellas en 2013. De vuelta a Occidente, David Burnett (Estados Unidos, 1946) cierra Matador Q con una original perspectiva sobre el mundo de las olimpiadas, estética y ordenada, en un perfecto blanco y negro.

Bolsa de basura, Harrisburg, Pensilvania.
Rubbish bag, Harrisburg, PA.
© Yun Suyeon

«El trabajo de estos doce fotógrafos, con sus preocupaciones específicas y su visión personal, así como la cuidada edición y secuenciación de imágenes y portfolios en una presentación estructurada, deberían ofrecer al lector de Matador un valioso acercamiento a las intenciones y filosofías de estos autores y artistas, además de reafirmar la percepción de que la fotografía de naturaleza documental continúa siendo indispensable como herramienta para comprender nuestro mundo compartido, su diversidad y complejidad, sus asuntos sobrecogedores, sus defectos, incertidumbres y peligros.» Robert Pledge

© Raymond Depardon / Magnum Photos.


Matador Q se completa con sus habituales secciones fijas. Los “Matadores” de este número son el fotógrafo Raymond Depardon, la comisaria y gestora Marta Gili y el editor y fotógrafo James A. Fox. Sus semblanzas están firmadas por el escritor y editor Jean-Claude Guillebaud, el especialista en arte Marc Lenot y el agente fotográfico, editor y comisario Neil Burgess, respectivamente. La joven escritora Jenn Díaz escribe el relato inédito Las cosas de la vida que no se entienden para la sección “Abecedario”.

Primavera del 84.
© Marta Gili.



Cuaderno de artista: Joan Fontcuberta, 
Gastropoda El Cuaderno de Artista correspondiente al Volumen Q de Matador es un trabajo inédito de Joan Fontcuberta compuesto por 14 fotografías que muestran invitaciones de museos y galerías de arte recopiladas por el autor y transformadas en vestigios más o menos reconocibles por la acción voraz de unos caracoles silvestres que se convierten en coautores de la obra. Por primera vez el Cuaderno de Artista de Matador se hará exposición y, a partir del 28 de enero, la serie Gastropoda podrá visitarse en La Fábrica (C/ Alameda 9. Madrid).

Bodega Matador: Dominio do Bibei y Joan Fontcuberta
El volumen Q de Matador se acompaña del vino Joan Fontcuberta, procedente de la bodega Dominio do Bibei, situada en el valle ourensano del mismo nombre. Ubicados en terrazas que datan de la época romana, hace casi dos mil años, los viñedos han sido recuperados del abandono sufrido por la filoxera, la Guerra Civil y la emigración gallega. Tras doce años de duro trabajo, con la experiencia del pasado, las ganas del presente y la ilusión del futuro, nace un coupage que pretende transmitir el sentir, la identidad y la singularidad de la Ribeira Sacra.

Más información en www.revistamatador.com - www.lafabrica.com

"Cineastas contados…. de ambos lados", de Óscar Fernández Orengo. @casamerica

Casa de América
Plaza de Cibeles s/n
Sala Diego Rivera y galería Guayasamín.
Del 4 de febrero al 3 de abril de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.casamerica.es



Entre los cineastas retratados en las instantáneas en blanco y negro de Óscar Fernández Orengo se encuentran Pedro Almodóvar, Manuel Gutiérrez Aragón, Gonzalo Suárez, Jonás Trueba, Carlos Reygadas, Alejandro Jodorowsky, Claudia Llosa y Arturo Ripstein.

En esta muestra, el objetivo de Óscar Fernández Orengo se detiene en 52 cineastas que son retratados, en formato panorámico y en blanco y negro, en lugares escogidos por ellos mismos y que forman parte de su vida cotidiana. De este modo, “ Cineastas contados… de ambos lados” extrae a los directores de cine de su lugar profesional para colocarles frente a la cámara en un lugar más personal.

Adolfo Aristarain, por Óscar Fernández Orengo


La exposición se enmarca dentro de la serie “ Cineastas contados” con la que el donostiarra Óscar Fernández Orengo pretende crear un archivo fotográfico documental de la generación actual de cineastas, desde los más populares hasta los de públicos más minoritarios. “ Cineastas contados… de ambos lados” supone un extracto de esta serie que trata de representar parte de lo más destacado de ambas orillas del Atlántico.

Con 27 fotografías de cineastas latinoamericanos nunca antes expuestas y 25 retratos de cineastas españoles, esta exposición conecta el séptimo arte de España y América en retratos íntimos y personales.

Claudia Llosa, por Óscar Fernández Orengo


Mi único deseo era seguir retratando el mayor número posible de cineastas españoles y latinoamericanos, contactar con todos los directores de cine, sin restricción alguna, desde los más consagrados hasta los que por ahora, sólo habían realizado una ópera prima, cineastas de culto, cineastas invisibles, cineastas veteranos o cineastas caídos en el ostracismo al llevar mucho tiempo sin rodar una película. Cineastas de género, cineastas experimentales o cineastas documentalistas. Me intereso por todos, no juzgo la calidad de su filmografía tan solo registro su existencia.


Óscar Fernández Orengo