viernes, 3 de julio de 2015

XXII Concurso de Pintura y Grabado CBA.

Círculo de Bellas Artes
Sala Antonio Palacios
Planta 4ª
Calle Alcalá 42
Hasta el 12 de julio de 2015.
Más información en www.circulobellasartes.com - www.luciegeffre.com

D. con trenza, 100 x73 cm, 2014. Lucie Geffré, Premio Pintura 2015.

El 29 de junio se falló el XXII Concurso de Pintura y Grabado que organiza el Círculo de Bellas Artes. Resultaron galardonados Lucie Geffré, por su obra D. con trenza (Premio de Pintura); Inocencia Isabel Sanz, por su obra La calabaza (Mención de Honor, Pintura); María del Carmen de la Calle Llurba, por su obra Nube y árbol (Mención de Honor, Pintura); Susana del Real Iglesias, por su obra Apunte (Premio de Acuarela y Dibujo); José Luis Manzanaro Asenjo, por su obra Sin título (Mención de Honor, Acuarela y Dibujo), y Candelas Viyuela Flores, por su obra Kiosko de flores (Premio de Grabado).

El jurado encargado de seleccionar las obras lo integraron Mayte Castellano (galerista), Jacobo Pérez-Enciso (artista) y Álvaro Alcázar (galerista). Todas las obras participantes en el concurso están expuestas hasta el 12 de julio en la Sala Antonio Palacios del CBA.

jueves, 2 de julio de 2015

Fringe, Festival de Artes Escénica. Veranos de la Villa 2015.


Frinje Madrid se asoma este año al filo de los géneros para tomar impulso y saltárselos. Las más de 500 propuestas recibidas desde distintos rincones del mundo demuestran que la realidad escénica desobedece desde hace ya tiempo la tiranía de las etiquetas. En 2015 celebramos los cuerpos en movimiento, alentamos la creación en grupo, disfrutamos experiencias singulares, investigamos en laboratorios de creación, reinventamos enfoques y experimentamos de primera mano la inmediatez de una actualidad rabiosa, intensa y desafiante.

Frinje Madrid cartografía en su cuarta edición los territorios fronterizos de la escena y explora, para habitarlos, los espacios comunes de la creación, la exhibición y el pensamiento contemporáneo.

Frinje Madrid escribe del 3 al 25 de julio un manifiesto artístico que reivindica un diálogo activo entre creadores y espectadores, entre las realidades múltiples y las utopías (o distopías), entre la vanguardia y la tradición. Y lo hace con programación para mayores y pequeños en el escenario, en las terrazas, en los espacios convencionales y en los singulares.

Frinje Madrid cambia de rumbo, muta, se repiensa. Y estrena nombre con cuerpo de J: de Fringe a Frinje. En un homenaje a la sencillez juanramoniana; en un guiño a la particular y reconocible pronunciación con que suele llamar al festival el público madrileño.

Puedes descargar el programa en PDF aquí
Más información en www.frinjemadrid.com - www.mataderomadrid.org

miércoles, 1 de julio de 2015

SINESTESIA. Colección olorVISUAL #ArteTabacalera

Espacio Promoción del Arte
Tabacalera
Calle Embajadores 51
Del 3 de julio al 27 de septiembre de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.archivovisualdeexposiciones.es





Sinestesia es ver con el olor, oler con los ojos y ver cuando oyes a través de la memoria. Esa mezcla de sensaciones que nos transporta a lugares a través de relaciones indirectas. En base a este concepto gira la exposición, que se compone de una selección de entre las mejores obras de la colección olor Visual.

SINESTESIA. Colección olorVISUAL

La muestra, además, hace un repaso histórico por cómo estas sensaciones metafóricas, tan propias también del mundo del arte contemporáneo, nos acompañan a lo largo de la vida.

Iñaki Domingo y Ding Musa. Resonancias.

Espacio Promoción del Arte
Sala La Fragua
Tabacalera
Calle Embajadores 51
Del 2 de julio al 6 de septiembre de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.archivovisualdeexposiciones.es

Ding Musa. "limite 1". 2014. © Ding Musa. Cortesía del artista

Organizan: Tabacalera. Espacio Promoción del Arte y PHotoEspaña
Produce: Ministerio de Educación, Cultura y Deporte



Resonancias es un proyecto de Ding Musa (Brasil, 1979) e Iñaki Domingo (Madrid, 1978), dos fotógrafos pertenecientes a una misma generación de creadores que comparten intereses relacionados con conceptos como la luz, la percepción, el espacio o la forma geométrica. Su colaboración comienza en 2014, momento en que contactan y deciden mantener un diálogo visual a través del cual compartir sus búsquedas y preocupaciones, que culmina en una exposición en la que muestran su trabajo conjuntamente por primera vez. Entre las características comunes a su generación artística están el abordaje de la fotografía desde una perspectiva que asume la práctica tradicional pero que a la vez trata de expandirla; la reflexión sobre el lenguaje visual; las implicaciones que entrañan la creación de imágenes y el análisis de la materia de la que se componen; así como un sentido de responsabilidad política con el que cuestionan las imágenes existentes y proponen una nueva construcción visual del mundo y de su representación desde lo fotográfico. La exposición se configura como el resultado de una interacción entre ambos artistas interviniendo un espacio específico.

martes, 30 de junio de 2015

El óleo de Paul Gauguin "Nafea faa ipoipo"se incorporará a la exposición del Kunstmuseum Basel del Reina Sofía.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ( MNCARS ).
Planta 4ª
Edificio Sabatini
Desde el 3 de julio de 2015
Más información en www.museoreinasofia.es

Paul Gauguin
Nafea faa ipoipo - ¿Cuando te casarás?, 1892.
Colección Rudolf Staechelin

La obra se podrá contemplar en una de las salas que conforma la exposición Coleccionismo y Modernidad. Dos casos estudio: Colecciones Im Obersteg y Rudolf Staechelin, junto a obras de otros artistas de la talla de Picasso, Van Gogh, Renoir o Chagall, entre otros. El cuadro ha viajado desde la Fondation Beyeler, donde ha formado parte de una gran retrospectiva dedicada al autor francés, y se podrá ver hasta el 14 de septiembre en el contexto de la colección a la que ha pertenecido hasta hace unos meses, la de Rudolf Staechelin, que se exhibe de manera habitual en el Kunstmuseum Basel, y que debido a las obras de reforma acometidas por el edificio se encuentra en estos momentos en Madrid.

lunes, 29 de junio de 2015

Presentación: Vogue: Like a Painting.

Museo Thyssen-Bornemisza
Pº del Prado 8
Del 30 de junio al 12 de octubre de 2015
Más información en www.museothyssen.org - likeapainting.vogue.es

Erwin Olaf
Vogue , Países Bajos, junio de 2013.
Fotografía © Erwin Olaf

Organizan: Vogue y Museo Thyssen-Bornemisza
Comisariado: Debra Smith

Debra Smith, comisaria de la exposición
El Museo Thyssen-Bornemisza acoge desde el 30 de junio la exposición fotográfica Vogue like a painting, una muestra con sesenta y una imágenes de inspiración pictórica, procedentes de los archivos de la revista Vogue y realizadas por algunos de los fotógrafos más destacados de las últimas tres décadas.
Las fotografías de esta muestra se han seleccionado por tener las características que tradicionalmente se atribuyen a la pintura. En algunas se utiliza el relieve escultórico y en otras la luz tiene una factura pictórica. Tenemos ejemplos del Renacimiento y el Rococó, pero quizás los mejores los hallamos entre los prerrafaelitas. Muchas de las imágenes seleccionadas nos hacen pensar en cuadros y artistas concretos: están aquí Vermeer, Hopper y Millais; Balthus, Van Eyck, Botticelli y Zurbarán; Degas, Sargent, Dalí, Hogarth, Rossetti y Magritte.

Annie Leibovitz, 2006.


Algunas obras imitan géneros bien definidos; los retratos de grupo británicos del siglo XVIII, que son simbólicamente narrativos, o la mujer en deshabillé. Algunas ilustran de manera literal la idea central de la exposición con la presencia de la pintura en las modelos o reproduciendo texturas pictóricas como en las impresiones artesanales de Nick Knight, pero también hay referencias directas a piezas icónicas de la historia del arte como Girl with the pearl earing de Erwin Blumenfeld, versionando la famosa Joven de la perla de Vermeer, los bodegones de Grant Cornett o las instantáneas de Peter Lindbergh, inspiradas en cuadros de Paul Gauguin. El hilo común que recorre toda la muestra es, como afirma su comisaria Debra Smith, una suerte de ralentización: “una atemporalidad en la pose de las modelos; una especie de lapso mental en el que todo está muy, muy quieto”.

Vestido diseñado por Valentino.

La exposición está organizada en torno a los grandes géneros pictóricos, como son el retrato, el paisaje o los interiores, de manera que la herencia pictórica de la fotografía se percibe de forma aún más evidente.

Erwin Blumenfeld, 1945.

El visitante podrá dejarse seducir por Irving Penn, maestro de las líneas puras y de lo exquisito; Annie Leibovitz, icono y retratista oficial de iconos; Peter Lindbergh, señor del drama en blanco y negro; Paolo Roversi, retratista de lo puro; Mario Testino, dueño de la luz; la teatralidad de Tim Walker y la llamada de la fuerza de Mert Alas y Marcus Piggott; Patrick Demarchelier, el verdadero clásico, siempre deseado; Steven Klein y su visión cinematográfica de la fotografía de moda; los colores y la espontaneidad de Sheila Metzner; Nick Knight y sus imágenes todopoderosas; la magia sorprendente de David Sims y Deborah Turbeville, la mujer que mejor captó el alma de las mujeres; la carga sugestiva de Camilla Akrans; el magnetismo de Glen Luchtford; Michael Thompson, fotógrafo del alma; Erwin Olaf y su mirada contemporánea; Erwin Blumenfeld, un visionario y autor de las portadas más icónicas de Vogue; Mariano Vivanco y su calidez y energía; William Klein, el fotógrafo de las emociones; Yelena Yemchuk y su visión moderna y delicada; la técnica perfecta de Cecil Beaton; Edward Steichen y su impecable equilibrio entre misterio y belleza; la delicadeza de Clifford Coffin; la visión adelantada de Horst P. Horst y David Seidner y su espíritu tradicional, tan moderno. La muestra incluye, además, dos vestidos: el impresionante “Queen Orchid” de la diseñadora china Guo Pei, que dialoga con el retrato que Irving Penn hizo de Cate Blanchett como Isabel I de Inglaterra, y un diseño de Valentino con motivos florales en la sala de fotografía de exteriores y jardines.

Organizadores y patrocinadores de
la exposición.
Yolanda Sacristán, directora de Vogue España, explica que “fue Vogue la precursora de la fotografía de moda cuando, ya en la década de 1920, empezó a reemplazar sus portadas ilustradas por imágenes de artistas tan revolucionarios como Edward Steichen, quien llevaba desde 1911 experimentando con el retrato de moda. Fue él mismo junto con otros grandes colaboradores de Vogue -Cecil Beaton, Horst P. Horst e Irving Penn, principalmente- quienes transformaron el género en una forma de arte excepcional, sentando las bases de la fotografía moderna”.


Camilla Akrans
Mujer sola, 2010.

La exposición cuenta con el patrocinio y apoyo de la prestigiosa marca de joyería Bulgari que refleja una vez más el fuerte vínculo y pasión que siempre ha sentido por el arte y la cultura en sus más de 130 años de historia. Fundada en Roma en 1884, la firma de joyería Bulgari es un emblema de la excelencia italiana. Maestro en las gemas de color, Bulgari se caracteriza por su audacia estilística, la sensualidad del volumen, el amor por lo lineal y su inspiración grecorromana. Todas las creaciones Bulgari, sean joyas, relojes, accesorios o perfumes, encarnan el lujo italiano atemporal y contemporáneo.

Mirar la arquitectura: fotografía monumental en el siglo XIX.

Biblioteca Nacional de España
Sala Recoletos
Pº de Recoletos 20-22
Del 3 de julio al 4 de octubre de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.bne.es - www.phe.es

Laurent, J. Monasterio de San Lorenzo del Escorial. 1870. ©Biblioteca Nacional de España, Madrid

Las investigaciones que dieron lugar al nacimiento de la fotografía tenían como objeto reproducir la realidad y ayudar en la creación de obras de arte. El nexo de unión entre Nicéphore Niépce (1765-1833), Louis-Jacques-Mandé Daguerre (1787-1851) y Fox Talbot (1800-1877), los considerados “padres” de la fotografía, fue precisamente buscar un procedimiento que les permitiera reproducir por medio de la cámara oscura las imágenes de la realidad sin necesidad de dibujarlas. La fotografía nació en el momento de mayor producción de obras de carácter enciclopédico como forma de transmisión cultural y de conservación de la memoria. Comprometida con el historicismo y el positivismo, con el desarrollo de las ciencias y la industria, la búsqueda del conocimiento no parecía tener límites y la idea de intentar recopilar la mayor cantidad de información visual histórica, ordenarla, estudiarla científicamente y difundirla convirtió a la fotografía en el medio ideal para intentar llevar a cabo esta labor de la manera más rápida, fácil, completa y amplia posible.

Edificios y monumentos fueron el principal objeto fotografiado desde el mismo nacimiento del daguerrotipo, llegando a crearse todo un imaginario que se repetiría y ampliaría con el tiempo y el perfeccionamiento fotográfico. Esta exposición pretende poner de manifiesto las diferentes vinculaciones entre fotografía y arquitectura, llamando especialmente la atención sobre esta relación en nuestro país, desde que los monumentos y ciudades españoles comenzaron a difundirse de la mano de los viajeros románticos extranjeros aficionados a la fotografía, hasta convertirse en un lugar de estudio científico que retratar para incorporarlo a las historias de la arquitectura, incluyendo, además, el análisis de las relaciones entre arquitectos, historiadores y fotógrafos y la puesta en valor del trabajo de los fotógrafos de arquitectura en España. Todo ello realizado, fundamentalmente, a través de los fondos de la Biblioteca Nacional de España.

sábado, 27 de junio de 2015

InsideInsect. Jorge Fuembuena. PHE15.

Centro de Arte Alcobendas
Calle Mariano Sebastián Izuel 9
Alcobendas - Madrid
Del 2 de julio al 23 de septiembre de 2015
Más información en www.jorgefuembuena.comwww.centrodeartealcobendas.org

El Cementerio de Calanda.2014.
Fotografía © Jorge Fuembuena.


El proyecto InsideInsect es un proyecto personal en el ámbito de la investigación sobre la obra y construcción y representación del universo del cineasta aragonés Luis Buñuel.

Inside Insect es un proyecto personal de investigación fotográfica que actualiza la figura de Luis Buñuel desde perspectivas contemporáneas y que explora el uso y la función de las imágenes mezclando hechos y ficciones. El proyecto busca las huellas del paso del cineasta por diversos territorios, generando un nuevo valor a los objetos encontrados y documentos de archivo como cartas, postales, fotografías degradadas, mapas y textos. El proyecto juega con los sistemas de signos y la representación fotográfica mezclando deliberadamente realidad y ficción, el mito del pasado y presente y la realidad.

En el proyecto no se intenta tanto articular rastros o testimonios en una presentación cronológica o espacial ordenada, sino que existe un acercamiento para acentuar e interrogar ciertos espacios que contienen una cierta especificidad. Existe la reflexión de cómo un contexto específico crea, impone o construye un valor simbólico. El proyecto toma la forma de ensayo fotográfico compuesto por fotografías y materiales de archivo, estableciendo relaciones de solapamiento, ecos o resonancias de todos estos elementos presentados como una constelación de materiales. InsideInsect explora la apropiación de la imagen, la recreación y la fotografía de paisaje documental. El proyecto InsideInsect contiene simultáneamente el elemento afectivo y el analítico, situándose a medio camino entre lo objetivo y lo subjetivo, entre lo real y lo ficticio, entre la realidad y el deseo, en suma, entre la razón y la emoción. La visión de Buñuel chocaba con la realidad. Luis Buñuel tenía la muerte muy presente y la fotografía no nace como un espacio estético sino como un discurso trágico, el del tiempo y la muerte.

El marco de referencia contextual explora los lugares por los que pasó Luis Buñuel en vida y que marcaron un significado contrastado a través de sus memorias citadas en la publicación Mi último suspiro: Calanda, Zaragoza, Madrid, Toledo, París, New York, Los Angeles, y México D.F.

viernes, 26 de junio de 2015

MadGarden Festival 2015 - Fiesta de bienvenida - Entrada gratuita.

Real Jardín Botánico Alfonso XIII
Universidad Complutense de Madrid
Av. Complutense s/n
Jueves 2 de julio a las 19:00 horas
Más información en www.madgardenfestival.com
Reserva tu entrada aquí



19.00 h.
Apertura de puertas

19.30 h.
Sesión con el Dj MIGUEL CAAMAÑO
 Presentador del programa Alma de León - RADIO 3

20.00 h.
Sesión con el Dj MANOLO FERNÁNDEZ
Presentador del programa Toma Uno – Radio 3

20.30 h.
Concierto de WIDOW MAKERS presentando su tercer disco “Los Diablos”

21.30 h.
Sesión Dj JULIO RUIZ
Presentador del programa Disco Grande – RADIO 3

22.00 h.
Sesión Dj SANTIAGO ALCANDA
Presentador del programa Como lo Oyes – RADIO 3

22.30 h.
Concierto de THE LUCILLES


Ven a celebrar con nosotros el inicio de madgarden2015 y del nuevo mes el próximo jueves, 2 de julio porque hemos preparado una fiesta por todo lo alto y tú también estás invitad@.
El Jardín Botánico Alfonso XIII abrirá sus puertas a partir de las 19 horas para acoger los conciertos de los Widow Makers y The Lucille, además de las sesiones de los grandes de Radio 3Miguel Caamaño de Alma de león (Radio 3), Julio Ruiz de Disco Grande (Radio 3)Santiago Alcanda de Como Lo Oyes y Manolo Fernández de Toma Uno.
Saca tu entrada gratuita en este enlace:   http://madgardenfestival.com/espectaculo/0/presentacion-madgarden-festival-2015.html y ven a disfrutar de una noche de música, espectáculos y muchas muchas sorpresas más.

In a silent way. Antonio Olazábal.

Centro Cultural Anabel Segura
Av. de Bruselas 19
Alcobendas - Madrid
Del 1 al 25 de julio de 2015
Más información en www.aolazabal.comwww.alcobendas.org - www.centrodeartealcobendas.org



In a silent way
In a silent way.............de una manera silenciosa , como un desapercibido observador, es una buena forma de captar instantes fotográficos, registrar escenas fortuitas que puedan mostrarnos lo previsible, lo sorprendente y lo insólito de una ciudad como esta.
No se trata de hacer un retrato de Tokyo, esta es "solo" un asombroso escenario, se trata más bien de mirarse en ella.
De una manera silenciosa, así es como se produce esa gran contradicción entre la soledad y la multitud que nos muestra Tokyo donde si las imágenes sonaran podríamos escuchar a Miles Davis........


Antonio Olázabal, In a silent way, 2012
Fotografía © Antonio Olazábal.


In a silent way
Es una manera de fotografiar y de comprender la fotografía. Se trata de incidir en las apariencias para llegar a una posible verdad, la verdad del fotógrafo. No es necesario preguntar mucho, tampoco investigar demasiado, quizás incluso no sea útil ni un callejero ni un mapa. Tampoco hará falta disfrutar de la ciudad, visitar sus highlights, no se puede hacer todo al mismo tiempo.
El tiempo de la fotografía impone una búsqueda fotográfica, como si se tratase de un espía que trabaja fríamente, diría James Agee cuando investigaba la casa de la familia Burroughs, vacía, cuando no había nadie en ella, y observaba como si fuese algo así como un ladrón, moviéndose como no se esperaría que lo hiciese si hubiese alguien en la casa. Es el silencio del búho en vuelo instantes antes de atrapar la presa, tan solo observación, sin opiniones, sin valoraciones, tan solo la cámara que registra lo que puede ser útil para construir una obra fotográfica. Su sonido al captar la luz es imperceptible. Así entiendo las fotografías de Antonio en Tokio.
​Imagino Tokio -nunca he estado allí- como una ciudad ruidosa, también le otorgo un color, quizás abundan los grises, y también es cierto que conozco el cine de Yasujiro Ozu o las palabras de Haruki Murakami, e incluso he leído El Imperio de los Signos de Roland Barthes. Todo ello tendría que ver con un Tokio imaginado, posible, deseado o no, en todo caso incompleto, una realidad inabarcable, por sus mil aristas, sus mil caras, sus miles de capas. Ciertamente el lenguaje, sin duda el fotográfico, no tiene acceso a ello, la realidad no tiene forma, carece de contornos. Es por ello que huimos de la vieja ansiedad por querer narrar, por querer explicar con nuestras fotografías, como si quisiéramos escribir un cuento, como los de Ozu, intentando cercar alguna realidad e incluso verdad. Nuestro relato parte de que Tokio está vacío, como la casa de los Burroughs, que es el paisaje donde situar nuestra cámara, donde observar, donde extraer silencio de tanto ruido. Ya no caemos en la tentación de intentar salvar lo efímero, lo anecdótico, lo circunstancial, lo que ocurre, sino que llegamos, -no importa en qué momento- cuando ya hemos pensado Tokio, cuando ya sabemos nuestro Tokio en fotografías, nuestro único comentario ya es producto de un pensamiento visual. Fotografiamos la idea de Tokio, la nuestra, no es hablable, es una idea fotográfica y como tal plasmada, expresada.

Tokio es el refugio para nuestra narración, siempre en voz baja, apenas susurros, sin nada que explicar, sin querer convencer. Como Atget. Así entiendo las fotografías de Antonio en Tokio.