lunes, 20 de octubre de 2014

Presentación: Hubert de Givenchy @museothyssen @givenchy

Museo Thyssen-Bornemisza
Pº del Prado 8
Del 22 de octubre de 2014 al 18 de enero de 2015
Más información en www.museothyssen.org



Asesor del proyecto: Philippe Venet
Comisario: Eloy Martínez de la Pera
Comisaria técnica: Paula Luengo, Área de Conservación Museo Thyssen- Bornemisza

Hubert de Givenchy y Audrey Hepburn,
 en una prueba de vestuario
para el estreno de la película Historia de una monja
(Fred Zinneman, 1959).
 Fotografía © Corbis Images
El Museo Thyssen-Bornemisza presenta, desde el 22 de octubre de 2014 hasta el 18 de enero de 2015, la primera gran retrospectiva del modista francés Hubert de Givenchy, un creador esencial del siglo XX y leyenda viva de la historia de la alta costura. La exposición, primera incursión del Museo en el mundo de la moda, está ideada por el propio Givenchy y ofrece por ello un enfoque excepcional de sus creaciones a lo largo de casi medio siglo, desde la apertura en 1952 en París de la Maison Givenchy hasta su retirada profesional en 1996. El diseñador ha seleccionado alrededor de un centenar de sus mejores vestidos, procedentes de museos y colecciones privadas de todo el mundo y muchos de ellos inéditos para el público, que dialogan en las salas con un conjunto de obras de las colecciones Thyssen-Bornemisza.

Desde la fundación de su propia casa de costura, las colecciones de Givenchy han cosechado un éxito continuado. Admirador de la obra de Cristóbal de Balenciaga, de él heredó una forma de hacer y de entender la costura que se caracteriza por la pureza de líneas y volúmenes. Givenchy fue el primer diseñador en presentar una línea de prêt-à-porter de lujo en 1954 y sus diseños vistieron a algunas de las grandes personalidades del siglo XX, como Jacqueline Kennedy, Wallis Simpson, Carolina de Mónaco o su gran amiga Audrey Hepburn.



La exposición dedica un capítulo especial a esta fructífera relación profesional y de amistad que se inició en 1954 y se prolongó durante toda la vida de la actriz. Audrey vistió sus diseños en algunas de sus películas más conocidas, como Sabrina, Una cara con Ángel o Desayuno con diamantes, y declaró que “la ropa de Givenchy es la única con la que me siento yo misma. Es más que un diseñador; es un creador de personalidad”. Hepburn sirvió también de imagen para el primer perfume de la Maison Givenchy, L ́Interdit, que se presentó en 1957 y para cuya campaña la estrella fue inmortalizada por el fotógrafo Richard Avedon.


Como coleccionista él mismo de pintura de los siglos XVII y XVIII, además de obras de artistas de comienzos del siglo XX, Givenchy ha reconocido en numerosas ocasiones la influencia de la pintura en su trabajo; ejemplo de ello es el hecho de que sus creaciones aúnan la elegancia clásica de la alta costura con el espíritu innovador del arte de vanguardia. Este aspecto, no siempre fácil de reflejar, sale a la luz en las salas a través de los diálogos que sus vestidos establecen con una selección de obras escogidas de artistas como Zurbarán, Rothko, Sargent, Miró, Robert y Sonia Delaunay o Georgia O ́Keeffe. La exposición presenta sus contenidos mediante un recorrido abierto e intuitivo, basado en referencias y conexiones temáticas, conceptuales y estéticas, subrayadas en muchos casos por ese diálogo con los cuadros del Museo.

Creaciones innovadoras y primeros grandes éxitos

El recorrido empieza con un primer espacio dedicado a mostrar los comienzos de la Maison Givenchy, en 1952, con piezas destacadas de la que fue la primera colección en su propia casa de costura. Destaca entre ellas la famosa blusa Bettina, llamada así en honor de una de las modelos más bellas de la época y buena amiga del diseñador. Confeccionadas con un material tan económico como la tela blanca de algodón de camisa masculina, con cuello abierto y mangas adornadas con bordado inglés, estas blusas destilaban elegancia y belleza y constituyeron el primer gran éxito en su carrera y un primer paso en su consolidación internacional. A la blusa Bettina le siguieron otras creaciones surgidas de una imaginación adelantada a su tiempo, como unos vestidos de noche con el cuerpo suelto que podían llevarse también con falda o pantalón; elementos intercambiables que se dejaban a la imaginación y estilo de las clientas para combinarlos entre sí, de ahí su nombre: Separates.



Una fantástica selección de vestidos cortos, piezas de indumentaria en piel y delicados trajes en seda y lamé protagonizan las salas siguientes para mostrar una de las principales enseñanzas de su maestro Balenciaga, la importancia de los tejidos. Este trabajo con los distintos materiales junto al tratamiento cromático que les daba, por ejemplo a las pieles, hicieron de él un diseñador innovador y rupturista, pero sin perder nunca de vista la elegancia y la sencillez esencia de su talento. Esta parte del recorrido culmina con una muestra de vestidos que combinan el blanco y el negro, introduciendo ya aquí la que será una de sus mayores señas de identidad: la maestría en el trabajo con el color negro.

Grandes clientas

El núcleo de la exposición está dedicado a mostrar las creaciones para algunas de sus principales clientas, figuras esenciales para contar y mantener una carrera continuada de éxito a lo largo de toda la vida de un modista. Destacan entre ellas cuatro mujeres icónicas de la historia de la moda que fueron además grandes amigas de Givenchy: la duquesa de Windsor, la princesa Grace de Mónaco, Jacqueline Kennedy y, principalmente, la actriz Audrey Hepburn, su musa y embajadora de su marca desde que se conocieron en 1954. Muchas de las piezas exhibidas forman parte de la historia del cine y de la memoria visual del siglo XX, como el vestido que llevó Jackie Kennedy en la recepción oficial que dio el general De Gaulle durante la visita oficial a Francia del presidente de los EE.UU., John Fitzgerald Kennedy, en 1961; o el vestido negro de Audrey Hepburn en la película Desayuno con diamantes, de ese mismo año. Junto a otras creaciones que Givenchy realizó para numerosas actrices y películas, estos vestidos subrayan la importancia del cine en la carrera del diseñador como excelente plataforma de proyección internacional.



A continuación, el recorrido avanza a través de una selección de trajes que muestran el trabajo preciosista y artesanal en bordados y muselinas, presentes en piezas como los déshabillés, hasta llegar a otra de las señas de identidad del estilo Givenchy: la elegancia en el uso del color. Es aquí donde se puede observar de forma especial la influencia en sus diseños de los grandes pintores de la historia y cómo ha sido capaz de trasladar y transformar lo expresado en determinados lienzos, como las dos obras de Sonia y Robert Dealunay presentes en este espacio, haciéndolos suyos y dando lugar a algunas de sus creaciones más destacadas. Estas conexiones continúan en la sala siguiente, donde se establece un diálogo directo entre cuadros de Miró, Rothko, Ernst, Fontana o van Doesburg con algunos de sus vestidos más espectaculares.

Trajes de novia y vestidos de noche

Dos de los más importantes conjuntos de creaciones por los que alcanzó mayor fama internacional, los trajes de novia y los vestidos de noche, son los protagonistas absolutos del siguiente espacio. Los primeros han sido y siguen siendo una seña de identidad de la Maison Givenchy y han marcado durante años el estilo de este tipo de creaciones. Una selección de estos extraordinarios vestidos de novia, realizados en diferentes épocas y presentados con un atractivo montaje escenográfico, permitirá apreciar de nuevo el carácter innovador y rupturista de Givenchy en perfecta sintonía siempre con la belleza intemporal de la elegancia clásica.

Y frente al blanco inmaculado de los trajes de novia, otra de las cimas de su talento: las creaciones para la noche, donde el negro, su color fetiche, destaca por encima del resto de tonos. Fue Givenchy quien consiguió por primera vez una maestría inigualable en el trabajo impecable del color negro con la culminación y popularización del famoso ‘little black dress’, una pieza de indumentaria que se convirtió desde entonces en indispensable en cualquier armario. En estos vestidos de aparente sencillez es donde mejor se aprecia la pureza de líneas y volúmenes que el maestro Givenchy sabía dotar a sus creaciones bajo la permanente influencia de Balenciaga.



Ante la atenta mirada de las grandes top models de los años ochenta fotografiadas por Joe Gaffney, el recorrido termina con unos trajes llenos del glamour de aquella época, uno de los últimos grandes momentos de la historia reciente de la moda.

Hubert de Givenchy

Hubert de Givenchy, 1960
Fotografía © Robert Doisneau
El conde Hubert James Marcel Taffin de Givenchy nació en 1927 en el seno de una familia aristocrática y protestante en la localidad francesa de Beauvais. Criado y educado por su madre y su abuela materna tras el fallecimiento de su padre, fue de ellas de quienes heredó su pasión por los tejidos. Tras confirmar su vocación durante los desfiles de alta costura de la Exposición Mundial de 1937, comienza sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Paris en 1944. Poco después, amplía sus conocimientos de la mano de diseñadores como Jacques Fath, Robert Piguet, Lucien Lelong o la vanguardista Elsa Schiaparelli. En 1952 funda en París su propia casa de costura, la Maison Givenchy, con el lanzamiento de una sorprendente y revolucionaria colección que obtuvo inmediatamente un gran éxito por su innovación frente a otros diseños más conservadores del momento.


Poco tiempo después conoció a Cristóbal Balenciaga, su gran amigo y maestro, del que se siempre se ha declarado un absoluto admirador y al que reconoce como fuente de inspiración. Ese cariño tan especial por Balenciaga es una de las conexiones de Givenchy con España, que se ha manifestado en numerosas ocasiones, como en su decidido apoyo a la creación del Museo Cristóbal Balenciaga, de quien es además Presidente Fundador de su Fundación. Por esta encomiable labor y por otros méritos, como sus donaciones al Museo del Traje de Madrid, el gobierno español galardonó a Hubert de Givenchy con la Orden de las Artes y las Letras en el año 2011. Tras décadas de éxito y reconocimiento, Givenchy vendió su firma en 1988 al grupo empresarial Louis Vuitton Moët Hennessey (LVMH) y se retiró definitivamente siete años después.

Avance: @ComunidadMadrid @FundacionCanal Pablo Genovés, "El ruido y la furia".

Sala Canal de Isabel II
Calle Santa Engracia 125
Del 17 de diciembre de 2014 al 22 de marzo de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.madrid.org/agenda-cultural - www.madrid.orgwww.pablogenoves.com

Cosmology, 2013
160X160 cm. Digigraphie sobre papel baritado
© Pablo Genovés

La Comunidad de Madrid está organizando una exposición titulada El ruido y la furia, en la que se mostrarán algunos de los últimos trabajos del artista español Pablo Genovés. Estará integrada por 38 obras fotográficas y un vídeo (su primera incursión en este formato) realizado expresamente para la muestra en la Sala Canal de Isabel II (C/ Santa Engracia, 125, Madrid). Podrá visitarse del 17 de diciembre de 2014 al 22 de marzo de 2015.

Las fotografías seleccionadas por la comisaria, Alicia Murría, pertenecen a tres de las series más significativas de su producción entre 2009 y 2014: Precipitados, Cronología del ruido y Antropoceno. Las obras forman un conjunto vivo de temas conceptuales sobre los que el autor continúa trabajando.

Genovés “se apropia” de fotografías realizadas en torno al primer tercio del siglo XX, que recogen imponentes arquitecturas de edificios singulares erigidos en su mayoría en los siglos XVII y XVIII (palacios, teatros, bibliotecas, iglesias o museos). Las adquiere en mercados de cosas viejas y anticuarios de toda Europa para luego combinarlas con otras imágenes mediante técnicas digitales y darles una nueva vida, un nuevo sentido para una nueva historia.

Los espejos y el mar, 2012
117X160 cm. Digigraphie sobre papel baritado
© Pablo Genovés. 

A menudo introduce fenómenos naturales, como el mar embravecido, ríos desbordados o aguas que ascienden vertiginosas o fuego o humo que irrumpen devastadores. Junto a esta violencia desatada hay imágenes donde la destrucción se apropia lentamente de los espacios. Conviven con ellas otras escenas que parecen mostrar las consecuencias de las catástrofes: el lodo, elementos constructivos de otras edificaciones, viejas tuberías, ruinas de fábricas y muros desconchados que penetran en las regias construcciones para ofrecer los restos de un naufragio o de un terremoto que las ha asolado.

El repertorio de lugares emblemáticos que utiliza en su trabajo simboliza el poder y la autoridad de una Europa que ya no existe. Su mirada se tiñe de cierta melancolía, que alude a la fugacidad de las cosas, a su inconsistencia y fragilidad, y al determinante papel que juegan algunos factores que no se pueden controlar. Y, a la vez, parece señalar cómo la destrucción puede hacer posible la renovación de las ideas y de la relación con el entorno.

domingo, 19 de octubre de 2014

Helena Revuelta @GaleriaOrfila

Galería de Arte Orfila
Calle Orfila 3
Del 20 de octubre al 12 de noviembre de 2014
Más información en www.galeriaorfila.comhelenarevuelta.com

La noche - 120 x 50 cm. - Acrílico sobre lienzo
Helena Revuelta

Con ocasión de la primera exposición individual de Helena Revueta, se presenta el libro Lo que ayer era verdad hoy es desilusión, título que hace referencia a las metáforas de la caducidad y las proyeciones de una realidad sobresaltada por el dolor, el oprobio, el desconsuelo y la indifensión, con que su autor, Antonio Leyva, califica la obra de esta joven pintora.

El rompimiento de la convencionalidad representativa mediante abreviadas estilizaciones de la figura humana a la que dota de una remota verosimilitud anatómica y la integración de ésta en paisajes broncos y desapacibles de acusada subjetividad, califican su intervención.

Con soluciones derivadas de la vehemencia expresionista, bien que atemperada la furia expresiva mediante alucinadas cadencias cromáticas, Helena Revuelta se ha hecho dueña de un lenguaje personal, por completo ajeno al de los purismos estéticos que generacionalmente deberían corresponderle.

Un cierto automatismo, aparentemente no contaminado por adherencia cultural alguna, y el despojamiento de todo elemento accesorio, arbitrario o funcional, hacen que el que pareciera lenguaje abocado a la abstracción haya desembocado en una surrealidad, impulsiva y desazonadora, mística y delirante, sustentada más en la poética de tan fundamental movimiento que en sus recurrencias icónicas.

sábado, 18 de octubre de 2014

#GrilloDemo @La_FreshGallery "Full bloom", de Grillo Demo

La Fresh Gallery
Calle Conde de Aranda 5
Hasta el 14 de noviembre de 2014
Más información en www.lafreshgallery.com



Grillo Demo nació en Rafaela, Argentina. Actualmente vive y trabaja en Ibiza.

Diestro en la acuarela, el collage y la pintura sobre objetos, el artista confirmó durante su adolescencia lo que había aprendido siendo muy pequeño, que la pintura no debía limitarse a las tradicionales telas sino que también podía invadirlo todo.

Encantador y atemporal – con estas palabras se describe a Grillo Demo. La codiciada obra del artista parece florecer desde un romántico y colorido jardín.

Phillips de Pury le dedicó una importante retrospectiva en Estados Unidos. Ha formado parte de numerosas ferias y exposiciones, como por ejemplo, la comisariada por Mario Testino en la Andrea Rosen Gallery.

Sus múltiples, obsesivos y blancos jazmines han sido pintados desde entonces sobre retratos de sus referentes artísticos, imágenes católicas, icónicas modelos, estrellas de Hollywood, aristócratas y princesas.

Desde entonces ha celebrado exposiciones individuales en destacadas galerías de Londres, Roma, Ibiza, Buenos Aires, Nueva York, Hong Kong, Punta del Este (Uruguay) y, ahora podremos disfrutar en Madrid, en La Fresh Gallery, de su más reciente exposición individual, “Full Bloom”, donde expone algunas de sus obras más representativas, como "Bambino", "Elle Macpherson", "Andy Warhol", "Dalí" o "Barbara Hutton". Una explosión de creatividad, color y aromas que convertirá al otoño en primavera.

LA FRESH GALLERY

jueves, 16 de octubre de 2014

#‎fotoCAM‬ Se convoca la VIII Edición del Premio de Fotografía fotoCAM.

Hasta el 28 de febrero de 2015.
Bases de la convocatoria de la VIII Edición del Premio de fotografía fotoCAM. Descargar pdf



La Comunidad ha abierto la convocatoria para el Premio de Fotografía fotoCAM, que celebra ya su VIII edición, cuyo objetivo es premiar los trabajos fotográficos que mejor reflejen la realidad política, social y cultural de la región, así como de sus ciudadanos y municipios. Al igual que el año anterior, se han establecido dos modalidades de premio, individual y mejor serie. Las imágenes se pueden presentar hasta el 28 de febrero de 2015.

Según las bases publicadas, se establecen dos categorías, premio individual, dotado con 12.000 euros, y premio a la mejor serie sobre el Parque Nacional de Guadarrama, con 8.000 euros. Ambas modalidades se financiarán por los patrocinadores de carácter privado del presente concurso.

Los candidatos al premio individual pueden presentar hasta tres fotografías, en blanco y negro o color, que deberán ser originales, realizadas por el propio concursante y que no se hayan presentado a ningún otro concurso. Las imágenes no podrán llevar marco de ningún tipo, ni pie de foto o título insertado en la propia fotografía. Además, se deberán haber realizado entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2014.

Para la modalidad del premio a la serie sobre el Parque Nacional de Guadarrama, los concursantes podrán presentar una serie de fotografías (seis imágenes como mínimo y diez como máximo), en color o blanco y negro y, como en la anterior categoría, deberán ser originales, tomadas por el propio concursante y no haberlas presentado a ningún otro concurso. Tampoco podrán llevar marco, ni pie de foto o título, y haberse realizado en el mismo periodo, comprendido entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2014.

Al igual que en anteriores convocatorias, está prevista la exposición de las obras fotográficas presentadas a fin de facilitar y divulgar el conocimiento que se tiene de los diversos aspectos que conforman la realidad de la Comunidad de Madrid.

Festiva EÑE 2014

Círculo de Bellas Artes e Instituto Cervantes
21 y 22 de noviembre de 2014
Abonos ya a la venta al precio de 15 €
Más información www.revistaeñe.com | www.circulobellasartes.com | www.cervantes.es




El Festival Eñe es la gran fiesta de las letras en español: un punto de encuentro de escritores, editores, lectores y todas aquellas personas a las que les apasiona la literatura. Organizado por La Fábrica, Círculo de Bellas Artes e Instituto Cervantes, el Festival Eñe llega a su sexta edición convertido en el gran encuentro literario del otoño en Madrid.

Jorge Edwards será el encargado de dar el pistoletazo de salida al Festival con una conversación en el Instituto Cervantes el viernes 21 de noviembre. La fiesta literaria continuará en el Círculo de Bellas Artes el mismo viernes 21 y el sábado 22 de noviembre a lo largo de todo el día.

Un nutrido grupo de escritores españoles y de América Latina conforma el programa de este año. Entre los narradores, nombres de la talla de Almudena Grandes, Luis Landero, Jesús Carrasco, Manuel Rivas, Jorge Carrión, Andrés Ibáñez, Manuel Jabois, Gustavo Martín Garzo o Aixa de la Cruz. Entre los autores de América, Rodrigo Fresán, Fernando Iwasaki, Selva Almada, Efraim Medina Reyes o Ronaldo Menéndez, entre otros.

La poesía cobrará gran protagonismo en esta edición con la presencia de autores de todas las edades y métricas: de Pablo García Baena, que a sus 93 años es uno de los nombres fundamentales de la poesía española, a los nuevos autores como Luna Miguel, Martha Asunción Alonso, Elvira Sastre, Marcus Versus, Vanesa Pérez-Sauquillo, Gabriela Wiener, Estel Solé o Ángela Segovia. La poeta y cineasta Sofía Castañón presentará el documentalSe dice poeta, mientras el músico y compositor Marwan mostrará su producción poética.

Un programa de conferencias, debates, lecturas, charlas, talleres, conciertos, recitales de poesía y performances que se completan con talleres infantiles y juveniles, cuatro talleres para adultos impartidos por Eloy Tizón, Ángeles González-Sinde, Agustín Fernández Mallo y Miguelanxo Prado (Premio Nacional de Cómic 2013) y con la convocatoria de la actividad “Cuatro editores en busca de autor”, en la que dieciséis escritores tienen la oportunidad de presentar sus textos a editores profesionales, entre ellos Elvira Navarro (Caballo de Troya), David Villanueva (Demipage), Emilio Torné (Calambur) y Fabio de la Flor (Delirio).

Además, este año el Festival Eñe acoge a un festival invitado: se trata de Titirimundi, el veterano festival de títeres de Segovia, que lleva cerca de 20 años presentando las mejores propuestas de títeres y teatro de calle, y acercando este arte a los adultos, además de a los niños. Titirimundi estará presente en el Festival Eñe con diversas propuestas, como las que mostrarán las prestigiosas compañías Rodorín y La Chana.

El Festival Eñe, nacido en 2009, se ha desdoblado desde 2010 gracias a la AECID en dos citas anuales que unen las dos orillas del Atlántico: Festival Eñe Madrid y Festival Eñe América, Un intercambio entre América Latina y España que enriquecido ambas ediciones de forma notable. Tras Montevideo, Lima y Buenos Aires, Panamá será la siguiente parada del Festival Eñe América, que tendrá lugar los días 4, 5 y 6 de diciembre en el Centro Cultural de España en Panamá y que estará dedicado al cuento. A las dos citas se suma este año el Festival Eñe Burgos, que acogerá a lo largo del sábado 22 una serie de actividades literarias con autores del Festival Eñe Madrid. Entre ellos, Agustín Fernández Mallo, Gabriela Wiener, Jaime Rodríguez Z, Andrés Barba y Vanessa Pérez Sauquillo.

Avance: @ALCBDS_CArte "Dreamlands", de Concha Pérez

Centro de Arte Alcobendas
Calle Mariano Sebastián Izuel 9
Alcobendas - Madrid
Del 21 de octubre al 29 de noviembre de 2014
Más información en www.centrodeartealcobendas.org



La individualidad es apenas una ficción leve dentro de una especie social.
(Houellebecq, El mapa y el territorio)

Siempre mojado. Por el sudor producido por el miedo o por correr hasta el límite de las fuerzas para no ser atrapado, o por el agua salada en una barcaza que apenas es capaz de flotar, o por la escarcha de las mañanas a la intemperie, o por los orines del desprecio y la indignidad o por la sangre de las heridas abiertas. Siempre mojado, pero siempre buscando un cambio de estado, de líquido a sólido, persiguiendo un sueño que nunca ha dejado de ser un derecho: una vida mejor, una vida digna, una vida vivible.

Mientras tanto duermo en la calle. Y ese "mientras" dura ya 7 años, y ese "duermo" ya es plural: el 90 por ciento de toda la riqueza producida en el mundo después de la gran crisis que se inició en 2007, con el colapso del crédito y la amenaza de desaparición de bancos si no eran recapitalizados con el dinero de los que pagan impuestos, se la han apropiado el 1 por ciento de las personas más ricas de la Tierra.

Y así, las 85 personas más ricas del mundo poseen una riqueza que equivale a la que suman los 4.000 millones de personas más pobres del mundo. Mis sueños siempre se quedan a las puertas del supermercado esperando que mi cambio de estado de líquido a vapor sea un poco más lento que ayer, y alguien pueda verme, esquivando la fuga psicogénica: el modo en que la mente se engaña a sí misma para escapar del horror, propio o ajeno. La miseria hace que uno tenga mala conciencia por querer vivir bien. Dreamland es el mapa de un sueño, uno de tantos, pero el mapa de los fracasos tiene más manchas que trazos. (Ramón Mateos).

miércoles, 15 de octubre de 2014

'Bourio y Amor de Dios. Una vida dedicada a la danza".

Sala Comunidad de Madrid -El Águila
Calle Ramírez Prado 3
Del 15 de octubre al 8 de diciembre de 2014
Más información aquí


La exposición Bourio y Amor de Dios. Una vida dedicada a la danza, que hace un recorrido por la trayectoria profesional de este empresario, promotor, gerente y gestor de espectáculos y de su proyecto más personal y duradero: Los Estudios de Danza Amor de Dios, por donde han pasado todos los grandes bailaores españoles como Joaquín Cortés, Antonio Canales, Sara Varas, Belén Maya, Cristina Hoyos o Carmen Cortés, entre otros. La muestra cuenta con material documental custodiado en el Archivo Regional de la Comunidad de Madrid, fotografías, carteles, proyecciones audiovisuales, así como un traje diseñado por Pablo Picasso para la representación de El sombrero de tres picos y vestidos de destacadas bailaoras.

martes, 14 de octubre de 2014

#RosaMuñoz @GALERIACERO Estratos del tiempo. Rosa Muñoz.

Galería Cero
Calle Fuenterrabía 3
Del 16 de octubre al 4 de diciembre de 2014
Más información en www.galeriacero.comwww.rosamunoz.com



En los últimos dos años el trabajo fotográfico de Rosa Muñoz ha ido adentrándose progresivamente en el territorio espacial de las tres dimensiones a partir de una doble vía. Por una parte, realizando una serie de videoinstalaciones, que suponían una forma de ampliar sensorialmente las imágenes que conformaban su relato fotográfico. Por otro lado, expandiendo los límites bidimensionales de sus propias fotografías, convirtiéndolas en gran medida en objetos, en elementos dotados de una evidente y tangible fisicidad.

La nueva serie fotográfica en la que se encuentra ahora trabajando, Estratos del tiempo, ahonda en esta línea de investigación, al moverse a ambos lados de ese territorio fronterizo que habita entre el plano y el espacio, creando obras que podríamos quizás definir como una suerte de “esculto-fotografías”, mediante el recurso de utilizar resinas que potencian sus valores físicos y objetuales. La imagen fotográfica, así, se libera de la servidumbre de la planitud e inicia un singular viaje hacia el universo 3D.

Desde un punto de vista conceptual este trabajo se interesa por la simbología que subyace detrás de los objetos reciclados, ya sean plásticos, metales o incluso ropas usadas. Al elegir estos elementos como principales sujetos de sus composiciones investiga y reflexiona asimismo sobre un tema tan actual y pertinente hoy en día como es la sostenibilidad, la ecología y la reutilización y reciclaje de materiales y desechos, en un mundo de equilibrio natural tan frágil como el nuestro.

Por otro lado, indaga también en el potencial de la memoria que permanece en ellos, e intenta reflejar la huella que los hombres han dejado a través de su uso. ¿Cuántas experiencias, cuánta cuota de placer o de dolor, cuántas narraciones, momentos y hechos esconden sus formas arrugadas, aplastadas, estratificadas? Son fotografías, pues, que tratan de plasmar esas capas temporales que componen nuestras vidas, y se convierten en testigo de los diferentes relatos e historias que las animan. Estratos del tiempo.

Recientemente ha abierto una nueva vía de investigación y trabajo que, por otra parte, enlaza y se interrelaciona con estas estrategias que hemos mencionado. Ahondando ahora también en el depósito colectivo del tiempo pasado, empieza a interesarse y a reflexionar sobre determinados aspectos vinculados a la memoria histórica de ciertos países en los que se han ido perpetrando, a lo largo de los años, genocidios, conflictos, guerras y diversos actos de agresión del hombre contra el propio hombre.

Así, y operando unas originales y eficaces mecánicas de simbolización representadas por los diferentes colores de las banderas de estas naciones, Rosa Muñoz construye unas obras totalmente personales que responden a este manifiesto interés por la espacialización de la fotografía, mediante la composición de imágenes fotográficas en relieve a partir de esos colores que componen la representación de los países.

Pero no se queda ahí sólo, sino que efectúa una nueva vuelta de tuerca al emplear cabellos coloreados para la realización de esos emblemas patrióticos que suponen las banderas de las naciones. De esta forma, y efectuando un guiño cómplice al espectador, combina y hace dialogar símbolos tan poderosamente asociados al tiempo y a la vida, pero también a la muerte, como es el cabello humano -otra prueba más de la elevada temperatura de memoria que presenta siempre su trabajo- junto a la metáfora de la bandera, una potente y colorista metonimia de la historia colectiva del mundo, creando sugerentes tensiones y analogías. De nuevo, estratos del tiempo.

Francisco Carpio

lunes, 13 de octubre de 2014

#Postales @ComunidadMadrid La web de la Comunidad alberga una muestra virtual de imágenes postales del Madrid del XIX y XX.


El Ejecutivo madrileño pone a disposición de todos los ciudadanos, a través del Portal de Archivos de la Comunidad de Madrid en www.madrid.org/archivos, un conjunto de 1.100 tarjetas postales, la mayor parte en blanco y negro, fechadas desde finales del siglo XIX hasta los años 60 del siglo XX. Una colección histórica en la que se puede ver Madrid, sus calles, monumentos y edificios más emblemáticos, así como acontecimientos históricos como las celebraciones de la boda y coronación de Alfonso XIII.


Gran parte de estas postales pertenece a los establecimientos de fototipia de profesionales como Hauser y Menet, J. Laurent o J.Lacoste. La temática es variada aunque destaca un numeroso grupo de paisajes de El Retiro, donde se puede contemplar el nuevo embarcadero, la puertas de entrada al parque, la Casa del Pescador o el monumento a Alfonso XII poco después de su construcción.

También es de gran interés, por su cantidad y por ser un importante documento histórico, el grupo de postales dedicadas a las diferentes actividades sociales que tuvieron lugar entre 1902 y 1906 con motivo de la coronación y posterior boda del Rey Alfonso XIII. Entre ellas se pueden encontrar, además de algunas imágenes de la ceremonia y del atentado sufrido por Sus Majestades, otras postales que recogen los actos de celebración que tuvieron lugar en Madrid, como concursos aerostáticos y de carrozas en El Retiro o corridas de toros con la asistencia de la aristocracia española.

Además de estos temas, también se pueden ver calles, edificios y monumentos de Madrid, postales publicitarias, la Exposición de Industrias Madrileñas que tuvo lugar en 1907, la visita de los reyes de Italia o las postales denominadas ‘journal crevé’, cuya imagen era la portada de un periódico rasgada y dejando ver una vista de la ciudad o un personaje.

La moda de la postal
La invención de las postales se produce a finales del siglo XIX, difundiéndose rápidamente por toda Europa. En España, la primera postal ilustrada fue editada en Madrid, en 1892, con ocasión del IV centenario del descubrimiento de América, por Hauser y Menet. Precisamente estos fotógrafos, impresores y editores, radicados en Madrid, junto con José Lacoste, fueron los más destacados de la época, pues de sus talleres salieron más de 4.300 postales diferentes.



Las postales, que se pueden ver en www.madrid.org/archivos, son un documento y testimonio de las costumbres y sentimientos de una época, que se traducen en la forma de escribir y de relacionarse por escrito con familiares y amigos. La mayoría es correspondencia entre Francia y España, bien de turistas que pasaban por España o bien de personas que tenían familia fuera.

El Portal de Archivos de la Comunidad de Madrid
El Portal de Archivos es una nueva herramienta digital que el Gobierno regional pone al alcance de los ciudadanos con toda la información sobre los centros de archivo de la Comunidad de Madrid y los documentos custodiados en los mismos, así como sobre el sector archivístico y el patrimonio documental de la región.

Esta nueva herramienta ofrece importantes servicios y ventajas a sus usuarios, ya que podrán solicitar información o préstamo de documentos, reproducciones de los mismos o realizar búsquedas con un solo clic y desde su ordenador. Incorpora, además, un buscador de documentos, que permite localizar, mediante una sencilla búsqueda, documentos de libre acceso y a disposición de todos los usuarios, visualizar su imagen y descargarla. Gracias a este buscador cualquier usuario podrá acceder desde su casa a una variada información y curiosear la historia de Madrid.


La web facilita otros servicios, como la solicitud visitas guiadas al Archivo Regional y al Archivo Histórico de Protocolos de Madrid, así como la realización de talleres pedagógicos para niños, que se desarrollan con los colegios e institutos de la Comunidad y que permiten que los más jóvenes se acerquen a los archivos y conozcan qué son, para qué sirven y el importante patrimonio documental que custodian.