lunes, 31 de enero de 2011

Gabriele Amadori "CHAMBER. PAINTING. MUSIC 1975-2010".

Instituto Italiano de Cultura de Madrid
Calle Mayor 86
Horarios: de lunes a viernes de las 10.00 hasta las 18.00 horas.
Del 11 de febrero al 4 de marzo de 2011.
Toda la información en la web del instituto.


En el marco de la próxima edición de ARCOmadrid, Feria Internacional de Arte Contemporáneo, el Instituto Italiano de Cultura de Madrid presenta, por primera vez en España, una muestra antológica sobre la action painting de Gabriele Amadori, fruto de una investigación de treinta años sobre la relación entre el sonido, el gesto y el color. Después de sus comienzos en los años Ochenta con el célebre compositor Franco Donatoni, la experiencia fundamental con Demetrio Stratos y el monumental proyecto multimedial alrededor del “Flauto Magico” de Mozart – denominado Tableau Vivant y presentado por primera vez en Bolonia 2000 con el patrocinio de la Unesco, ha sido invitado en muchas ciudades europeas, como Estocolmo, en el Instituto Italiano de Cultura - en los últimos años Amadori ha profundizado la relación entre el jazz y la creación artística sobre los grandes lienzos. De Paolo Fresu a Stefano Battaglia, de Gaetano Liguori a Michele Rabbia y Antonello Salis, artistas de fama internacional han tocado en vivo con Amadori, en Italia y en Francia, dando vida a una inédita y fascinante jam session de música y pintura. Finalmente, en 2010, han sido muy aplaudidas las seis performances propuestas en Madrid, en la sede del Teatro Real, con el pianista jazz flamenco Chano Dominguez y su Trío.


Ópera ©® Gabriele Amadori

Gabriele Amadori

Nacido en Ferrara en 1945, pero milanés de adopción, Gabriele Amadori desde siempre une la actividad pictórica con la de escenógrafo y experto light designer, realizando espectáculos de teatro, ópera, danza e importantes montajes de exposiciones. Como escenógrafo, se ha formado en el Laboratorio “La Lanterna Magika” de Praga, en los años Sesenta, con el gran director Joseph Svoboda. Artista versátil y volcánico, pintor autodidacta ha seguido las huellas de Emilio Vedova y de Arcangeli, ha participado en las Bienales de Venecia, Cuatrienales de Roma, Documenta de Kassel y ha presentado numerosas exposiciones individuales en Italia y en el extranjero. Desde siempre se ha comprometido también en la actividad didáctica con los jóvenes, profesor de escenografía e luminotécnica en la Civica Scuola de Teatro Paolo Grassi y en la facultad de arquitectura del Politécnico milanés.

Entre sus últimas participaciones, ha firmado luces y vestuarios para la monumental “Iliade”, dirigida por el director Prospero Bentivenga en la villa Campolieto ad Ercolano (otoño de2009).

viernes, 28 de enero de 2011

Exposiciones en Alcalá de Henares.

Aunque no está el tiempo para darse paseos por ahí, a no ser que quieras empaparte y meterte en atascos, os dejo un par de expos que hay ahora en Alcalá de Henares, en el Antiguo Hospital de Santa María La Rica.


La primera, Lope: El Siglo de Oro. Es el vestuario y el atrezzo de la película que lleva el mismo título. Esta exposición estuvo hace unos meses en el Museo del Traje de Madrid, así que si se os pasó, tenéis otra oportunidad para ver, principalmente, los trajes de la película. Estará allí hasta el 13 de marzo de 2011. Os dejo también el horario: de martes a domingo de 11 a 14 horas y de 17 a 20 horas. Lunes cerrado


En el mismo lugar, pero hasta el 13 de febrero de 2011, una exposición de pintura: XLI Edición Premio Ciudad de Alcalá de Pintura.


Una veintena de cuadros de diferentes estilos, así que seguro que encontráis alguno que os guste especialmente. Yo me quedo con los paisajes urbanos, y con el retrato que expone Lucie Geffré.


Disculpad la pésima calidad de las fotos, pero me acerqué a Alcalá a otra cosa y no llevé la cámara. Aproveché de todas formas para ver las exposiciones y, mejor ésto que nada.

Disfrutad del finde.

jueves, 27 de enero de 2011

Fotografía de Naturaleza y Paisaje Rural.

RESERVA DE LA BIOSFERA RESERVA SIERRA DEL RINCÓN.
Museo Etnológico de Horcajuelo de la Sierra
Calle de la Fuente
Horcajuelo de la Sierra - Madrid
Durante febrero y marzo de 2011.


Pulsa sobre la imagen para ampliar el cartel y ver mejor toda la información.

Visita el estudio fotográfico de Castro Prieto.


Fotografía ©® Juan Manuel Castro Prieto.

La Asociación de Amigos de PHotoEspaña organizará una visita guiada al estudio de fotografía de Juan Manuel Castro Prieto el próximo lunes 31 de enero a las 17.00 h. Si estás interesado en acercarte al espacio de trabajo de este fotógrafo y conocerlo en persona, inscríbete aquí

Juan Manuel Castro Prieto es miembro de Agencia VU desde 2001. Ha sido reconocido con el Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid en 2003 y el Premio Bartolomé Ros de PHotoEspaña en 2002. Su obra está representada por la Galería Blanca Berlín en Madrid y forma parte de colecciones públicas y privadas.

Si todavía no eres miembro de la Asociación de Amigos de PHE hazte aquí

Para más información visita www.phe.es/amigo

Café con...Klavdij Sluban


©® Klavdij Sluban

Os informamos que este viernes, 28 de enero de 11.00 a 12.00 h., contaremos con la presencia del fotógrafo francés Klavdij Sluban en el Espacio PHE (C/Alameda, n. 9). Para más información sobre el fotógrafo: www.sluban.com

Toda la información de cómo hacerse Amigo PHE aquí.

miércoles, 26 de enero de 2011

Hay días que mejor quedarse en casa.

Para hoy me había preparado una pequeña ruta con tres exposiciones, tres galerías que están relativamente cerca unas de otras. La primera no he podido verla, una hora después de lo que se supone es su horario de apertura, seguía cerrada.

La siguiente que he visto me ha gustado, y como era la única persona que había allí, después de verla, he preguntado si podía tomar alguna fotografía (pensando en escribir un post y mostrar así lo que me gusta de la galería y de las obras expuestas) de la sala. "No, si quiere fotografías puede cogerlas de nuestra web, citando a la galería, al artista, y al fotógrafo". Es la segunda vez que me dicen ésto mismo en poco tiempo. A mí no me importa citar a los autores, lo suelo hacer en los post en los que anuncio las exposiciones. Cuando voy a verlas, prefiero hacerlas yo para ilustrar lo que me llamó la atención de la exposición, que muchas veces no tiene nada que ver con las tres o cuatro fotografías de promoción que hay en las notas de prensa.

Y en la última galería a la que he ido, tampoco me han dejado tomar fotografías, y además, me han sugerido que enlazase su Facebook que se actualiza a diario.


Instalación Off Escena: si yo fuera... De Cabello / Carceller, en Matadero.

Como me ha sobrado bastante tiempo he pasado por Abierto X Obras (nunca le ha ido mejor el nombre a esta sala) que siempre hay algo, y sino, la sala en si. Tienen Off escena: si yo fuera..., de Cabello / Carceller. El resto de salas siguen cerradas por obras. Tan sólo queda abierta la Central del Diseño.

Mañana dicen que va a nevar por la tarde, a ver si es verdad y así hay algo interesante que ver simplemente con asomarse a la ventana de casa.

Rosana Antoli - Soy Joven Me Aburro.

Galería Arana Poveda
Calle Lope de Vega 22
Horario: L-V de 11h-14h y de 17h-20:30h. Sábados de 11-14h, S. tarde previa cita.
Del 25 de febrero al 1 de abril de 2011.
Toda la información en la web de la galería.
También os dejo su web www.rosanaantoli.com


Imágenes Arana Poveda ©® Rosana Antoli.

Rosana Antolí nos presenta un conjunto de obras pertenecientes a su serie titulada “Soy joven. Me aburro”.

Partiendo de esta chocante y contradictoria premisa, Rosana Antolí ahonda desde un carácter marcadamente autobiográfico en los conflictos y dilemas de una generación que a pesar de en apariencia tenerlo todo para ser feliz, se encuentra inmersa en una profunda insatisfacción vital.

En la serie de dibujos reflexiona sobre las relaciones interpersonales, las relaciones de pareja, el sexo, los complejos y la insatisfacción que éstos generan, la incomunicación y los dilemas morales propios de las personas de su generación que le rodean.

En el vídeo “Els amants” nos presenta mediante animación stop-motion las complejas dinámicas de pareja de complementariedad y posterior fagocitación y hastío.


Imágenes Arana Poveda ©® Rosana Antoli.

La obra de Rosana Antolí (Alcoy, 1981) es sorprendentemente figurativa. Cuando decimos sorprendentemente nos referimos a que a pesar de su juventud son reconocibles en su trabajo influencias y estilos de marcado carácter figurativo que en nada interfieren con la impresión de modernidad y actualidad que la visión de su obra genera. Porque quizás esa es la característica principal de su obra; La desbordante sensación de modernidad. Sin recurrir a elementos pretendidamente modernos o efectistas y menos aún a técnicas rompedoras (Rosana Antolí trabaja esencialmente con materiales tan humildes como papel, carboncillo, pastel, el stop motion) en cada una de sus obras queda perfectamente contextualizada en el momento actual.

Quizás a ello contribuye el hecho de basarse en modelos casuales fruto incluso en ocasiones de momentos efímeros en los que ni los mismos retratados son conscientes de que la retina visual de la pintora está planeando con ellos una obra nueva. Por medio del retrato individualista y a la vez universalizado, busca lo más sagrado, recóndito e intrínseco de la persona. La mirada de cuando no saben que son mirados, su yo sin falsedad, poses ni identidad. Busca en estos retratados que manifiesten implícitamente por su gesto, expresión y momento su intimidad.

Observa, estudia, sigue a las personas, conocidos o no, espera depredadoramente a que estén indefensos, libres a su creencia del ataque de su mirada, y entonces les roba ese instante, ese momento íntimo, y los descontextualiza de cualquier entorno, todo se centra en ellos. Sin confundir privacidad con intimidad, ni tampoco que se asocie a un exhibicionismo, voyeurista, del ser privilegiados al ver la belleza del ser humano en su estado más puro, sin mixturas ni mascaras.


Imágenes Arana Poveda ©® Rosana Antoli.


Rosana Antolí nos presenta a través de su video Els Amants los conflictos de su generación. La artista se centra en las relaciones, las complejidades y el descontento que crean en el día a día de los jóvenes.

Con el video en stop motion, Rosana Antolí, nos narra la relación entre dos seres a través del proceso de perder y de recuperar su identidad como resultado de sus interacciones. Sus dibujos bajo una concienzuda simpleza en base bi-cromática, pinceladas negras y rojas, nos adentran y nos retratan cada uno de los amantes en el vídeo.

Todo comienza con la figura negra que se coloca sola, un espacio en su torso que espera para ser llenado por el alguien diferente. Se va completando con de rojo y genera a la mirada del otro amante un vacío anterior. El nuevo amante también tiene un vacío que se completa rápidamente con el grado de oscuridad de la figura original. En este punto son parejos, iguales en el comienzo y el fin de cada uno de ellos. Pero no consiguen mantener este equilibrio.

Transformaciones de naturaleza; el rojo como la tierra, el negro como el cielo de asalto. La vida se concentra en simples bolas de la energía conectadas por las líneas de rojo y de negro, pulsando en armonía. La música de Pau González, que comienza tranquilo mientras que los amantes se encuentran, crece con mayor intensidad con las experiencias de los dos amantes. Sus dibujos representativos son un comentario en negrilla en relaciones.

Después de la tormenta es cuando consiguen alcanzar el equilibrio. Una búsqueda constante y reiterativa en la obra de la joven artista alicantina.

martes, 25 de enero de 2011

Concurso de fotografía: “30 años de historia en España”

Concurso de fotografía HSBC "30 años de historia en España".
Hasta el 15 de abril
Bases del concurso.

HSBC cumple 30 años de presencia en España. Tres décadas apoyando y colaborando estrechamente con las empresas e instituciones españolas públicas y privadas para ayudarlas a llegar a lo más alto.

HSBC ha vivido intensamente todos los acontecimientos económicos, financieros, sociales y culturales vividos en España en estos 30 años, en los cuales ha consolidado una estrecha relación tanto con los principales actores empresariales del sector público y privado, como con las personas y costumbres españolas, y quiere celebrarlo.

Para ello, y dentro del marco de actos conmemorativos de este trigésimo aniversario, convoca un Concurso fotográfico que quiere recoger y premiar las mejores imágenes que definan y resuman lo acontecido en España en estos últimos 30 años.

Las fotografías se pueden enviar desde ya mismo hasta el próximo 15 de abril. Además, el concurso otorgará tres premios (de 5.000, 4.000 y 3.000 euros) a los mejores trabajos, y editará un libro con las imágenes seleccionadas con fines no comerciales.

El Concurso busca seleccionar aquellas imágenes que ilustren lo acontecido en España, en cualquier ámbito. En este sentido, el contenido de las fotografías, siempre que se circunscriba al periodo de tiempo señalado, puede ser tan amplio como el autor considere, centrándose en paisajes naturales, rurales o urbanos, personas, objetos, etc., que simbolicen o representen de alguna manera lo sucedido en esta etapa.


Consulta las bases del concurso en: www.hsbc.es

ARCO 2011 30 Aniversario

Recinto Ferial Juan Carlos I
IFEMA
Del 16 al 20 de febrero de 2011.
Toda la información en la web de ARCO.


La próxima edición de ARCOmadrid, Feria Internacional de Arte Contemporáneo, que se celebrará del 16 al 20 de febrero de 2011, apunta a ser una memorable convocatoria no sólo porque se celebran los treinta años de trayectoria, sino también por los novedosos cambios que se presentan así como la respuesta de las galerías.

En esta ocasión, la Feria contará con la presencia de una decena de galerías rusas, en representación del programa FOCUS RUSIA, seleccionadas por Daria Pyrkina, comisaria de la National Centre for Contemporary Arts y profesora de la Moscow State Lomonosov University.
Asimismo, el programa SOLO PROJECTS: Focus Latinoamérica, contará con la colaboración de Luisa Duarte, comisaria independiente de Brasil, Daniela Pérez, comisaria asociada del Museo Tamayo de México y Julieta González, comisaria asociada de arte latinoamericano de la Tate de Londres, para la selección de galerías, artistas y propuestas.

Junto a ello, el programa OPENING: Jóvenes galerías europeas, que aglutinará una selección de galerías con menos de 8 años de antigüedad procedentes de diferentes puntos del continente con especial interés por los países emergentes.

En los próximos días, ARCOmadrid comenzará su promoción internacional, en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid. Sao Paulo, París, Moscú, Miami y Lisboa son los destinos elegidos por la Feria Internacional de Arte Contemporáneo para presentar el proyecto de su trigésima edición.

lunes, 24 de enero de 2011

Adam Fuss

Fundación Mapfre
Paseo de Recoletos 23
Del 27 de enero al 17 de abril de 2011.
Toda la información en la web de Mapfre. Como suele ser habitual, han creado una web con toda la información de la exposición y visitas virturales. *Estará operativa e unos días.

La Fundación Mapfre expondrá en Madrid, por primera vez en España, la obra del fotógrafo inglés Adam Fuss (Londres, 1961) en una muestra que será inaugurada el próximo jueves, 27 de enero, y que estará compuesta por 50 fotografías del artista que datan de 1986 hasta la actualidad.


Fotografía ©® Adam Fuss

Este proyecto, organizado en colaboración con el propio Fuss y comisariado por Cheryl Brutvan, conservadora de Arte Contemporáneo del Norton Museum of Art de Florida, no solo reúne aquellas obras que el artista considera algunos de sus mejores trabajos, sino que, en conjunto, recrea el ambiente de un lugar sagrado donde se da la oportunidad de un diálogo entre la obra y el espectador.

Corpus de revelaciones

Además, la exposición recorre sus series principales –Love 1992-1993, (Amor) o My Ghost 2000, (Mi Fantasma)– y presentando sus creaciones más recientes –Home and the World, 2010 (Hogar y el Mundo).

El arte de Adam Fuss es una continua experiencia del artista con cada uno de sus trabajos, un corpus de revelaciones, en ocasiones fantásticas y a menudo inexplicables: la luz, el agua, las flores, los pájaros, los conejos o las culebras pueblan unas imágenes llenas de belleza y misterio. A través de la naturaleza, Fuss puede dirigirse en su obra hacia aquellos asuntos fundamentales que encarnan la esencia de la vida: el nacimiento, el amor y la muerte.

Metáforas y símbolos que se constituyen a través de una continua experimentación del artista con los medios y técnicas fotográficas: fotografías estenopeicas en blanco y negro, el fotograma o el uso del daguerrotipo son algunos de los ejemplos que hacen de Fuss uno de esos fotógrafos que rompen las barreras de la fotografía convencional.

Artículo: Hoyesarte.com

Taller: Reconocer y entender la fotografía contemporánea, por Eduardo Momeñe.

Man Ray Escuela de Fotografía
Calle Virgen de Belén 16
Toda la información en la web de la escuela.

Reconocer y entender la fotografía contemporánea.

Fecha: 26 de Febrero de 2011.

Horario: Sábado de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:00 horas.

Precio: 80 euros.


®© Fotografía Eduardo Momeñe.

En los últimos tiempos ha habido una gran revolución estética y la fotografía contemporánea no cesa de investigar nuevos caminos de expresión, nuevos planteamientos que están exigiendo diferentes maneras de leer el medio fotográfico. La fotografía se ha convertido en un medio apasionante sobre el cual investigar y experimentar constantemente. Hablamos de los nuevos retos a los que se enfrenta la mirada fotográfica, su relación con el concepto de realidad, su definición como lenguaje, y por supuesto, su capacidad para mostrar el mundo con nuevas miradas. Nuevos autores están recogiendo los frutos de la mejor tradición fotográfica con renovadas propuestas. Hablaremos sobre todo ello, y con estas premisas, analizaremos la obra de fotógrafos contemporáneos influyentes.


Una parte del taller se dedicará a realizar un visionado de los trabajos presentados por los participantes.

www.eduardomomene.com

Winston Churchill y España: 1874-1965.

Sala de Exposiciones El Águila
Calle Ramírez Prado 3
Horario: Martes a sábado de 11:00 a 14:00 h. y de 17:00 a 20:00 horas.
Domingos y festivos de 11:00 a 14:00 horas.
Lunes cerrado
Del 25 de marzo al 8 de mayo de 2011.


Winston Churchill
Imagen procedente de los Documentos de la Baronesa Spencer-Churchill
Cortesía del Director, Profesores y Miembros del Churchill College, Cambridge. Derechos reservados

La exposición pretende contribuir a una mejor compresión de la evolución del liberalismo conservador que Churchill defendió desde la caída de los imperios europeos decimonónicos hasta la Guerra Fría y el presente. La muestra vincula su biografía con el devenir histórico de España y reúne piezas originales y facsímiles de artículos de prensa, fotografías y correspondencia, así como audiovisuales, procedentes del Churchill College, depositario de los archivos personales de Churchill y del Museo del Ejército de Toledo.

Catálogo: Contará con textos de David Sarias, Sir Martin Gilbert, biógrafo oficial de Churchill y Celia Sandys, nieta de Churchill, conocida autora de libros.

Actividades paralelas: - Visitas guiadas los fines de semana - I Congreso Internacional de Historia Política Comparada. Winston Churchill y España – Universidad Rey Juan Carlos

viernes, 21 de enero de 2011

Interior / Exterior - Ulrika Anderson & Lisa Carletta.

Galería Arana Poveda
Calle Lope de Vega 22
Del 20 de enero al 23 de febrero de 2011.
Toda la información en la web de la galería.

El mundo exterior está lleno de rostros sin perfiles, de espacios de anonimato y de sujetos estadísticos determinados por estructuras y jerarquías como premisa escénica de toda sociedad. Es, por contraposición, en los espacios privados donde el sujeto se objetiva, se hace cuerpo a la vez que reclama y obtiene el derecho de presencia desnihilizándose.
Es precisamente en este hecho en el que la exposición “Interior / Exterior” incide, proponiéndonos ser partícipes del nexo que se crea entre el mundo interior del artista y su entorno más próximo, los lugares de su intimidad.

Tanto la fotógrafa belga Lisa Carletta (Bruselas, 1982) como la artista sueca Ulrika Andersson (NY, 1981) nos brindan la oportunidad de acercarnos con mirada voyeurística a sus universos particulares, a sus espacios de intimidad.


La joven fotógrafa belga, Lisa Carletta en su serie “Hotel Room”, compuesta por seis fotografías crea una utopía surrealista con su brillante uso de la luz y las escenas con una cuidada ambientación. Presta especial atención a sus entornos detallados que en última instancia, se convierten en la narrativa que rodea a los personajes que se encuentran solos en un mundo de ensoñación. A través de su fotografía, los personajes inevitablemente vuelven a la vida en diferentes contextos todos ellos con un matiz onírico y caprichoso. La serie “Hotel Room” ejemplifica la importancia de sus escenarios complejos, de sus interiores donde la luz aporta a los personajes un halo de misterio y de irrealidad efímera. El punto focal de la serie es de una niña inocente y misteriosa, siempre inmóvil al borde de la cama a la que nda parece distraer, interrumpir o molestar a este personaje contemplativo.


El lenguaje pictórico de Ulrika Andersson es extremadamente cinematográfico, adentrándonos en su universo de detalles y de instantes, reminiscencia de un pasado pluscuamperfecto, que lidera el lenguaje de la artista en cada una de sus piezas. La artista desarrolla un lenguaje que se pretende directo, honesto y sobretodo actual, aunque apasionado por la estética e imágenes de los sesenta. La artista nos reitera que la base de sus obras tiene mucho que ver con lo que le rodea hoy en día, con su mundo a caballo entre New York y Estocolmo. Le agrada pintar Su Presente, sus momentos interiores que le obsesionan una forma de ablución que le permite liberarse de estos instantes, dejarlos fluir y seguir adelante con su vida.

Portraits - Colectivo Panorama.

Café La Palma
Calle la Palma 62
Hasta el 31 de enero de 2011.
Toda la información en la web del café.

Exposición fotográfica a cargo de Alfredo Arias, Sergio Albert y Juan Pérez-Fajardo.

¿Me miras o te miro? Todos tenemos una forma de ser mirados, y todos miramos de manera distinta. ¿Es el fotógrafo quién maneja la barca a la hora de hacer un retrato, o es el sujeto? Como el sexo, los momentos previos son los más importantes. Una buena conversación, transmitir calma o los recuerdos comunes son elementos tan importantes a la hora d...e conseguir una foto como las más técnicas más avanzadas, y son las armas con las que el Colectivo Panorama se acerca a un género que cuenta historias como ningún otro. A través de las imágenes de Alfredo Arias, Sergio Albert y Juan Pérez-Fajardo nos adentramos en un universo de detalles en donde una arruga puede contar mucho más que una biografía completa. Las paredes del Café de la Palma permiten a estos tres experimentados fotógrafos unirse a su 30 aniversario con una exposición en la que la música está siempre presente de una u otra manera. Una exposición pop por lo cercano e inmediato, en la que celebrities y desconocidos nos van a dejar pensando ¿en qué nos parecemos? En todo y en nada, porque cada uno de nosotros tendrá una visión diferente.
Colectivo Panorama.


Alfredo Arias (Avilés, 1973) posee una sólida experiencia como fotógrafo profesional. Sus trabajos se publican en El País, GQ, Elle, Conde Nast Traveler, EP3, Rolling Stone, DT, Man, El Mundo, MTV Magazine, Tendencias, Revista 40 Principales, Rockdelux o Rock Zone entre otras. Actualmente especializado en retratos de celebrities también realiza reportajes de viajes (ha viajado por medio mundo y desea poder hacerlo por el otro medio), fotografía de arquitectura e interiorismo (tanto para estudios de arquitectura y arquitectos como para revistas e instituciones), publicidad, imagen corporativa, foto fija, moda y además tiene una dilatada experiencia en el mundo de la música con más de 70 discos a sus espaldas (arte, portadas, in-line y promoción), para las más prestigiosas discográficas y artistas. No se aburre y procura que cada foto que hace sea distinta y mejor que la anterior.


Juan Pérez-Fajardo (Madrid 1969) desarrolla su actividad profesional en los ámbitos de la fotografía y del modelado y la animación 3D. En este último, comenzó su carrera trabajando para empresas del calibre de Disney Buena Vista y REM Infográfica, pero el deseo de independencia y libertad creativa pronto le llevó a montar FLY MULTIMEDIA (1995). Gana El Sol de Oro en el Festival de Publicidad de San Sebastián, en la categoría de multimedia. Rueda tres cortos: El Ataque de los Zombies Adolescentes (2001), Sothot (2003) y Hasta la muerte (2005) con el que gana casi 20 premios y es nominado a los Goya 2007 como mejor cortometraje de animación.Como fotógrafo colabora con diferentes revistas y publicaciones tales como Rolling Stone, El País, El Mundo, Mondo Sonoro, Rockdelux, Revista 40 principales... Además, sus fotos de conciertos se pueden ver en las exposiciones permanentes de los Hard Rock Hotel de Las Vegas y Alburquerque (New Mexico), Hard Rock Cafe de Madrid y en las oficinas de Gibson Guitars en Madrid. Tiene,entre otros galardones, el segundo premio de fotografía de la revista National Geographic España 2008 y el primer premio de fotografía de naturaleza de Vila-Real 2010.


Sergio Albert (Madrid 1986), estudió el módulo superior de imagen centrándose desde un primer momento en el mundo de la fotografía. Desde hace 4 años colaborara con la web de Rock in Spain y realizando fotos promocionales a distintos grupos de la escena underground de Madrid. En los últimos dos años ha trabajado para la revista madrileña Arto! y ha publicado sus fotos en las revistas Rockzone, Rockdeluxe, Mondo Sonoro o Metal Hammer. A destacado convirtiéndose en el cronista del underground madridleño poniendo cara a la efímera escena alternativa de la ciudad consiguiendo ser el fotógrafo de cabacera de las nuevas bandas madrileñas. Actualmente es el fotógrafo de la web RafaBasa.com y la revista Staf magazine. Además realiza colaboraciones con diseñadores de Moda.

América Fría - Escultura.

Fundación Juan March
Calle Castelló 77
Del 11 de febrero al 15 de mayo de 2011.
Toda la información en la web de la fundación.

AMÉRICA FRÍA
La abstracción geométrica en Latinoamérica
(1934-1973).



Lygia Pape. Sin título, 1961
Acrílico sobre contrachapado
Colección Patricia Phelps de Cisneros

Mostrar la compleja y fragmentada historia de la abstracción geométrica en Latinoamérica y la renovación y diferente carácter que supuso con respecto a la abstracción europea es el propósito de la exposición América fría. La abstracción geométrica en Latinoamérica (1934–1973). Pintura, fotografía, escultura y arquitectura están representadas en las casi 300 piezas (entre obras y documentos) —algunas de ellas nunca vistas fuera de sus países de origen— de más de 70 artistas procedentes de Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, Uruguay, Venezuela y México. La muestra abarca un arco temporal definido por dos viajes de retorno de Europa a América: 1934, cuando Joaquín Torres–García regresa a Montevideo, y 1973, año de la vuelta del venezolano Jesús Rafael Soto para la inauguración de su museo en su ciudad natal, Ciudad Bolívar.

La exposición es un proyecto de la Fundación Juan March, que ha contado con Osbel Suárez como comisario invitado y en el que han participado algunos de los más reputados artistas y conocedores del arte en Latinoamérica —como Ferreira Gullar, César Paternosto, Luis Pérez Oramas, Gabriel Pérez Barreiro, María Amalia García o Michael Nungesser, entre otros. La muestra refleja una Latinoamérica diversa del estereotipo habitual: frente a la tópica y apresurada identificación de ésta con la temperatura extrema de la espontaneidad y lo nativom con el trópico y el Caribe, la obra de estos artistas es índice de una América "fría", objetiva, geométrica y racional, de la que resulta una abstracción fascinante y sorprendente.

Las obras proceden de museos y colecciones privadas de Europa, Estados Unidos y América Latina, en el mayor esfuerzo realizado nunca por reunir las mejores piezas de las mejores colecciones al servicio de una visión panorámica de las corrientes abstractas americanas. El catálogo que acompañará la exposición, profusamente ilustrado y documentado, hará extensivo ese panorama a los interesados en el arte de un continente aún muy desconocido para el gran público.

Jean–Léon Gérôme (1824-1904).

Museo Thyssen-Bornemisza Madrid
Pº del Prado 8
Del 15 de febrero al 22 de mayo de 2011
Toda la información en la web del museo.


Jean-Léon Gérôme. Mujer circasiana con velo, 1876. Qatar Museums Authority, Doha.

La exposición Jean-Léon Gérôme (1824-1904) es resultado de un ambicioso proyecto conjunto entre el J. Paul Getty Museum, el Musée d’Orsay y el Museo Thyssen-Bornemisza y que supone la primera gran exposición monográfica dedicada al pintor y escultor francés desde la celebrada hace treinta años en Estados Unidos, fundamentándose en los estudios en profundidad y catalogaciones que sobre la obra del artista ha venido realizando la historiografía más reciente. En la primavera de 2011 recalará en Madrid una versión reducida de la gran retrospectiva presentada en Los Ángeles y París a lo largo de 2010, pudiéndose contemplar una selección de 55 piezas entre sus obras más emblemáticas. Los óleos y esculturas que se presentan nos permiten conocer todos los puntos claves de este creador de imágenes y así profundizar en su concepción teatralizada de la pintura de historia, en el realismo y el gusto por el detalle de sus trabajos de tema oriental, así como del uso de la policromía en su producción escultórica.

jueves, 20 de enero de 2011

Vincent Delaunet - Sueños de Sudamérica.

Instituto Francés de Madrid
Calle Marqués de la Ensenada 10
Horario: De lunes a viernes de 10.30 a 20.00 horas.
Del 20 de enero al 4 de febrero de 2011.
Toda la información en la web del IFM.
Aquí podéis encontrar sus blogs con sus trabajos.


Sueños de Sudamérica ®© Vincent Delaunet

Vincent Delaunet , fotógrafo francés de 45 años. Entre 2005 y 2008, vivió en América del Sur y más particularmente en Argentina. La gente que encontró allí, los paisajes que atravesó lo emocionaron. La realidad de lo que vió sobrepasó su sueño de niño nacido de la lectura de un libro: ver una vez en su vida Argentina, Patagonia... El Fitz Roy.

Vincent sintió la necesidad de compartir lo que tuvo suerte de ver a través de un sitio que iba a ser la trama de un libro, "Argentina, sueños e historias". En ésta obra sus fotos están asociadas a leyendas, anécdotas, poemas o cuentos de su inspiración..

Las revistas National Geographic y Géo se interesaron por algunas de sus fotos.. Ha expuesto en varias galerías en América del Sur. Su sitio web y sus blog,s han sido vistos por varias decenas de miles de visitadores. La exposición en el Institut Français de Madrid, presentará de modo temático una parte de sus clichés. A lo largo de las obras expuestas, Vd. podrá estar cegado por una puesta del sol sobre el Altiplano, podrá sentir la fuerza de los vientos de la Patagónia, la mirada penetrantes de los niños que no tienen nada, y ver nacer en VD. el deseo de evasión de los caminos y de los horizontes infinitos...

Vincent concibe la fotografía como el reflejo de su emoción y de su sensibilidad a la belleza. En el marco estrecho del objetivo, quiere simplemente que la belleza de lo que ve entre entera, intacta, pura para no olvidarla y para compartirla. Es la razón por la cual Vincent no engaña : no utiliza filtro y jamás retoca sus fotos.

Daniel Canogar - Vórtices

Sala Exposiciones Canal Arte
Calle Mateo Inurria 2
Del 8 de febrero al 10 de abril.
Toda la información en la web de la fundación.


Exposición Vórtices © Daniel Canogar. Fundación Canal.

Vórtices es una exposición compuesta por seis instalaciones de nueva creación de Daniel Canogar, producidas especialmente para esta muestra, en la que el artista reflexiona sobre el agua, el ciclo hidráulico, la sostenibilidad y el reciclaje.

Vórtices gira en torno al agua; en equilibrio entre la reflexión artística, la expresión estética y la divulgación medioambiental
y tiene como eje la crítica de la cultura del usar y tirar.

Vórtices sumerge al visitante en el universo acuático del artista, habitado por objetos desechados que se transforman en obras de extraordinaria belleza
y narran tanto historias de una vida pasada como intenciones de un futuro posible.

Vistas- Taller
Para niños de 3 a 12 años acompañados por adultos. Fines de semana

Antigua cartografía de Italia: del mito a la unidad.

Instituto Italiano de Cultura
Calle Mayor 86
Hasta el 28 de enero de 2011.
Toda la información en la web del centro.



En vista de la celebración de los 150 años de la Unidad de Italia, el 13 de enero a las 20.00 horas se inauguró en elInstituto Italiano de Cultura “ANTICA CARTOGRAFIA d’ITALIA dal mito al l’Unità”, una exposición de mapas antiguos que junta símbolos, imágenes y valores de una extraordinaria fuerza evocativa.
Los mapas de la exposición, todos originales y algunos inéditos, forman parte de la collección de Gianni Brandozzi que engloba más de dos mil mapas. Los mapas geográficos seleccionados y elegidos para la exposición están todos enmarcados con marcos de la misma época, con la función de valorizar ulteriormente el gusto y el valor histórico. Los mapas tienen un profundo significado histórico. Estos mapas fueron utilizados por un grupo deintelectuales del siglo XIX para reclamar sus propios derechos a la independencia, a la libertad, a la unificación del territorio, hasta llegar a la proclamación del Reino de Italia el 17 de marzo de 1861. Los mapas, que se pueden datar desde el siglo XV hasta el XIX, representan verdaderos documentos de la evolución históricopolítica del territorio italiano y de la Europa entera y contienen caminos, fronteras y geográfias ahora desaparecidos.

John Gerrard

Ivorypress Art + Books Space I
Calle Comandante Zorita 48
Del 15 de febrero al 2 de abril de 2011.
Toda la información en la web de la galería.
Inauguración: 15 de febrero de 2011 a las 19.30 horas.

Ivorypress Art + Books Space I expondrá, desde el 15 de febrero y hasta el 2 de abril de 2011, una muestra de John Gerrard (Dublín, 1974). El trabajo de este artista multidisciplinar combina las nuevas tecnologías con la fotografía y un lenguaje poético, al tiempo que reflexiona sobre cuestiones políticas y sociales.


Sus piezas retratan paisajes arquitectónicos que se reflejan como “estructuras aisladas y enigmáticas cuyos interiores permanecen ocultos”, tal y como las describe el texto del catálogo, editado por Ivorypress con motivo de la exposición. Sus creaciones muestran lugares reales, “cuya superficie es capturada por Gerrard en miles de fotografías digitales, que luego se utilizan en una meticulosa reconstrucción virtual”. Entre las obras que compondrán la muestra se encuentra Cuban School (Sancti Spiritu), 2011 –comisionada Sow Farm (near Libbey, Oklahoma), Realtime 3D, 2008 Courtesy of the artist and Simon Preston Gallery, New York/Thomas Dane Gallery, London por Ivorypress–, que aborda desde un punto de vista artístico la situación actual en Cuba. A través de fotografías tomadas en una escuela en las afueras de La Habana, Gerrard construye un modelo en 3D y pone en marcha un software similar al de los videojuegos, que permite ver el edificio desde cualquier ángulo y distancia. Al igual que en dichos juegos, el paisaje se convierte en una vía para escapar de la realidad y llevar al espectador a un mundo en el que puede crear libremente.


Sow Farm (near Libbey, Oklahoma), Realtime 3D, 2008
Courtesy of the artist and Simon Preston Gallery, New York/Thomas Dane Gallery, London.

La obra, proyectada en una pantalla de 18 metros cuadrados, se va transformando a lo largo del día y muestra la misma luz que habría en Cuba en el momento en que el espectador la observa en Madrid. La decadencia del edificio, que continúa funcionando como colegio a pesar de estar casi en ruinas, es un vehículo para hablar de la melancolía y de los efectos del paso del tiempo sobre las estructuras, tanto arquitectónicas como humanas. Son objetos y entornos “que se muestran como presencias extrañas, casi ajenas a este mundo”, señala el filósofo.

Otra de las grandes proyecciones que compondrán la exposición se titula Dust Storm (Dalhart, Texas) y fue realizada en 2007, a partir de fotografías de una serie de tormentas de arena y polvo que se produjeron en los años 30 en el sur de EE.UU. El artista reconstruyó virtualmente, con sus propias fotografías, imágenes de satélite y datos topográficos, una superficie de 1,6 kilómetros cuadrados del área rural de la localidad texana de Dalhart. Al activarlo, la proyección en 3D recrea de manera aleatoria los efectos de la tormenta sobre el paisaje reconstruido.

Cajas artísticas

Entre las piezas que componen la muestra se incluyen también varias cajas de luz, formas habituales en la obra de Gerrard. “La presencia física y la gravidez de sus ‘cajas artísticas’ impiden que la obra se lea como algo meramente virtual”, explica Robin Mackay. “Al mismo tiempo, el entorno virtual de la pantalla hace inevitable que las oquedades de la caja blanca se rellenen de circuitos, que se unan a la red y se conviertan en una caja negra”. Piezas realizadas en 2009 y que son muy representativas de esta parte de su trabajo, como Sentry (Kit Carson, Colorado) o Sow Farm (near Libbey, Oklahoma), podrán verse en Ivorypress Art + Books.

En esta misma línea se encuentra la caja de luz titulada Lufkin (near Hugo, Colorado), 2009, que forma parte de una serie en la que Gerrard retrató varios pozos petrolíferos en medio del paisaje y que también formará parte de la exposición.

John Gerrard vive y trabaja entre Dublín y Viena. Recibió formación artística en la Universidad de Oxford, donde se especializó en escultura. Su obra ha sido expuesta en destacadas galerías internacionales como hilger contemporary (Viena), Knoedler Project Space (Nueva York), Thomas Dane Gallery (Londres) o Simon Preston Gallery (Nueva York). Asimismo, en el marco de la 53ª Bienal de Venecia, presentó una muestra titulada Animated Scene, con tres proyecciones de gran formato realizadas en una de las islas venecianas.

miércoles, 19 de enero de 2011

“Nuevas vanguardias. La fotografía catalana de los años 50 y 60” .

Centre Cultural Blanquerna
Calle Alcalá 44
Horario: De lunes a viernes de 10.30h a 21.30h. Sábados de 10.30h a 20.30 horas.
Del 24 de enero al 4 de marzo de 2011.
Toda la información en la web del centro.

El CC Blanquerna inaugura la exposición Nueva vanguardia. Fotografía Catalana de los Años 50 y 60, el próximo 27 de enero de 2011 a las 19.30h en un acto en el que intervendrán algunas personalidades del mundo de la fotografía en Cataluña.

*Se ruega confirmación de asistencia a informacion@ccblanquerna.cat

Descargar invitación


Esta exposición, comisariada por Pepe Font De Mora, traza un recorrido por la fotografía catalana del período nombrad. Reúne a ocho de los autores más representativos de aquella época: Francesc Català-Roca, que fue el precursor del nuevo movimiento; Ricard Terré, Xavier Miserachs y Ramon Masats, que forman el núcleo central y Joan Colom, Oriol Maspons, Toni Catany y Josep Maria Casademont, representados con obras suyas de extraordinario valor.

A principios de la década de los años cincuenta, en Cataluña, igual que en el resto del estado español, el agrupacionismo fotográfico y los concursos eran el reducto de un tipo de fotografía que estaba en declive. Es en ese momento, cuando surge una nueva generación de fotógrafos que reivindicaban una manera diferente de aproximarse a la fotografía como medio de expresión creativa.

Esta exposición quiere ser una muestra de este cambio de paradigma en la fotografía catalana que viene dada por esta nueva generación de autores que estuvieron en contacto con los grupos fotográficos europeos más activos y renovadores del momento. En la Península, fue el grupo AFAL quien logró aglutinar alrededor de su revista el deseo de cambio latente en los diferentes colectivos de Almería, Madrid y Barcelona.

En Cataluña fue Oriol Maspons quien mantuvo la conexión con fotógrafos de París, removió la escena tradicional con sus críticas y propició al mismo tiempo el contacto con incipientes proyectos editoriales. El término de "NUEVA VANGUARDIA" fue acuñado por el mismo Casademont para designar el surgimiento de este grupo de fotógrafos catalanes de los sesenta, en el que subrayaba con la reiteración de Nueva la aparición en los tristes tiempos de silencio de un auténtico movimiento, lleno de energía y muy diverso que, con el paso del tiempo, se ha confirmado como uno de los grandes momentos de la fotografía europea contemporánea.

Antona - Fotografías.

Taberna Rayuela
Calle Morería 8
Hasta el 30 de enero de 2011.


Tenéis más información sobre la exposición en su blog, y su página www.antonafotografias.com

Roberto Longo

Galería Soledad Lorenzo
Calle Orfila 5
Horario:lunes (16.30 a 20.30h.) y de martes a sábado (de 11 a 14h. y de 16.30 a 20.30h).
Hasta el 26 de febrero de 2011.
Toda la información en la web de la galería.


©® Roberto Longo

El artista estadounidense Robert Longo aterriza en Madrid para mostrarnos su última exposición, 'Mysterious Heart' (corazón misterioso). La galería Soledad Lorenzo alberga esta muestra que permanecerá abierta hasta el 26 de febrero. Cuenta con 27 obras entre las que se encuentran sus últimos dibujos de gran y pequeño formato, así como nueve piezas de color y una instalación.

Robert Longo es conocido por ser un artista que dibuja en blanco y negro imágenes modernas y conocidas por todos, imágenes que salen en la prensa, la televisión y el cine, y busca con ellas causar un impacto en el espectador. Su técnica es lo más parecido al producto final de un proceso de revelado de fotografía. Utiliza el carboncillo sobre papel montado en una placa de acero y consigue una calidad máxima en sus dibujos.


©® Roberto Longo

'Mysterious Heart', su tercera exposición en España, comienza con una serie de tres piezas en blanco y negro de gran formato (243,75 x 178 cm.) que muestran rostros femeninos ocultos con burkas. Sólo se ven los ojos y ellos son los encargados de expresar los sentimientos. Los títulos son muy curiosos: cada uno lleva un 'Untitled' ('Sin título') acompañado del nombre de la fémina a la que corresponda.

Además, el artista se adentra en los conflictos religiosos. Por esos las siguientes tres piezas son dibujos del interior arquitectónico de tres templos, una sinagoga, una catedral y una mezquita, que conviven en el mismo espacio de la muestra. El espectador siente que está rodeado de las tres grandes religiones monoteístas. Una última obra exhibe a un espectacular tigre encerrado en una jaula. 'Tiger in a Cage' cierra el apartado de dibujos de gran formato.

Varias obras de colores rojo, azul y verde se distribuyen por toda la exposición y rompen con el blanco y negro que impera. Tienen forma cuadrada y un marco dorado. Pretenden dar el aspecto de un espejo para que todos los visitantes puedan verse reflejados.

Artículo de María Carrión Manzano para El Mundo

JustMAD 2

Feria del Arte Contemporáneo JustMAD 2
Calle Velázquez 29
Del 17 al 20 de febrero de 2011.

La feria de arte contemporáneo emergente JUSTMAD2 se celebrará en el majestuoso edificio de Velázquez 29.


Madrid, 18 de enero de 2011.- Los más de 5.000 m2 de exposición del edificio de Velázquez 29 darán cabida a la feria emergente JUSTMAD2, que afronta su segunda edición del 17 al 20 de febrero de 2011 como una sólida apuesta internacional por el arte contemporáneo más innovador. El encuentro, que inicialmente había programado celebrarse en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles, cambia así de ubicación a causa de una rectificación del Ayuntamiento sobre los términos de cesión del espacio. Finalmente, esta segunda edición del evento tendrá lugar en un majestuoso enclave del centro capitalino, que sigue la estela de ferias emergentes internacionales tan reconocidas como Liste en Basilea o Independent en Nueva York y que en 2010 ya acogiera la celebración de la renombrada Casa Decor.

Testigos del Olvido - Exposición colectiva.

Instituto Cervantes
Calle Alcalá 49
Horario: de lunes a sábados: de 10:00 a 20:00 h y domingos y festivos de 11:00 a 14:00 horas.
Del 27 de enero al 15 de mayo de 2011.
Toda la información en la web del Instituto Cervantes.


Autor/es: MSF/Juan Carlos Tomasi

«Testigos del olvido» propone una mirada sobre ocho crisis humanitarias que asolan el mundo, narradas en primera persona por ocho grandes escritores en lengua española: Mario Vargas Llosa, Sergio Ramírez, Laura Restrepo, Juan José Millás, John Carlin, Laura Esquivel, Manuel Vicent y Leila Guerriero, y retratadas magistralmente por la cámara de Juan Carlos Tomasi. Los autores participaron voluntariamente e hicieron sus reportajes con plena libertad de enfoque, primando siempre el testimonio de las víctimas. Estos ocho reportajes acercaron el rostro humano de estos contextos de violencia continua y olvido mediático a los lectores de EL PAÍS SEMANAL entre 2009 y 2010. En esta exposición se recogen estos reportajes, ampliados con imágenes y audiovisuales inéditos.

Ficha técnica
Obra: 16 fotografías impresas, 8 proyecciones con imágenes y textos y un video/makinf off de los viajes.
Autor/a/es/as: Fotografías de Juan Carlos Tomasi y textos de Mario Vargas Llosa, Sergio Ramirez, Laura Restrepo, Juan José Millás, John Carlin, Laura Esquivel, Manuel Vicent y Leila Guerriero.
Cronología: 2009-2010
Técnica: diferentes formatos
Tamaño: diferentes tamaños
Procedencia: Médicos Sin fronteras y El País
Catálogo: Catálogo en castellano e inglés de más de 350 páginas que incluye las crónicas completas de Mario Vargas Llosa, Sergio Ramirez, Laura Restrepo, Juan José Millás, John Carlin, Laura Esquivel, Manuel Vicent y Leila Guerriero, sus biografías y una amplia selección de fotografías en color de Juan Carlos Tomasi.

Actividades

* Testigo del Olvido. Encuentros.
* Testigos del Olvido. Talleres infantiles.
* Testigos del Olvido. Ciclo de documentales.

martes, 18 de enero de 2011

Anselm Kiefer, Die Argonauten.

Ivorypress Art + Books Space II
Calle Comandante Zorita 46
Del 15 de febrero al 26 de marzo de 2011.
Inauguración: 15 de febrero de 2011 a las 19.30 horas.
Toda la información en la web de la galería.

Ivorypress Art + Books presentará desde el 15 de febrero la muestra Anselm Kiefer, Die Argonauten. La exposición recogerá las 27 obras realizadas en lápiz sobre fotografía que integran la edición única del libro Die Argonauten, la tercera entrega de la LiberArs Series de la editorial Ivorypress. Este trabajo realizado entre 1990 y 2010, podrá visitarse hasta principios de abril en Ivorypress Art + Books Space II.


Die Argonauten, 1990/2010
Aprox. 30 x 47 cm (11.81 x 18.5 in)
Cortesía Anselm Kiefer / Gallery Thaddaeus Ropac / Ivorypress

Los originales de Kiefer son una relectura actualizada del mito de Jasón y su búsqueda del vellocino de oro. “Una serie compacta y coherente de fotografías”, tal y como explica el artista, que parte de “un contexto muy banal y cotidiano”, como la gran mayoría de sus obras.

El autor comenzó a gestar este proceso creativo tras una reunión con amigos y colaboradores en la década de los ochenta. Al término del encuentro “la mesa parecía un campo de batalla: tazas vacías, restos en los platos, migas, manchas”, detalla el artista en el texto Anselm Kiefer sobre Jasón y los Argonautas que incluido en el libro de artista editado por Ivorypress.

La escena sirvió de inspiración a Kiefer para recrear –a través de imágenes simbólicas y poéticas– los avatares de la leyenda Jasón y los Argonautas. Su particular manejo de la luz hace que las fotografías reflejen el aura del mito griego que guió a Kiefer en esta producción. Una historia sobre el tesón de hombres y mujeres para superar cualquier obstáculo, “un mito que todos llevamos dentro aún sin haber leído nada sobre él”.

De lo insignificante a lo esencial.

Las obras de Anselm Kiefer surgen de un modo insignificante, a partir de una idea incipiente que poco a poco va adquiriendo forma. “Lo banal es el mejor punto de partida para hacer descubrimientos propios y creo que lo insignificante tiene más valor para el observador”, detalla en su texto el artista alemán.

Die Argonauten surge de “un proceso tan normal como tomar un café que, sin embargo, puede albergar la dramática lucha de los argonautas, sólo hay que reconocerla”. Hay que traspasar la frontera de lo banal e identificar la idea que subyace en ella, la misma lucha cotidiana que todos los seres humanos afrontamos diariamente.

Como una gran parte de la obra de Kiefer, esta serie fotográfica no pretende crear una obra de arte que resulte interesante o incluso estética, sino que sus originales remiten a “la capa que hay detrás de las cosas”, lo único, como explica el artista “que nos mantiene vivos”.

Estas obras, que nunca han sido expuestas al público anteriormente, constituyen la tercera muestra que se celebra en Ivorypress Art + Books Space II, el nuevo espacio expositivo que Ivorypress inauguró el pasado mes de octubre, dedicado a mostrar obra sobre papel, fotografía y ediciones especiales.

Haití: imágenes contra el olvido.

Casa de América
Galería Guayasamín
Plaza de Cibeles 2
Horario: de lunes a sábado de 11.00 a 20.00 horas.
Domingos y festivos de 11.00 a 15.00 horas.
Hasta el 12 de febrero de 2011.
Toda la información en la web de Casa de América.


Fotografías ®© Orlando Barría - Agencia EFE.

Casa de América, en colaboración con la Agencia EFE, presenta una exposición fotográfica que, bajo el título 'Haití: imágenes contra el olvido', muestra instantáneas del día a día del pueblo haitiano después del terremoto del 12 de enero de 2010. Nuestro propósito es mantener vivo el recuerdo de su ejemplo de lucha y valentía. Al mismo tiempo, la exposición hace un llamamiento para que no decaiga el apoyo internacional al proceso de reconstrucción, un proceso que ha sido afectado por inundaciones y una epidemia de cólera.

La muestra, que estará abierta hasta el 12 de febrero en nuestra Galería Oswaldo Guayasamín, abarca veinte fotografías que reflejan las dimensiones de la tragedia. Los autores de estas imágenes son los prestigiosos fotógrafos Orlando Barría, J. J. Guillén, Benjamín J. Myers, David Fernández y Shawn Thew.

Os dejo también el documental Sueños de Haití, de Miguel Ángel Tobías.

Exposición Fotográfica de los Talleres IntegrArte.

Centro Cultural José de Espronceda
Calle Almansa 9
Hasta el 31 de enero de 2011.


Aquí podéis ver varias proyecciones sobre el taller.

Fuente: Rosibell Rivera

Geografía postal. Las postales de las familias García Lorca y De los Ríos.

Espacio para el Arte y la Cultura de Aranjuez
Calle San Antonio 49
Aranjuez - Madrid
Horario:De martes a sábado, de 10 a 13 y de 17 a 21 h. Domingos y festivos: 11 a 14 horas.
Del 18 de enero al 13 de marzo de 2011.
Tenéis toda la información en web de Caja Madrid, así como un catálogo (6 megas) de la misma.


Esta muestra recoge la colección de postales privadas archivadas durante años por las familias García Lorca y De los Ríos y que incluye correspondencia con artistas amigos del escritor como Buñuel o Dalí, en las que se plasma la especial relación que el escritor granadino mantenía con otros creadores de su época.

A través de esta colección, se realiza un recorrido por la historia del siglo XX reivindicando además la postal como pequeña obra de arte.

El artista británico Martin Parr, presenta una selección de ellas en esta exposición.


El proyecto, llevado a cabo entre Obra Social Caja Madrid y la Fundación García Lorca, se acompaña de un libro que reúne la totalidad de las postales de la exposición, así como textos explicativos de las mismas.

Se trata de una exposición itinerante que podrá verse en el Espacio Caja Madrid de Aranjuez hasta el próximo 13 de marzo y posteriormente visitará los centros culturales de la entidad en Zaragoza y Ciudad Real.

Eduardo Gruber "Héroes y pioneros".

Galería Evelyn Botella
Calle Mejía Lequerica 12
1º Derecha
Inauguración 20 de enero de 2011 a las 20:00 horas.
Toda la información en la web de la galería.


Eduardo Gruber © Galería Evelyn Botella

"Display Windows" es el título de una serie de dibujos de gran formato empezada en 2006, con vocación de prolongarse en el tiempo, y cuyo final imprevisible lo marcará, de forma autónoma, el que será el último dibujo de la serie.

Héroes y Pioneros es la continuación de este trabajo. Han pasado algunos años desde que Eduardo Gruber presentara así sus primeros dibujos de la serie con motivo de la exposición que tuvo lugar en el antiguo espacio de la galería. Las líneas generales siguen intactas; se mantiene el formato, pero el uso habitual del grafito y pigmentosobre papel, en esta ocasión, se enriquece al manejar, técnica y conceptualmente, códigos más ambiciosos. Estas ventanas son diferentes de aquellas, han crecido. En aquellas se respiraba la sutil ironía y la chispa inteligente de su propia juventud, como un guiño cómplice y atrevido que te incita a aceptar un juego desconocido. Estas ventanas en cambio, invaden la sala con una solemnidad firme, un sentimiento de esperanza y dignidad más propio de la madurez.


Eduardo Gruber © Galería Evelyn Botella

Si aquellas veían la luz, estas nos sugieren el camino gracias a la propia iluminación de las obras, que en los dos casos adquiere un valor simbólico muy importante.

En los Pioneros, la luz fría y azul de los tubos fluorescentes se acentúa con los azulejos blancos elegidos como soporte y parece contagiarnos el frío glacial que sienten estos siete hombres conquistando el polo norte.

Las bombillas de los Héroes son tímidas y cálidas, diferentes intencionadamente entre sí en tamaño y luminosidad, como si quisiera destacar la singularidad de cada uno de estos veinticuatro hombres que se adentran en la oscuridad de la mina.

La otra diferencia fundamental según palabras del propio artista es:

La aparición del ser humano como protagonista, no sólo como imagen universal que nos representa, sino la específica de un tipo de hombre que se distingue por llevar a un extremo casi " homérico", una de las características que mejor nos define: la voluntad frente al reto.

lunes, 17 de enero de 2011

Nueva SanDisk SDHC Extreme® Pro™ UHS-I.

Ya está disponible la tarjeta SanDisk SDHC Extreme® Pro™ UHS-I. Esta tarjeta incorpora la tecnología Ultra High Speed (UHS) de la reciente especificación SD 3.0 y alcanza una velocidad de lectura y escritura de hasta 45MB/sec*. Proporciona una fiabilidad a largo plazo, mediante una distribución rápida y eficaz, con el controlador Power Core™ de SanDisk. Esta tarjeta SDHC Extreme Pro UHS-I de SanDisk ofrece a los aficionados de la fotografía el rendimiento, la fiabilidad y la durabilidad que exigen las capturas profesionales.


Disponibilidad y precio:

La tarjeta se distribuye en los principales establecimientos en todo el mundo y ya está disponible en www.sandisk.com.

8GB: €54.99
16GB: €107.00
32GB: €207.00

"PRIMITRIBE" by Black Sun® Art. Mario de la Iglesia.

Monkey Garden
triBall Madrid
Calle Barco 38


En Monkey Garden, Barco, 38 el Jueves 16 diciembre a las 20,00.

Mario De la Iglesia, fundador de la marca de arte Black sun® en Madrid, en el año 1990, con tan solo 20 años. Autor madrileño, implicado continuamente en la evolución y creación de nuevos lenguajes de expresión plástika. Y la promoción del arte joven y de vanguardia. El trabajo de Mario como Black Sun®, toma como base el mestizaje de estilos e ideas y tendencias, esquivando así el encasillamiento en un estilo o disciplina. Los inicios de Black Sun® se remontan al año 1990, año en que nace como marca de camisetas, primer soporte que Mario utiliza para promocionar sus ideas y diseños, Grafiteros hoy míticos de la escena madrileña como MUELLE, SNOW, QSC, son llamados por Mario para decorar sus primeros locales, colaborando a impulsar el graffiti como arte indoor años 1989 al 1997.

Fundador de la sala Nirvana exponente de la música independiente en los 90,Posteriormente una trayectoria de 8 años como director de arte, en revistas y agencias de publicidad como Casadevall Pedreño & PRG, Maccan, Future Brand N.Y. San Francisco sera un punto de inflexión en la carrera de Mario y de Black Sun®, Desde entonces y hasta hoy, revistas de tirada nacional como VOGUE, ELLE, GQ, EL PAIS, EL MUNDO y medios en general, han subrayado su trabajo gráfico desde el año 2000 como la evolución del retrato, más tarde como la evolución del pop, y hoy como una marca de arte con un estilo propio muy definido, pero sin barreras en la ejecución, soporte y técnicas.

Ha trabajado para clientes como Rob Garza (Thievery Corporation), Bacardí retratando a todo el staff directivo a nivel mundial, Globomedia, El Pais, On madrid, Grupo Ananda, Renault, Cadena Ser, Loewe, Vodafone, Nokia, Creador del logotipo de la cadena de restaurantes LA VACA ARGENTINA. Uno de sus más recientes trabajos gráficos es para la cadena de T.V. La Sexta y su productora vinculada Globomedia, creando el nuevo decorado del programa " EL INTERMEDIO " ( Wyoming ), con una obra gráfica retroiluminada de 20 x 4,5 metros, la pieza más grande hasta el momento realizada por Mario.

Actualmente dedicado por completo a generar obra propia pintura, obra gráfica, serigrafía, en su estudio/espacio Black Sun® calle Hernán Cortes 16, del madrileño barrio de chueca fuencarral. La colaboración con Pablo Pérez-Mínguez ( Premio Nacional de Fotografía 2006) y su comisario Carlo s Serrano C.S.G.H. en su exposición "Detalles Invisibles" (Photoespaña 2008 Ministerio de Cultura) y el libro del mismo nombre, ha sido uno de los últimos proyectos de los que ha formado parte, junto a la edición de las series IKóNIKAS P.P.M. by BLACK SUN®, piezas realizadas tomando como base la fotografía de P.P.M. e interpretadas por Mario en su personal lenguaje gráfico by BLACK SUN®. La fotografía artística también ocupa parte de su actividad gracias a la genialidad y generosidad didáctica de Pablo Pérez-Mínguez. Rapidez, mente inquieta y actividad constante, tres formas de calificar a Mario y a Black Sun®.

Un mundo flotante - Jacques Henri Lartigue.1894/1986

Caixa Forum Madrid
Pº del Prado 36
Del 4 de marzo al 19 de junio de 2011.

CaixaForum presenta en Madrid la primera gran muestra monográfica de uno de los nombres cruciales de la fotografía del siglo XX.

«Ser fotógrafo es atrapar el propio asombro». Durante toda su vida, Jacques Henri Lartigue (1894-1986) fue fiel a esa inquietud. Desde su más tierna infancia fotografió todo aquello que le conmovía, que le hacía feliz, que le parecía bello y que le servía para luchar contra el paso del tiempo y el olvido. Reconocido hoy de forma unánime como uno de los grandes nombres de la fotografía del siglo XX, su obra constituye un documento único de una época y una forma de vivir. Un mundo flotante. Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894-1986) es la primera gran exposición antológica del fotógrafo que se realiza en España. Reúne más de doscientas piezas procedentes de la Donation Jacques Henri Lartigue de París, entre copias modernas e instantáneas originales tomadas y reveladas por él mismo —algunas de ellas con la técnica estereoscópica—, así como cámaras, cuadernos, agendas y algunos tomos del diario que realizó durante toda su vida. La muestra hace especial hincapié en los temas que resultaron una constante durante toda su carrera: la fotografía como instrumento de la memoria, una herramienta para capturar la fragilidad de la existencia y la brevedad de la felicidad. También refleja su particular visión de las mujeres y de un mundo que cambiaba velozmente. Todo ello permitirá descubrir al visitante el retrato de una época ya desaparecida a partir de las imágenes inconfundibles de Lartigue, un maestro que durante sus casi 90 años de trayectoria nunca dejó de considerarse un aficionado. La exposición Un mundo flotante. Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894-1986) ha sido comisariada por Florian Rodari y Martine d'Astier de la Vigerie, directora de la Donation Jacques Henri Lartigue, con la asistencia de Maryam Ansari.


Jacques Henri Lartigue. Bibi, Arlette e Irène. Tormenta en Cannes. Cannes, mayo de 1929. Fotografía de J H Lartigue © Ministère de la Culture – France / AAJHL.

Jacques Henri Lartigue (Courbevoie, 1894 - Niza, 1986), es sin duda uno de los grandes fotógrafos del siglo pasado. La exposición Un mundo flotante. Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894-1986) muestra la inquietud de un hombre que supo reflejar, con extrema sensibilidad y bajo la apariencia de la felicidad y la ligereza, las nuevas preocupaciones de un tiempo que se transformaba de un modo radical.

Sus imágenes son contemporáneas a un periodo caracterizado por las convulsiones y los cambios sociales —la Primera Guerra Mundial, la Revolución Rusa, la ocupación nazi de Francia, etc.—, pero Lartigue no se fija en esos conflictos. Más bien al contrario: remite a la inocencia, a la espontaneidad y a la alegría de vivir.

La exposición Un mundo flotante. Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894- 1986) testimonia, bajo la mirada frágil y conmovedora del artista, las nuevas formas de vida que surgieron en las primeras décadas del siglo XX, en las que las mujeres asumieron un papel activo en la sociedad y el progreso tecnológico dio lugar a nuevas formas de ocio.


Jacques Henri Lartigue. Mi prima Bichonnade. 40, Rue Cortambert, París, 1905. Fotografía de J H Lartigue © Ministère de la Culture – France / AAJHL.

Lartigue hacía fotografías para sí mismo, por lo que siempre ha sido inclasificable tanto para conservadores como para críticos. Sus fotografías suelen presentarse cronológicamente o agrupadas por temas. En esta ocasión se ha querido ir más allá y mostrar desde un punto de vista inédito hasta qué punto sus imágenes, admiradas por su gracia y belleza, son un documento único de una época y una forma de vivir ya desaparecidas, la de la burguesía francesa del siglo pasado.

Un mundo flotante. Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894-1986) cuenta con más de 200 piezas. De éstas, 160 se corresponden con copias modernas de sus fotografías. Durante el recorrido, el visitante descubrirá también copias estereoscópicas modernas recreadas con el efecto tridimensional con las que fueron creadas. Estas imágenes fueron disparadas con cámaras estereoscópicas, muy de moda en la época para captar la sensación tridimensional de la realidad.


La muestra se completa con un espacio titulado Los soportes de la memoria, una sala que permite tener una idea clara de las diversas técnicas que Lartigue utilizó para fijar y organizar sus instantáneas. Incluye 23 copias de la época datadas entre 1905 y 1926; además, tres cámaras que pertenecieron a Lartigue, un visor estereoscópico, ocho copias autocromas —fotografías coloreadas—, cuatro álbumes de fotografías originales de Lartigue y seis ejemplares de los diarios y agendas que escribió durante toda su vida.


1894-1986: toda una vida fotografiando

Jacques Henri Lartigue ocupa un lugar muy especial en la historia de la fotografía: el de un aficionado con talento que siempre habló de la pintura como su principal pasión y de la fotografía como una dedicación secundaria. Desde 1902, con ocho años, hasta su fallecimiento en 1986, Lartigue vivió fotografiando.

Nació en 1894 en Courbevoie, cerca de París, en el seno de una familia de industriales. Su padre le compró la primera cámara fotográfica cuando tenía ocho años y, desde pequeño, inició un diario con fotografías y breves textos que lo acompañó toda la vida y que es un documento extraordinario para conocer el modo de vivir de una generación que descubrió la moda, el deporte o las competiciones de motor.



Jacques Henri Lartigue. Automóvil Delage. Gran Premio del ACF, 26 de junio de 1912. Fotografía de J H Lartigue © Ministère de la Culture – France / AAJHL.

Lartigue fue un niño enfermizo que pronto comprendió que su felicidad podía desaparecer. Por eso decidió narrar su vida y, mediante ese relato, construir su propio personaje, del mismo modo que construyó su propia felicidad representándola constantemente. Para Lartigue, la felicidad es indisociable de su conservación, de modo que hay que retenerla mediante la escritura, la fotografía y los álbumes, la última etapa en la elaboración de sus recuerdos. Lartigue conservó durante toda su vida la frescura de la infancia y la insaciable curiosidad de la juventud. En sus imágenes celebra el instante presente y oculta la angustia que le produce el paso del tiempo.


Descubierto de forma tardía y fortuita en 1963, cuando contaba casi 70 años, por John Szarkowski, entonces conservador de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York, Lartigue fue conocido y reconocido en su propio país y en todo el mundo gracias a la gloria alcanzada en Estados Unidos. En 1974, el presidente de la República Francesa, Valéry Giscard d’Estaing, le invitó a realizar su retrato oficial; entre ambos se estableció una sólida amistad que condujo a Lartigue, en 1979, a donar en vida la integridad de su obra al Estado.

Ámbitos de la Exposición

El paso del tiempo

Desde su infancia, Jacques Henri Lartigue se obsesionó con recordar todo lo que experimentaba e hizo de la fotografía el instrumento de su memoria. Esa voluntad de recordar, muy arraigada en el pequeño Lartigue, estaba estrechamente relacionada con su deseo de fijar la felicidad. Así, memoria y felicidad son dos realidades que sufren la misma amenaza de desvanecerse y la genialidad de Lartigue estriba en el hecho de que no fotografiaba ni la memoria ni la felicidad, sino lo que constituye su esencia: la fragilidad. En las fotografías de Lartigue, la felicidad está siempre relacionada con el cuerpo humano y su interacción con el espacio que lo rodea. La gente feliz recibe los embates del oleaje, los golpes de viento de las borrascas o los rayos del sol. Los cuerpos pierden constantemente la verticalidad y se levantan del suelo. Y es que conseguir fotografiar la felicidad depende de la gracia con la que se captan los movimientos casi imperceptibles: una mirada repentina, que dura tan sólo un instante o un gesto en equilibrio inestable.

Una mirada moderna
La mirada de fotógrafo de Lartigue tiene presente la ambigüedad que existe en la realidad: lo infinitamente pequeño puede tener un tamaño mayor que lo grande o lo lento puede ir a tanta velocidad como lo rápido. Su fotografía capta esa esencia y ahí reside la verdad de las imágenes de Lartigue, auténtico mago del instante. Pese a parecer estáticas, sus fotografías hablan siempre de la posible continuación del tiempo, de una forma de huir de los límites y de las perspectivas ordinarias.

Para acentuar la impresión de ambigüedad, Lartigue utiliza con maestría el encuadre en distintos momentos del acto fotográfico. Primero, en el instante de apretar el disparador. Su cámara se convierte en una prolongación de su cuerpo: a veces está situada a ras de suelo, como la mirada de un niño boquiabierto ante el mundo de los adultos; en otras ocasiones se adapta a los andares de una transeúnte o a la velocidad del ciclista en pleno descenso. En otras ocasiones, el encuadre es el resultado de una reflexión, sobre todo cuando Lartigue trabaja en la cámara oscura: manipula sus imágenes, amplía un detalle o corta una parte para intensificar un efecto.

Progresivamente, Lartigue tuvo más en cuenta el encuadre en el momento de fotografiar. En sus imágenes encontramos abundantes elementos arquitectónicos —puertas, ventanas, juegos de sombras, rendijas reveladas, espejos— y los protagonistas parecen atrapados en esos elementos. Los individuos, en lugar de encontrar a qué aferrarse en medio de todas las líneas que los rodean, parecen flotar sin sujeción.

La velocidad

A principios del siglo XX, una gran transformación redefine completamente la percepción de la realidad: la idea de velocidad. Se reducen las distancias gracias a las revoluciones técnicas en los transportes y el tiempo se relativiza gracias a Einstein.

Durante su juventud, Lartigue intenta captar la realidad física de la velocidad, traducir mediante la imagen la emoción que se siente ante la máquina. Lo llevó a cabo sobre todo en los circuitos de carreras de automóviles, a los que solía llevarlo su padre, que era un gran aficionado. Lartigue consiguió que el espectador viera en sus fotografías lo mismo que él percibía cuando experimentaba la velocidad: un espacio comprimido, acortado, a menudo deformado; la transformación violenta del campo de visión. Lartigue, nacido con los primeros Juegos Olímpicos y criado en una familia en la que el deporte ocupaba un lugar muy destacado en la educación, fue de adolescente un tenista consumado y uno de los primeros franceses en practicar asiduamente deportes de invierno. Le fascinaba sentir la velocidad y durante toda su vida se esforzó en desafiar la rigidez del cuerpo. De la misma manera, en sus imágenes deportivas busca la eficacia, y para ello, las líneas se mueven a su alrededor, los espacios se amplían y surgen perspectivas inéditas a cada instante.

La ligereza
Cuando era niño, el sueño más repetido de Lartigue era poder volar. No es de extrañar, pues, que se apasionara ya desde la niñez por la aviación. En 1904 fue testigo con su cámara de los intentos de despegue de Gabriel Voisin en Normandía y captó los primeros metros del aviador por encima del suelo. Con su hermano frecuentó desde 1907 los campos de aviación y finalmente, el sueño de su infancia se hizo realidad en 1916 con su bautismo aéreo. Es difícil calcular cuántos saltos y despegues hay en la obra de Lartigue. Para él, todas esas cabriolas son la imagen de la vida misma, símbolo de su vitalidad.

Pero todos los saltos y despegues llevan asociados los descensos y las caídas. Los lanzamientos, las volteretas y las escaladas acaban casi siempre en salpicaduras y caídas, y con ellas, las carcajadas. Sus fotografías adquieren un tono ligero sobre la ausencia de gravedad.

La belleza femenina

En el universo de Lartigue sólo hay mujeres jóvenes y hermosas. La búsqueda de la felicidad y de la belleza que lleva a cabo desde su infancia excluye por completo cualquier deformidad o signo de envejecimiento y mantiene a distancia todo lo que pueda enturbiar un día resplandeciente o recordar la fealdad y la muerte.

En la primavera de 1910, cuando aún no tenía 16 años, Lartigue descubrió la moda y, sobre todo, a las modelos. Durante meses, cámara al hombro, se lanzó a la avenida del Bois de Boulogne, cerca de su casa, donde las mujeres distinguidas paseaban a horas concretas para enseñar sus vestidos nuevos. Lo que esperaba retener el joven fotógrafo no era el detalle de los tejidos, sino más bien la aparición de mujeres elegantes.


Jacques Henri Lartigue. Bibi, sombra y reflejo. Hendaya, agosto de 1927. Fotografía de J H Lartigue © Ministère de la Culture – France / AAJHL

Sus primeras representaciones de las paseantes ponen de manifiesto una distancia y un temor nuevos ante el universo femenino, provocados en primer lugar por la diferencia de edad y, después, por el deseo sexual. Lartigue, que siente una emoción de tipo erótico, se esconde. De ahí el encuadre oblicuo con el que las captura, esa toma de vista tan baja. Con la experiencia, la mirada de Lartigue cambia y mira directamente a los ojos de sus amantes. En contraste con el resto de su obra, Lartigue pide explícitamente a esas mujeres indolentes que no hagan nada, que no se muevan.

En busca de lo desconocido

A principios del siglo XX, todo el mundo sueña con disfrutar de los nuevos placeres de la velocidad y el deporte, y con recorrer sin obstáculos los territorios que día tras día descubre la modernidad. También el joven fotógrafo y su hermano Zissou sueñan desde pequeños con disfraces que les permitan asemejarse a los héroes de sus aventuras preferidas: aviadores, pilotos de carreras o exploradores de mundos lejanos. Gorros, gafas y abrigos de piel hacen que quienes los lleven parezcan extraterrestres. En este grupo de imágenes encontramos exploradores de un nuevo tipo, figuras enmascaradas, pesadas y paralizadas en su singular atuendo.

Finalmente, el último ámbito de la exposición muestra la fascinación de Lartigue por el infinito y la naturaleza, donde el hombre se enfrenta a su soledad. En esta parte de la obra de Lartigue, el individuo aparece con apenas más consistencia que una brizna de paja, como un fantasma agitado por los vientos o movido a merced del oleaje. Nuestro paso terrenal es efímero: eso es lo que nos repiten constantemente estas imágenes que traicionan una felicidad imposible de retener y que indican que sólo estamos en la Tierra como habitantes transitorios.

Técnicas y Procedimientos

Los soportes de la memoria
Las cámaras: En 1902, Jacques Lartigue recibe su primera cámara, de madera encerada y con placas de vidrio de 13 × 18 cm. La siguen muchas otras, cada vez más perfeccionadas y rápidas, como la Kodak Brownie 2, recargable al aire libre, o la Klapp Nettel de 6 × 13 cm, que le permiten «conservar» todo aquello que le hace feliz, le apasiona o le sorprende.

Los tirajes de época: Se han conservado algunos tirajes realizados al mismo tiempo que las tomas fotográficas correspondientes. Se denominan copias de época o vintage. Reveladas por el propio Lartigue o confiadas a un laboratorio, suelen ser contactos en formato de negativo y, a veces, ampliaciones.

Los álbumes: A partir de 1902, Lartigue se dedica a organizar y clasificar sus imágenes en grandes álbumes. Los llena de fotografías hechas por él o que adquiere como coleccionista. Lo hará hasta el final de su vida en 1986. Son, en total, 130 volúmenes y 14.423 páginas con un formato de 52 × 36 cm que dan testimonio de su vida o, por lo menos, de la huella que quiere dejar. Recortes, encuadres, compaginaciones, fechas y anotaciones evidencian una voluntad de componer los instantes de su vida para adecuarlos a su sensibilidad. Los álbumes constituyen la última etapa en la elaboración de sus recuerdos. El diario: Lartigue sintió muy pronto la necesidad de dar cuenta de su vida mediante la escritura. Eligió distintos soportes a lo largo de los años: pequeños pedazos de papel garabateados y escondidos, cuadernos varios como Cuaderno de mis sueños o Razones por las que soy tan feliz. A partir de 1911, decide llevar una agenda en la que anota y dibuja el tiempo que hace para, según afirma, paliar los fallos de memoria de los adultos. Empieza a añadir las actividades que ocupan su tiempo y, poco a poco, algunas impresiones. También dibuja de memoria, antes de revelarlas, las fotografías tomadas durante el día. Al final de la página valora la calidad de la jornada.

Los procedimientos

La estereoscopia: El hombre percibe la profundidad del espacio que lo rodea porque dispone de dos ojos: la visión binocular permite la sensación de relieve. El estereoscopio del inventor Sir David Brewster fue presentado a la reina Victoria y al público en general en 1851 en Londres, con motivo de la Exposición Universal. Tuvo un gran éxito. Hasta principios del siglo XX se vendieron en todo el mundo centenares de miles de cámaras fotográficas y visionadoras.

En 1902, el padre de Lartigue, gran aficionado a la fotografía, presta a su hijo de ocho años una cámara estereoscópica Spido Gaumont de placas de vidrio de formato 6 × 13. Con ella, el joven Lartigue descubre un nuevo juego: no sólo puede restituir la realidad, sino también captar el movimiento. Invierte sus negativos en placas de vidrio positivas del mismo formato y disfruta montándolas en secuencias y escribiendo cuidadosamente sus leyendas en un cuaderno escolar. Entre 1902 y 1928 realiza cerca de 5.000 negativos estereoscópicos. A partir de 1912, su Klapp Nettel estereoscópica de 6 × 13 cm le permite también realizar vistas panorámicas replegando uno de los objetivos. Tras descubrir este nuevo formato irá abandonando poco a poco la estereoscopia.

Los autocromos: Con 17 años, Lartigue descubre con gran emoción los procedimientos de la fotografía en color; primero, el inventado por Lippmann y luego, el que comercializan los hermanos Lumière. Se maravilla ante esas invenciones que le abren nuevas perspectivas. En 1912 utiliza una Klapp Nettel estereoscópica de 6 × 13 cm para realizar sus primeras placas autocromas.

No obstante, Lartigue comprueba que el procedimiento del autocromo es incompatible con el regocijo que experimenta él al captar el movimiento. En 1927, a pesar de su fascinación por el color, la imposibilidad de tomar instantáneas le desanima y lo deja de lado. En la actualidad, la Donation Lartigue conserva unos 80 autocromos estereoscópicos del artista.

Cronología
1894 Jacques Lartigue nace el 13 de junio en Courbevoie, al noroeste de París.
1900 Hace sus primeras fotografías con ayuda de su padre. Escribe sus reflexiones en pedazos de papel que poco a poco conforman su diario.
1902-1903 Henri Lartigue regala a Jacques su primera máquina de retratar: una cámara de estudio de madera de 13 x 18. Revela sus primeras fotografías y empieza a pegarlas y ordenarlas en grandes álbumes.
1906-1909 Jacques toma sus primeras fotografías de bólidos en las carreras y de aviación.
1910 Empieza a retratar a las mujeres elegantes que desfilan por las avenidas del Bois de Boulogne parisino para presumir de sus nuevos vestidos.
1911 Vende por primera vez un cliché de una acrobacia aérea a la revista La vie au grand air. Rueda una primera película con una cámara que le regala su padre.
1913 Primeras fotografías de deportes de invierno en Saint-Moritz (Suiza).
1914-1918 El 3 de agosto de 1914, Alemania declara la guerra a Francia. Jacques Lartigue queda excluido del ejército por motivos de salud. Se inscribe en la academia Jullian para estudiar pintura, que se convierte en su actividad principal durante mucho tiempo.
1919 Se casa con la hija del compositor André Messager, Madeleine (Bibi), a la que había conocido en 1917.
1921 El 23 de agosto de 1921 nace su hijo Dani.
1930 Jacques Lartigue conoce a la modelo Renée Perle, que será su compañera y modelo durante dos años.
1931 Se hace público el divorcio de Jacques Lartigue y Madeleine Messager.
1934 Se casa con Marcelle Paolucci, Coco.
1939-1945 El 3 de septiembre de 1939, Francia entra en guerra con Alemania. Separado de Coco, conoce a Florette Orméa, quien en 1945 se convierte en su tercera y última esposa.
1955 Sus retratos fotográficos de Pablo Picasso y Jean Cocteau dan la vuelta al mundo. Participa en una exposición de Gens d’Images en la galería de Orsay, en París, con Brassaï, Willy Ronis y Man Ray.
1962 Conoce en Nueva York al director del Departamento de Fotografía del Museo de Arte Moderno de la ciudad, John Sarkowski, que se entusiasma con su obra y programa una muestra.
1963 Exposición en el MoMA: «The Photographs of Jacques Henri Lartigue». Añade el nombre de su padre al suyo propio y se hace llamar Jacques Henri Lartigue.
1966 Conoce al fotógrafo Richard Avedon. La publicación de Album de famille («Álbum de familia») da a conocer la obra de Lartigue en todo el mundo.
1975 Primera retrospectiva francesa de su obra en el Museo de Artes Decorativas de París. Se publica el primer volumen de sus memorias.
1979 Lartigue firma el acta de donación al Estado francés del conjunto de su obra fotográfica (negativos y álbumes originales).
1986 Muere el 12 de septiembre en Niza, a los 92 años