miércoles, 24 de agosto de 2016

Avance: Islas y horizontes. Obras de la colección Es Baluard.

Centro Cultural Tomás y Valiente CEART
Sala A
Calle Leganés 51
Fuenlabrada - Madrid
Del 22 de septiembre al 20 de noviembre de 2016.
*Entrada gratuita / visitas guiadas
Más información en ceartfuenlabrada.es - www.esbaluard.org/es

Shirin Neshat Serie “Fervor” (Couple at Intersection) 2000
Gelatina de plata Silver Gelatine Print 119,5 x 152,5 cm c/u, tríptico Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma, depósito colección particular © de la obra, Shirin Neshat, 2016 © de la fotografía: Cortesía Gladstone Gallery, Nueva York/Bruselas

ES BALUARD Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma – Islas y horizontes. Obras de la colección Es Baluard (Illes i horitzons. Obres de la col·lecció Es Baluard).

Comisariado: Nekane Aramburu, Directora del Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma Es Baluard.

50 piezas entre pinturas, video arte e instalaciones de los fondos de ES BALUARD.

Es Baluard es un museo de arte moderno y contemporáneo, uno de los más destacados en su género, situado en Palma de Mallorca e inaugurado en 2004. Como gran museo de las Islas Baleares cuenta con un fondo de más de 500 obras de arte moderno y contemporáneo vinculadas a artistas del ámbito de las Islas y/o de referencia internacional. Es Baluard es catalizador y emisor de historia, tendencias contemporáneas y formación a través de programas de exposiciones, actividades y ciclos educativos, además de un laboratorio vivo para las prácticas creativas actuales.

Su colección está integrada de diversas procedencias: el Ajuntament, Consell, Gobern, Fond d´Art Serra, las propias adquisiciones de la Fundación Es Baluard, depósitos de coleccionistas y artistas relevantes.

La respuesta a la invitación del Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenalbrada, CEART, se centra en mostrar las obras de la colección de Es Baluard atendiendo al denominador común de la evolución de las prácticas creativas en el archipiélago balear y desde un sentido de proyección de piezas internacionales, con la idea de trabajo desde una isla, nodo y radar.

En una isla el horizonte es el punto de referencia constante, el eje sobre el que bascula las realidades, el polo de atracción donde el fin es el principio y a la inversa.

Con un interés educativo y de aproximación a todos los públicos, el recorrido tendrá un sentido cronológico pero también albergará puntos, que como islotes, vertebran nuevos tipos de lectura paralela a la tradicional evolución de los estilos a partir de obras-totem que ayudarán a entender conexiones insospechadas y proyectar nuevas visiones sobre el arte contemporáneo.

Comisaria: Nekane Aramburu

“La historia. La historia comienza. Ha comenzado antes del caminar por la orilla de la mar, antes del grito, del gesto, del movimiento de la mar, del movimiento de la luz. Pero ahora se hace visible. Se ha implantado ya sobre la arena, sobre la mar”

El hombre que miraba regresa. Marguerite Duras. L´amour.

viernes, 19 de agosto de 2016

Avance: Wayúu, de Magdalena Correa

Casa de América
Sala Frida Kalho
Plaza de Cibeles s/n
Del 13 de septiembre al 26 de octubre de 2016
*Entrada gratuita
Más información en www.casamerica.es - magdalenacorrea.com

Wayúu, de Magdalena Correa
Sala Frida Kalho, Casa de América, Madrid.

"Dando continuidad a mis proyectos anteriores, me he aproximado a otro territorio aislado, lejano, física y conceptualmente de nuestras mentes, donde la vida que allí se desarrolla está condicionada por unas circunstancias extremas de tipo naturales y climatológicas.

El proyecto consistió en una disección fotográfica y de vídeo de los modos de vida de la población indígena Wayuu. En una zona desértica y plana donde casi no hay agua, los habitantes viven diseminados en núcleos de población muy alejados los unos de los otros. En decenas de kilómetros sólo existe vegetación de desierto, así como animales escuálidos que dan cuenta de la falta de comida y de los efectos de no tener agua. La búsqueda del líquido elemento es algo constante en el territorio. Niños, mujeres y hombres recorren extensos caminos a pie, en burro o bicicleta, para encontrarla.

Sin embargo, pese a la falta de este elemento tan imprescindible para tener unas condiciones dignas de vida, ellos mantienen una postura positiva ante esta situación. Siempre sonríen, su creatividad es enorme, sus excentricidades aún más y todo lo objetual y lo material que les rodea junto a todos los asuntos circunstanciales en sus vidas es afrontado desde un punto de vista sumamente lúdico y optimista. Es un pueblo que a fuerza de tener que obviar una cruda realidad se ve abocado a crear, por así decirlo, otra mucho más amable y soportable.

¿Magos? No podría asegurar que comí o que bebí para sucumbir ante sus supuestos hechizos pero volví enamorada de aquella suma de territorio, animal y ser humano fundidos en un solo ente , no sabría decir en qué porcentaje, material o inmaterial. Aún hoy, mi lenguaje, con las imágenes y los recuerdos muy cercanos, sigue imbuido de esa ambigüedad y en cierto modo de ese surrealismo en el que uno se sumerge cuando llega a aquella tierra llamada Guajira".

sábado, 30 de julio de 2016

Doisneau, Robert Capa, Bruce Davidson y Castro Prieto, fotografía para este otoño en Madrid.

Os dejo un pequeño avance de las exposiciones de fotografía que podremos disfrutar a la vuelta de vacaciones, y que sin duda serán protagonistas de la programación expositiva madrileña para el próximo otoño.

La primera, que además coincide con el ya clásico Apertura Madrid Gallery Weekend es "Luz de cuarto oscuro" de Juan Manuel Castro Prieto, Premio Nacional de Fotografía 2015. Se podrá visitar desde el 14 de septiembre en la galería Blanca Berlín.

Serie "Cespedosa" © Juan Manuel Castro Prieto.
En Tabacalera y Blanca Berlín Galería, Madrid.

Poco después este mismo fotógrafo presentará "Cespedosa" en Espacio Promoción del Arte Tabacalera, en su sala principal. La inauguración será el 15 de septiembre por la tarde, y permanecerá abierta hasta el 13 de noviembre.

Brooklyn, Nueva York, 1959 © Bruce Davidson.
Fundación Mapfre, Madrid.

Otra exposición de visita obligada que llegará a Madrid después de su paso por la sala Mapfre Garriga Nogués, es la dedicada al fotógrafo estadounidense de la Agencia Magnum Bruce Davidson. La muestra se expondrá en la Sala Bárbara de Braganza y abrirá al público el próximo 22 de septiembre.

[On the road from Namdinh to Thaibinh, Indochina], May 1954.
Capa en color.
Sala Picasso, Círculo de Bellas Artes, Madrid.

Y, continuando con Magnum,  Robert Capa. Bajo el título "Capa en color". 150 fotografías que se exponen por primera vez en España.
Podrá visitarse desde el 20 de octubre en la sala Picasso del Círculo de Bellas Artes.

Robert Doisneau - La belleza de lo cotidiano.
Sala Fundación Canal, Madrid.

Después del éxito de la exposición de Vivian Maier, Fundación Canal, en su sala de la calle Mateo Inurria 2 (plaza de Castilla), reanuda su programación con otra muestra de fotografía dedicada a otro clásico: Robert Doisneau "La belleza de lo cotidiano".
Sala Fundación Canal del 6 de octubre de 2016 al 8 de enero de 2017.

viernes, 29 de julio de 2016

Visita a: “Colección XIII. Hacia un nuevo museo de arte contemporáneo”

Centro de Arte Dos de Mayo
Planta 1ª
Av. de la Constitución 23
Móstoles - Madrid
Hasta el 25 de septiembre de 2016
*Entrada gratuita
Más información en ca2m.org

“Colección XIII. Hacia un nuevo museo de arte contemporáneo”
Centro de Arte Dos de Mayo Comunidad de Madrid, Móstoles.

Comisariado: Sergio Rubira

Colección XIII. Hacia un nuevo museo de arte contemporáneo es una exposición que se plantea como un ensayo de laboratorio y una forma de investigar sobre los dispositivos de exposición que se han utilizado en algunos de los museos públicos vinculados al arte contemporáneo que ha habido en Madrid. Se utilizará la colección del CA2M y de la Fundación ARCO para examinar algunos de estos montajes. No se trata tanto de reconstruirlos, como de probar cómo funcionarían hoy esas formas de montar, intentando evidenciar cómo la percepción y el significado de las obras de arte quedan condicionados por el modo en el que se exhiben. Estos dispositivos traducían la idea que se tenía de arte, exposición y espectador en las épocas en las que se desarrollaron e incluso pueden vincularse a la representación del poder, asociándose al concepto de autoridad, y a la construcción de identidades. Se convirtieron en un elemento que mediaba y modificaba la interpretación de las obras.

“Colección XIII. Hacia un nuevo museo de arte contemporáneo”
Centro de Arte Dos de Mayo Comunidad de Madrid, Móstoles.

La exposición toma en préstamo el título de la que se inauguró en 1959 en el MoMA de Nueva York y que se llamó Toward the New Museum of Modern Art (Hacia el Nuevo Museo de Arte Moderno). Fue comisariada por Alfred H. Barr Jr., que no sólo impuso el modo en el que debía entenderse la evolución del arte desde las Vanguardias, sino también la manera en la que tenían que verse, incluso mirarse, estas nuevas formas artísticas, desarrollando el montaje en el cubo blanco. Sin embargo, la muestra rompía con ese tipo de montaje supuestamente neutro y objetivo al que se había acostumbrado el público para recuperar la manera abigarrada en que se colgaba en los museos decimonónicos. Su intención era dramatizar la falta de espacio y evidenciar que se hacía necesaria una ampliación del museo utilizando los recursos que el montaje le permitía, siendo muy consciente de que la instalación es un lenguaje.

“Colección XIII. Hacia un nuevo museo de arte contemporáneo”
Centro de Arte Dos de Mayo Comunidad de Madrid, Móstoles.

Se ha tomado también este año como fecha en la que se cierra la investigación sobre los modos de montar en los museos vinculados al arte contemporáneo que ha habido en Madrid, ya que fue en 1959 cuando se inauguró el Museo de Arte Contemporáneo en Madrid, el primero que se abrió con esta denominación específica. Los dispositivos creados para este museo por su primer director, José Luis Fernández del Amo –tanto los pensados para mostrar la colección, como los de la sala de exposiciones temporales, la llamada Sala Negra– serán algunos de los casos de estudio.

“Colección XIII. Hacia un nuevo museo de arte contemporáneo”
Centro de Arte Dos de Mayo Comunidad de Madrid, Móstoles.

La exposición comienza con la recreación del montaje del Museo del Prado, fundado en 1819; un museo que desde el comienzo dedicó espacio a las obras de artistas vivos, como demuestran sus primeros catálogos. Continúa con el Museo de Arte Moderno, inaugurado en 1898, a petición de los propios artistas de la época que demandaban un espacio propio, y con el proyecto no realizado que el arquitecto Fernando García Mercadal hizo para un «nuevo Museo de Arte Moderno» durante los años de la II República y que recibió el Premio Nacional de Arquitectura en 1933.

“Colección XIII. Hacia un nuevo museo de arte contemporáneo”
Centro de Arte Dos de Mayo Comunidad de Madrid, Móstoles.


ARTISTAS

Alberto, Karel Appel, Ibon Aranberri, Elena Asins, Dis Berlin, James Bishop, Bleda y Rosa, Elina Brotherus, Javier Campano, Joan Cardells, Ceesepe, Chema Cobo, Costus, John Chamberlain, Hanne Darboven, Thomas Demand,b Equipo 57, Esther Ferrer, Joan Fontcuberta, Alberto García Alix, Pablo Gargallo, David Goldblatt, Julio González, Rodney Graham,Katharina Grosse, Arturo Herrera, Roni Horn, El Hortelano, Axel Hütte, Concha Jerez, Anish Kapoor, Lucia Koch, Luisa Lambri, Teresa Lanceta, Ouka Leele, Sol Lewitt, Lucebert, Sigfrido Martín Begué, Ana Mendieta, Mitsuo Miura, Antoni Muntadas, Nazario, Ortega Muñoz, Jorge Oteiza, Pablo Palazuelo, Perejaume, Adrian Piper, Georges Rousse, Antonio Saura, Néstor Sanmiguel Diest, Carolee Schneemann, Kiki Seror, Soledad Sevilla, Melanie Smith, Susana Solano, Jesús Rafael Soto, Antoni Tàpies, Frank Thiel, Wolfgang Tillmans, Francesc Torres, Miguel Trillo, Dario Urzay, Eulàlia Valldosera, Patricio Vélez.

jueves, 28 de julio de 2016

Visita a: "José Manuel Ballester. Paisajes encontrados: El Bosco, El Greco y Goya"

Fundación Lázaro Galdiano
Planta 1ª
Calle Serrano 122
Hasta el 11 de septiembre de 2016
*Consultar precio de la entrada, también hay horario gratuito.
Más información en http://flg.es

"José Manuel Ballester. Paisajes encontrados: El Bosco, El Greco y Goya"
Fundación Lázaro Galdiano, Madrid.

El Museo Lázaro Galdiano y Arte Global, con el patrocinio de Fundación Banco Santander y de idealista, presentan la exposición José Manuel Ballester. Paisajes encontrados: El Bosco, El Greco, Goya. La muestra presenta un conjunto de obras y una instalación de vídeo-arte de José Manuel Ballester (Madrid, 1960), en las que el artista sigue reflexionando en torno al concepto de apropiacionismo, sacando a la luz paisajes y aspectos secundarios que sirven de telón de fondo, acercando al espectador el modo en que cada época ha representado el espacio y la naturaleza. La exposición, comisariada por Elisa Hernando Calero, parte de una selección de pinturas de tres grandes maestros presentes en la colección del Museo Lázaro Galdiano y en la Colección Banco Santander, que cede para la ocasión la magnífica obra Cristo agonizante con Toledo al fondo, de El Greco. Todas ellas se mostrarán junto a las imágenes originales de José Manuel Ballester despertando así distintas interpretaciones por parte del espectador.

Ballester y El Bosco
Aprovechando la celebración del 500 aniversario de la muerte de El Bosco, Ballester muestra la obra El Jardín deshabitado y el vídeo-arte Cancealed Garden, ambas obras inspiradas en El Jardín de las Delicias de El Bosco, que se encuentra en el Museo Nacional del Prado. Además, coincidiendo con el préstamo de Meditaciones de San Juan Bautista de El Bosco a la gran exposición del Museo del Prado, José Manuel Ballester mostrará tres visiones diferentes de la misma obra, desvelando en una de ellas la figura del donante que había sido ocultada por alguna razón desconocida.

"José Manuel Ballester. Paisajes encontrados: El Bosco, El Greco y Goya"
Fundación Lázaro Galdiano, Madrid.


Antecedentes de la exposición
El germen y punto de partida de la exposición Paisajes encontrados pertenece al proyecto Espacios Ocultos, iniciado por el artista José Manuel Ballester en el año 2007, en el que vaciaba de “acción” obras emblemáticas de la Historia del Arte como El Jardín de las Delicias o La Anunciación de Fra Angélico. En palabras de Elisa Hernando, la intervención del artista consistió en “destacar el espacio que envolvía el tema principal, a través de la eliminación de todos los personajes y de los elementos relacionados con el movimiento. A partir de ese ejercicio de vaciado el artista dio comienzo a una nueva lectura de los clásicos”.

"José Manuel Ballester. Paisajes encontrados: El Bosco, El Greco y Goya"
Fundación Lázaro Galdiano, Madrid.


La exposición Paisajes encontrados
En Paisajes encontrados el artista parte de una selección de seis pinturas de tres grandes maestros presentes en la colección del Museo Lázaro Galdiano: El Bosco, El Greco y Francisco de Goya y Lucientes. Todas ellas se mostrarán junto a las intervenciones de José Manuel Ballester en las que, mediante un meticuloso proceso, ha eliminado los personajes de obras tan emblemáticas como El Conjuro o Las Brujas, El Aquelarre o La Era o El Verano de Goya; San Francisco en éxtasis de El Greco; Meditaciones de San Juan Bautista de El Bosco o La Visión de Tondal del taller de El Bosco. Completa el conjunto una séptima pareja, compuesta por la magnífica pieza Cristo agonizante con Toledo al fondo, de El Greco, cedida para la ocasión por la Colección Banco Santander, y la obra Lugar para la crucifixión, realizada a partir de ésta. Además Ballester muestra la pieza El jardín deshabitado basada en El Jardín de las Delicias del Museo del Prado con una proyección de vídeo-arte que explica la manera en la que el artista interpreta su composición.

"José Manuel Ballester. Paisajes encontrados: El Bosco, El Greco y Goya"
Fundación Lázaro Galdiano, Madrid.

Para Elisa Hernando todos estos Paisajes encontrados “nos hablan de diversos estilos que reflejan la sociedad y la historia de cada periodo: un paisaje renacentista de El Bosco, que busca representar un mundo idealizado y ordenado, y otro claramente surrealista, en el caso de La visión de Tondal, ambos muestran esa doble vertiente del pintor; el paisaje manierista más expresionista de un Greco que se adelanta al movimiento artístico alemán del siglo XX; y, completando la serie, encontramos los paisajes de Goya, el primero como en el caso de La Era o El Verano obra perteneciente al periodo costumbrista propio del Siglo de las Luces y los puramente románticos en las obras El Conjuro o Las Brujas y El Aquelarre”. Así, Ballester acerca al espectador el modo en que cada época ha representado el espacio y la naturaleza a través de la plástica de sus más destacados artistas. Y es que, según el artista, “cada ciclo histórico cuenta con unas corrientes que predominan sobre otras y marcan un criterio colectivo a la hora de apreciar el arte”.

El artista ha respetado las medidas originales de las obras que se han producido mediante distintas técnicas, e incluso en algún caso, como en Vánitas y Lugar para la crucifixión, las imágenes se han impreso sobre tela. Señala Ballester: “…en este trabajo quizás lo que más me ha sorprendido es el rigor y la coherencia con las que están ejecutadas como demuestran los paisajes que he ido descubriendo. La factura con la que Goya empasta sus obras me ha obligado a trabajar a la “manera de Goya”. El cielo del San Francisco en éxtasis de El Greco puede parecer plano y, sin embargo, es un cielo complicadísimo, con muchas tonalidades y carga en el pincel”.

"José Manuel Ballester. Paisajes encontrados: El Bosco, El Greco y Goya"
Fundación Lázaro Galdiano, Madrid.

Simultáneamente, el interés del artista por las huellas del paso del tiempo y por el silencio que queda tras él, se refleja en los nuevos escenarios generados y que abren la obra a nuevas narrativas. Así, coincidiendo con el préstamo de Meditaciones de San Juan Bautista de El Bosco a la exposición del Museo del Prado, se exponen tres visiones de esta obra: una que reproduce la obra tal como la conocemos, otra en la que retira todos los personajes y seres vivos y una tercera, muy singular, en la que recupera para nuestros ojos la figura del donante, figura que representó El Bosco y que, por alguna razón que ignoramos, posteriormente ocultó por completo pintando encima la gran planta que representa la tentación. Por otra parte, en Visión surrealista, el artista se inspira en La visión de Tondal del taller de El Bosco, “…la secuencia temporal cambia –dice Ballester- …Puedo anticiparme a la escena representada o, como en el caso de la Visión surrealista, representar la secuencia posterior ocasionada por la desaparición de los seres vivos”. Desaparecido Tondallus, el protagonista del lienzo original, “…Lo único que permanece es una gigante cabeza humana que he considerado como un edificio”, describe al artista. Las monedas que caen por la nariz del personaje principal han desaparecido, porque se encuentran ya en el fondo de la gran cuba representada; de igual modo, el espejo que sostiene una figura femenina en el lado izquierdo de la composición original ha caído al suelo, al desaparecer el personaje que lo portaba, y la espada y el yelmo que sostenía la ira se han quedado clavados en la mesa.

*Texto extraído de Fundación Lázaro Galdiano

martes, 19 de julio de 2016

Visita a: Hortus conclusus.

Museo Thyssen-Bornemisza
Balcón 1ª planta
Pº del Prado 8
Hasta el 2 de octubre de 2016.
*La entrada a esta exposición es gratuita
Más información en www.museothyssen.org

Hortus conclusus.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

El hortus conclusus - huerto cerrado- es el protagonista de la nueva instalación de obras de la colección permanente en el balcón mirador de la primera planta del Museo. Comisariada por Tomás Llorens, esta exposición reúne un total de doce obras que muestran el eco de esta figura en la historia de la pintura europea.

Hortus conclusus.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Desde las primeras obras medievales, basadas en la interpretación cristiana del Cantar de los Cantares, hasta la diversidad de tendencias artísticas del siglo XX, esta figura literaria se ha ido revelando bajo diferentes facetas. Las representaciones del siglo XVI del Paraíso, la pintura de jardines que encontró su punto álgido en el siglo XIX con pintores como Monet y Frieseke, y la diversidad de bodegones que encontramos a lo largo de la historia de la pintura, tienen en común esa reminiscencia del jardín cerrado original, del Paraíso perdido.

lunes, 18 de julio de 2016

Presentación: Caillebotte, pintor y jardinero.

Museo Thyssen-Bornemisza
Planta -1
Pº del Prado 8
Del 19 de julio al 30 de octubre de 2016.
Más información en www.museothyssen.org

Caillebotte. Pintor y jardinero.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Considerado durante mucho tiempo como pintor aficionado, coleccionista y mecenas de sus amigos impresionistas, Caillebotte (1848-1894) se cuenta hoy en día entre los miembros más importantes del grupo.

Caillebotte. Pintor y jardinero.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Pintó sus primeros estudios sobre jardines y naturaleza en la propiedad familiar de Yerres, a las afueras de París, donde descubrió su amor e interés por el tema. En 1872 comenzó a recibir clases en el estudio Bonnat y, cuando fue invitado a participar en la segunda exposición impresionista en 1876, empezó a ayudar tanto a sus amigos Monet y Renoir como a otros artistas, comprándoles obras y organizando las exposiciones. Su muerte con apenas 45 años supuso un abrupto final a una carrera artística que estaba en plena evolución, lo cual, unido al revuelo causado por el gran legado de pintura impresionista que dejó al Estado francés, eclipsó la profunda originalidad de su trabajo.

Caillebotte. Pintor y jardinero.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Caillebotte, pintor y jardinero, una exposición organizada en colaboración con el museé des impressionnismes Giverny –donde se podrá visitar entre el 25 de marzo y el 3 de julio de 2016–, profundizará en el tema del jardín en la obra del artista, así como en su relación con Claude Monet. La muestra se compondrá de cuatro capítulos centrados en los lugares donde Caillebotte vivió y trabajó: El París de Haussmann: un universo mineral; Veranos en Yerres: 1861-1879; El Sena y los viajes a Normandía: 1880-1888 y Le Petit‐Gennevilliers: 1888-1894.

jueves, 14 de julio de 2016

Visita a: Impresionistas y Modernos. Obras maestras de la Phillips Collection.

Caixa Forum
Pº del Prado 36
Hasta el 23 de octubre de 2016
*Entrada 4€
Más información en http://agenda.obrasocial.lacaixa.es - www.phillipscollection.org

Impresionistas y Modernos. Obras maestras de la Phillips Collection.
CaixaForum Madrid.

CaixaForum Madrid acoge una exposición monográfica sobre la Phillips Collection, con 60 obras que reflejan la evolución de la pintura desde el siglo XIX y hasta la segunda mitad del siglo XX.


Impresionistas y Modernos. Obras maestras de la Phillips Collection.
CaixaForum Madrid.

«Un pequeño museo íntimo combinado con un centro de experimentación.» Duncan Phillips (1886-1966) definía así en 1926 el que fue el primer museo dedicado al arte moderno en Estados Unidos, inaugurado en 1921 en la ciudad norteamericana de Washington. Hoy, la Phillips Collection es reconocida en todo el mundo por su fondo de arte impresionista, moderno y contemporáneo. La institución celebra su 95 aniversario y, gracias a la colaboración con la Obra Social ”la Caixa”, presenta en CaixaForum Madrid Impresionistas y modernos, una selección excepcional de 60 pinturas a cargo de 44 artistas esenciales de los dos últimos siglos: Picasso, Manet, Monet, Degas, Van Gogh, Cézanne, Courbet, Matisse, Modigliani, Braque, Pollock, O’Keeffe y Rothko, entre otros. 


Impresionistas y Modernos. Obras maestras de la Phillips Collection.
CaixaForum Madrid.

La suma de estas obras maestras da como resultado una muestra que nos permite viajar a través de algunos de los principales movimientos que se fueron desarrollando desde el siglo XIX y hasta la segunda mitad del siglo XX, desde el realismo y el romanticismo hasta el expresionismo abstracto, pasando por el impresionismo o el cubismo. También nos permite conocer la historia de esta colección y de su impulsor, Duncan Phillips, un pionero, un apasionado del arte de su tiempo que, confiando en su instinto para detectar el talento, supo reunir una colección de prestigio mundial.


Impresionistas y Modernos. Obras maestras de la Phillips Collection.
CaixaForum Madrid.

Esta muestra recorrerá los nombres de los principales maestros de la pintura desde el romanticismo hasta el expresionismo abstracto a través de las obras de Manet, Courbet, Sisley, Van Gogh, Degas, Picasso, Modigliani, Kandinski, Pollock y Rothko, entre otros, todas procedentes de la Phillips Collection, una de las mayores colecciones de los Estados Unidos en arte moderno y vanguardias.

Impresionistas y Modernos. Obras maestras de la Phillips Collection.
CaixaForum Madrid.

La muestra está estructurada en seis bloques, desde el romanticismo hasta el expresionismo abstracto. Contar con los nombres más influyentes de cada uno de estos movimientos es un hito en la programación expositiva con el que se puede contar en muy pocas ocasiones, una oportunidad excepcional para poder contemplar las obras principales de la historia de la pintura de los últimos 200 años. En palabras de Duncan Phillips, "el espíritu compartido por artistas de diferentes lugares del mundo y épocas distintas nos demuestra que el arte es un lenguaje universal".
Una oportunidad excepcional de que el visitante pueda contemplar las obras maestras de la colección Phillips Collection de Washigton, de donde sale en muy pocas ocasiones.

lunes, 11 de julio de 2016

Caravaggio y los pintores del norte.

Museo Thyssen-Bornemisza
Pº del Prado 8
Hasta el 18 de septiembre de 2016
Más información en www.museothyssen.org

Caravagio y los pintores del norte.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Haste el próximo 18 de septiembre de 2016, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta Caravaggio y los pintores del norte, una exposición sobre la figura de Michelangelo Merisi Caravaggio (Milan, 1571 - Porto Ercole, 1610) y su influencia entre los pintores del norte de Europa que, fascinados por su pintura, difundieron su estilo.

En las salas se exhiben cincuenta y tres cuadros, doce de ellos del maestro lombardo, procedentes de colecciones privadas, museos e instituciones como el Metropolitan Museum de Nueva York, la Galleria degli Uffizi de Florencia, el Museo del Ermitage de San Petersburgo, el Rijksmuseum de Ámsterdam o la iglesia de San Pietro in Montorio en Roma.

Santa Catalina de Alejandría c. 1598 Óleo sobre lienzo. 173 x 133 cm.
Caravaggio y los pintores del norte.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

El recorrido abarca el curso de la carrera de Caravaggio, desde el periodo romano hasta las emotivas pinturas oscuras de sus últimos años, junto a una selección de obras de sus más destacados seguidores en Holanda -Dirk van Baburen, Gerrit van Honthorst o Hendrick Ter Brugghen-, Flandes -Nicolas Régnier o Louis Finson- y Francia -Simon Vouet, Claude Vignon o Valentin de Boulogne.

jueves, 30 de junio de 2016

Paseo por Tabacalera: Bellver, Linarejos Moreno, Rosa Rubio y Muros 2016.

Espacio Promoción del Arte - Tabacalera
Calle Embajadores 51
Hasta el 28 de agosto de 2016
*Entrada gratuita
Más información en www.promociondelarte.com

Sala Principal
Bellver "Vida pasajera.

Una exposición retrospectiva de Fernando Bellver, Premio Nacional de Gráfica 2008, que se presenta como un viaje multidisciplinar en el que el creador es el primer pasajero. Dividida en nueve áreas y formada por más de 80 obras, la exposición nos ofrece un recorrido por los últimos treinta años de trabajo del artista, un viaje a su universo particular en el que no se plantea tanto la búsqueda de lo nuevo como la intensificación del sentimiento de estar vivo, aunque sea pasajeramente, inventándose para ello todas las existencias, con sus correspondientes máscaras, que él pudiera imaginar.

Bellver - Vida pasajera.
Espacio Promoción del Arte, Sala Principal, Tabacalera, Madrid.

Bellver, rechaza la fábula de la creatividad del artista e ironiza sobre el mito del artista creador, lo que le sirve para conformar su propia leyenda, su propio personaje. Defiende que el arte es algo sin trascendencia, una burla capaz de alejarnos de la seriedad de la vida. Su obra, realizada con una destreza técnica deslumbrante, muy en especial en sus grabados, se construye a partir de lo que han creado otros, reciclándolo, mezclándolo y enfrentándolo.

Bellver - Vida pasajera.
Espacio Promoción del Arte, Sala Principal, Tabacalera, Madrid.

En la exposición podrán verse 22 de sus extraordinarios aguafuertes, además de óleos, esculturas, cajas de luz o lentegrafías. En todas ellas, la realidad se comporta como una ficción y a la inversa, son un guiño a las idas y venidas de los grandes pensadores dadaístas que, durante la Primera Guerra Mundial, quisieron acabar con cualquier sistema lleno de coherencia y sentido. En esta exposición se encuentra un homenaje a los principios en que se basó Cabaré Voltaire, donde la apología de la confusión es utilizada por Bellver como un síntoma de un proceso que hoy en día es difícil de interpretar y enjuiciar.

Bellver - Vida pasajera.
Espacio Promoción del Arte, Sala Principal, Tabacalera, Madrid.

Bellver. Vida pasajera, comisariada por Felipe Hernández Cava, permanecerá abierta al público en La Principal de Tabacalera del 30 de junio al 28 de agosto de 2016.


Sala Ideas
Linarejos Moreno  "La construcción de una ruina".

La construcción de una ruina es una intervención espacial realizada específicamente por Linarejos Moreno para el espacio Estudios de Tabacalera, un lugar especialmente coherente en la trayectoria de la artista ya que su trabajo aquí desvela su modus-operandi: dotar de nuevo significado los espacios industriales en desuso. Su trabajo traspasa los límites de las prácticas fotográficas tradicionales, rompe el marco tradicional de la formación plástica e intenta dar respuesta con sus obras al contexto global en el que nos encontramos.

Linarejo Moreno. La construcción de una ruina / The Construction of a Ruin.
Espacio Promoción del Arte, Sala Ideas, Tabacalera, Madrid.

En esta exposición se compone de 3 obras: Construcción de una ruina, pieza que da nombre a la muestra, una instalación del 2008 que sitúa al espectador en el contexto de recontextualización, manipulación y resignificación de un objeto científico; Batería de 6 elementos, 1880-1910, una reproducción de la pieza original que se encuentra en el Museo Nacional de Ciencia y Tecnología, y por último; la construcción de una pila volta en los lavabos de Tabacalera, el recipiente perfecto para realizar esta experiencia con la propia estructura del edificio.

Linarejo Moreno. La construcción de una ruina / The Construction of a Ruin.
Espacio Promoción del Arte, Sala Ideas, Tabacalera, Madrid.

Linarejos trabaja el concepto de ruina utilizando su significado material como aspecto central de su obra. La ruina mediante su cualidad fragmentaria, se desentiende del concepto como referente romántico de un pasado perdido y se transforma en un lugar de imaginación, donde el espectador reflexiona activamente. Su obra se ha construido como un instrumento de cuestionamiento de la Modernidad dentro de espacios de tránsito social sin estructuras ni jerarquías, escenarios liminales, procedentes de la globalización dentro del capitalismo industrial europeo. De este modo se configura una estrategia de resistencia a la cosificación del individuo característica de las sociedades capitalistas.

Linarejo Moreno. La construcción de una ruina / The Construction of a Ruin.
Espacio Promoción del Arte, Sala Ideas, Tabacalera, Madrid.

La construcción de una ruina estará abierta al público del 30 de junio al 28 de agosto del 2016 y, junto con la exposición que se muestra también de la artista en el Real Jardín Botánico de Madrid, nos ofrece una visión panorámica de su trabajo y sus modos de experimentación, una visión que hasta ahora no había sido mostrada en España.


Sala La Fragua
Rosa Rubio "Lo que veo, lo que ven".

Lo que veo, lo que ven es un trabajo de la artista Rosa Rubio, creado específicamente para el espacio de La Fragua de Tabacalera, en el cual conviven pinturas murales de gran formato con dibujos, esculturas y música.


Rosa Rubio - Lo que veo, lo que ven.
Espacio Promoción del Arte, Sala La Fragua, Tabacalera, Madrid.

El título de la exposición, encontrado al azar, es un juego de palabras en las que se recoge una meditada reflexión personal. En él se aúna una sugerente simbología iconográfica que ha sido constante en la vida profesional de Rosa Rubio: la casa, la figura del pájaro o el símbolo de la cruz invertida, son imágenes con un alto contenido conceptual en su obra, así como el uso de los colores rojo, negro y blanco.

Rosa Rubio - Lo que veo, lo que ven.
Espacio Promoción del Arte, Sala La Fragua, Tabacalera, Madrid.

Por otro lado, el pilar donde se asienta el trabajo de la artista siempre conlleva los conceptos de serenidad, vigilancia, creación, libertad... Es una intersección visual entre lo divino y lo humano, entre lo terrestre y lo celestial. La figura del pájaro como una representación elevada de un concepto y la transmisión de las almas, es el lado espiritual de la naturaleza humana.

Aprender a escuchar o a mirar, aprender a escuchar el silencio. Hacer del silencio música, una música que se escucha y que se ve; un silencio en la mirada del espectador para descubrir unas formas de silencio. Saber atenderlo para pervivir lo que realmente se nos escapa, lo que se nos pasa desapercibido.

Escuchar el silencio, escuchar más allá de lo que se quiere, escuchar sin condicionantes, escuchar las ideas dibujadas, escuchar lo que se ha vivido, tal vez lo que se espera de vivir, sólo escuchar...


Muros 2016 - Espacio de arte urbano.

Entre el 14 y el 22 de junio, 25 artistas, nacionales e internacionales, han renovado el perímetro exterior del edificio de Tabacalera. En esta ocasión, las intervenciones han girado en torno al concepto de "Naturalezas Urbanas": la ciudad contemporánea, por el modo de vida que sostiene y el tipo de sociedad que alberga, conlleva una parte hostil hacia las personas, entre otras cosas por el exceso de contaminación (ambiental y acústica) y su carencia general de espacios naturales.

Intervención de Alice Pasquini para Muros 2016.
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.

Con esta propuesta, Muros Tabacalera busca revertir este estado de cosas, aunque sea de manera metafórica, a través del arte, mediante intervenciones artísticas basadas en elementos naturales pero realizadas sobre muros de cemento, sustituyendo artísticamente el cemento gris por naturaleza.

Muros 2016
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.

Para esta edición contamos con artistas internacionales como Alice Pasquini (Italia), Tellas (Italia), Add Fuel (Portugal) o Lelo (Brasil) y de distintos puntos de España, como pueden ser Btoy (Barcelona), Julieta XLF (Valencia), Grip Face (Mallorca), Digo Diego (Cáceres) o Lolo (Sevilla)...entre otros