lunes, 28 de febrero de 2011

Tierra de castillos, de Luis Zueco.

Sala de Exposiciones Tierra de Fuego
Travesía de Conde-Duque 3
Del 2 al 31 de marzo de 2011.

Las fotografías de Luis Zueco nos muestran una tierra de castillos, mediante equilibradas composiciones, envueltas en un aire romántico, con una continua búsqueda de las características fisonómicas y topográficas de cada castillo para conseguir captar la personalidad propia de cada fortaleza. Siempre en el contexto de extensos paisajes e infinitos cielos que, a veces, llegan a robar el protagonismo a la superficie terrestre invitándonos a volar sobre las fortalezas. Mientras que, en otras ocasiones, es el propio paisaje quien se encastra y se funde con el castillo en una misma expresión.


Montealegre, Fotografía ©® Luis Zueco.

Pilar Pequeño y Baylón. Libros

Escuela de Fotografía EFTI
Calle Fuenterrabía 4-6
Miércoles 2 de marzo a las 19:30 horas.


Presentación de dos nuevos libros de la Colección Lunwerg Photo.

Presentación y mesa redonda sobre la Fotografía Contemporánea con los fotógrafos Pilar Pequeño y Luis Baylón, Mª Ángeles Sánchez y Jerónimo Álvarez, el Director del Master EFTI, Eduardo Momeñe y el Director Editorial de Lunwerg, Javier Ortega.

La ciudad es una selva. Recuerdo de Iquitos.

Casa de América
Sala de exposiciones Diego Rivera y Frida Kahlo.
Plaza de Cibeles 2
Horario: de lunes a sábado de 11.00 a 20.00. Domingos y festivos de 11.00 a 15.00.
Del 9 de marzo al 11 de mayo de 2011.
Toda la información en la web de Casa de América.


Esta exposición es un registro fotográfico del universo estético y social de la ciudad de Iquitos. Ha sido curada por Cristian Bendayán, e incluye el trabajo de fotógrafos de la talla de Yayo López, Sergio Urday, Billy Hare y otros. “La ciudad es una selva. Recuerdo de Iquitos” es el retrato intenso y cautivante de una urbe única y definida por su cultura popular, la cual ha llegado a ocupar un lugar protagónico en el imaginario peruano e iberoaméricano.





domingo, 27 de febrero de 2011

Unos años apasionados, de Paco Junquera.

Escuela de Fotografía EFTI
Calle Fuenterrabía 4-6
Del 4 de marzo al 10 de abril de 2011.


Adolfo Suárez en el Congreso de los Diputados. Fotografía ©® Paco Junquera

Las fotografías de Paco Junquera son una muestra del mejor fotoperiodismo hecho en nuestro país. Es la calidad de un fotógrafo que ha tenido el privilegio de ser testigo de uno de los periodos trascendentales de nuestra historia.

Esta exposición está compuesta por fotos que reflejan la convulsiva década de los 80. Por ella pasean rostros tan relevantes en la escena política y cultural de los años 80 como Enrique Tierno Galván, Adolfo Suárez, Felipe González, Jordi Pujol, Francisco Fernández Ordóñez, Juan Carlos I…Santiago Auserón, Elías Querejeta, Plácido Domingo, Víctor Ullate, Chillida, Alberti, Verónica Forqué, Aute, Miguel Ríos… Así como hechos tan relevantes como el accidente de Avianca de 1983, las inundaciones de la presa de Tous, la 1º promoción de mujeres de la Guardia Civil…



Inundaciones en Alzira (Valencia). Octubre de 1982. Fotografía ©® Paco Junquera

En esta exposición que EFTI presenta, podemos ver algunas de las fotografías que Paco obtuvo en aquellos días, fotografías que siguen ahí, y que seguirán por muchos años, unas imágenes que, entre otras cosas, nos permiten acceder al mundo político, cultural, y social de una época muy importante, y ello con la mirada, comprometida y humana, en la distancia justa, nítida, de un fotógrafo apasionado por la realidad de su país, y por supuesto por su cámara y por todo aquello que se parezca a una buena fotografía, incluido el mejor blues de Nueva Orleans.

Nos encontramos en la transición española, cuando hay mucho por hacer, mucho por descubrir, y finalmente mucho por innovar. El fotoperiodismo no es ajeno a ello, y es consciente de que se impone una nueva mirada sobre los hechos, una nueva mirada fotográfica y lo que ello implica, una nueva libertad, nuevos hechos en cuanto a que la realidad es mirada desde nuevos ángulos, nuevas actitudes, y quizás sobre todo, una ilusión recuperada frente al ostracismo -aburrimiento- que en muchos casos se había instalado en nuestro fotoperiodismo. Paco Junquera fue parte de este renacer, la pasión por sentir de que se estaba participando en algo nuevo, en que se estaba creando una nueva manera de hacer periodismo, en su caso con la cámara. Se introdujo pasión donde no la había, era un vacío a llenar.

Fotos que marcaron una época, Más de una de las instantáneas de esta exposición están grabadas en nuestra retina como recuerdo vivo de estos años.

Artículo: IberArte

viernes, 25 de febrero de 2011

"Explorations", de Jesús Coll Gallardo.

La Cajita del Arte
Calle Valverde 41
Hasta el 18 de marzo de 2011.


El artista plástico Jesús Coll Gallardo expone su trabajo “Explorations”.

El proyecto está dividido en tres distintas series:

Foto-esculturas, Poética del espacio y su último trabajo Inconsciente Óptico, donde gracias a las nuevas tecnologías, conecta varios dispositivos –cámara de fotografía y vídeo-, a los latidos del corazón.

A través del proyecto Inconsciente Óptico traspasa la frontera entre usuario y dispositivo. Ambos se unen como un mismo soporte, que además permite experimentar el resultado en primera persona y en tiempo real.

Esperamos que la disfrutéis!

Grandes Fotógrafos de Magnum Photo

Por si alguno no lo habéis visto anunciado, creo que puede ser interesante. Aunque, como suele suceder con estos coleccionables, habrá que ver el primero (calidad y tamaño del libro) y como siempre, esperar que se pueda terminar y que no desaparezca de los kioskos a las tres semanas; porque son 40 entregas (no está Cristina García Rodero). Las siguientes entregas son a 9,95€

Aquí tenéis toda la información y el listado de fotógrafos y fecha de la entrega.

Ciudadanos, de Pierre Gonnord.

Bulevar Salvador Allende
Alcobendas - Madrid
Del 2 de marzo hasta septiembre de 2011.
Toda la información www.alcobendas.org


Fotografía ©® Pierre Gonnord. Yukio II, 2004

Elijo a mis contemporáneos en el anonimato de las grandes urbes porque su rostro narra, bajo la piel, historias singulares e insólitas sobre nuestra época. Historias de coraje e indudable dignidad. los acontecimientos de las últimas décadas en Occidente: las migraciones, el éxodo rural, las sucesivas crisis económicas, los desajustes sociales en plena era de globalización... Todo ello ha contribuido a modificar profundamente el tejido humano de nuestras ciudades.

Quisiera, y más especialmente en este contexto de exposición en la calle, invitar a cruzar la frontera, facilitar el "face à face". Es una oportunidad para tomar conciencia de que esta personas son nuestros co-ciudadanos de hoy y mañana.

My proyecto es, día tras día, una oportunidad de encuentro y aventura humana. Camino por senderos más olvidados de la escena urbana y rural, desde el mismo corazón de las ciudades hacia las barriadas periféricas y últimamente en áreas geográficas de difícil acceso.

Me sigue sorprendiendo la confianza y generosidad de todas las personas que me abren sus puertas. La sensibilidad e integridad de los hombres y mujeres que viven en albergues sociales. La hospitalidad de ciertas minorías y comunidades desplazadas por razones étnicas, económicas o políticas, sean el pueblo Gitano o la gente de los Balcanes, del Magreb, emigrados recientemente a España. También quiero rendir homenaje a las poblaciones rurales más aisladas de la Península Ibérica, que viven del suelo, del subsuelo y del mar a lo largo de la histórica " Ruta de la Plata" sean granjeros, mineros del carbón o gente del mar.

Cada día, en el ritual fotográfico, voy sustituyendo un diario, en la intimidad del estudio. Dejando huella sobre lo efímero. Es a la vez un acto de rebeldía contra el olvido.

jueves, 24 de febrero de 2011

Sombras - Visita.

Sombras. Revista fotográfica española, 1944-1954.

Museo de la Ciudad
Calle Príncipe de Vergara 140
Horario: De martes a viernes: de 9,30 a 20 horas.
Sábados y domingos: de 10 a 14 horas.
Hasta el 22 de mayo de 2011.


Cuando publiqué el post anunciando la exposición, por la poca información que encontré, pensé que se trataría de un recopilatorio de portadas de revista, y no de una muestra tan amplia como me he encontrado al ir a verla.


Las fotografías expuestas se han obtenido escaneando la revista. Comento esto en primer lugar porque, lo primero que te llama la atención es precisamente eso, de dónde las habrán sacado para que tengan ese aspecto. Cuando ves la revista, que es de tamaño más bien pequeño (DIN A5) comprendes que demasiado bien han quedado al ampliarlas tanto. Al comienzo de la exposición hay un retrato de José Ortiz Echagüe, que, entre otras cosas, su fotografía se caracteriza por tener una nitidez y calidad (con horas y horas de retoque) casi extrema, así que choca bastante ver ésta si conoces el original. Tan sólo quería dejar claro esto, no son fotos de época. Eso si, si no te acercas, ni te enteras, porque el trabajo es bastante bueno.


La exposición ser divide en tres partes:
- El principio de todo: construyendo sobre arena.
- Sombras, la mejor enciclopedia.
- La vuelta al "orden": Sombras, publicación de todos y para todos.

En total son más de cien fotografías, y aunque hay un poco de todo, lo que predomina es el retrato que, en muchos casos, te hace dudar de si son fotografías o cuadros. El separar definitivamente la Fotografía de la Pintura fue uno de los motivos por el que se creó esta revista. Viendo estas fotografías comprendes mucho mejor lo que vendría después (neorrealismo años 50/60), y por qué entonces fue algo tan novedoso.


Veréis como os resultan muy familiares algunas de las fotografías expuestas, y cuando miréis el pie de foto y veáis que se tomaron diez años antes que las más conocidas, seguro que os da que pensar. Claro que si váis antes a la de André Kertész que os comenté la semana pasada, seguro que también veis montones de fotos que ya había hecho él por aquel entonces.


Y como sucede siempre que vemos como éramos hace 50-60 años, tomas consciencia de que el siglo XX es ya "el siglo pasado", y lo ves como podíamos ver en los 80-90 el siglo XIX.


Una de las pocas fotografías de prensa que hay en la exposición es la imagen de debajo, en la que aparece Rita Wayworth y el Conde de Villapadierna, 1952.


Aunque las fotografías pasarán con el tiempo a la web Memoria de Madrid, os recomiendo el catálogo. Además de traer una foto en cada página y sin cortes, viene con un montón de documentación de la época.

Antinatura: Paisajes de personas.

Galería Arana Poveda
Calle Lope de Vega 22
Del 2 de abril al 31 de mayo de 2011.
Toda la información en la web de la galería.

Comisariado por Tevi de la Torre
Fotografía ,Video e instalación

Javier Arcenillas (Madrid, España_1973), Susana Anagúa (Lisboa, Portugal_1976),Thibault Brunet (Lille, Francia_1982), Ani Kington
(Ohio, USA_1986), Irina Popova (Tver, Rusia_ 1986) y Will Steacy (Haven,USA_ 1980).


©® Will Steacy “The Human stain”. Diapositiva medidas variables.

El término fotografía de naturaleza se refiere a un amplio espectro de imágenes tomadas en exteriores y dedicadas a mostrar elementos naturales como paisajes, fauna, plantas y detalles de escenas y texturas naturales. La fotografía de naturaleza tiende a enfatizar los valores estéticos de la foto más que otros géneros como la fotografía artística o documental. Pero el paisaje, como máxima expresión de la naturaleza, ha sido uno de los motores de la evolución de la Historia de la fotografía. Para empezar, la fotografía aparece en una época en la que se mantiene el concepto romántico de la naturaleza, como manifestación de lo divino, repleta de significados espirituales. No podemos olvidar que la mirada fotográfica más antigua de la que tenemos conocimiento resulta ser un paisaje rural que Nicéphore Niepce nos legó en su Punto de vista desde la ventana de Gras, 1826.

A estas propuestas fotográficas siguieron otras donde los polos del realismo y del idealismo, una y otra vez alternaron su influencia. Ello nos llevó hasta un paisaje tamizado a través de las experiencias formales de las vanguardias o de las demostraciones de dominio del medio de Ansel Adams, también teñidas de nacionalismo y vocación religiosa. La visión moderna del espacio encuentra sus precedentes en la Historia de la fotografía, pero sobre todo en el cambio a la postmodernidad ofrecido por las aportaciones de William Eggleston, especialmente con su uso del color y su preocupación por trasladar la atención fotográfica a ese ningún-lugar-en-particular del que tanto han bebido las diversas hornadas de los artistas europeos de la Nueva Topografía, durante los años 1980 y 1990. Los planteamientos del new topographics permiten un resurgimiento de la naturaleza en la fotografía en base a la llamada filosofía del paisaje que implica el estudio de las relaciones entre hombre y naturaleza, y la reflexión sobre los resultados de esa relación.

Desde entonces, somos más conscientes que nunca de que el paisaje es una imagen cultural, una forma visual de representar, estructurar o simbolizar lugares. El paisaje en la fotografía (y en todos los aspectos) es antes un lugar que una imagen, un lugar construido socialmente, siempre artificial, en el que se encuentra así mismo la naturaleza, pero siempre modificada o transformada por la intervención humana.
La naturaleza no es exterior, ni distante; al contrario, forma parte por igual de los entornos urbanos y de los no urbanos. En las ciudades se manifiesta igual que fuera de ellas en el clima, la vegetación, la topografía, la atmósfera, la luz, etc. En lugar de ser espectadores de la naturaleza, participamos de ella.

Pensar en el paisaje, interpretarlo y, también, representarlo es un reto para los artistas contemporáneos, un tema abierto y problemático. Las correspondencias entre paisaje y naturaleza y sus correspondencias con la historia y la política se remontan al mismo inicio del paisajismo.

Por ello, “Antinatura: Paisaje de personas” recoge el trabajo, inédito en España, de seis jóvenes artistas que retratan la influencia del entorno natural en la vida cotidiana del individuo. Interpretando el concepto tradicional de la fotografía de naturaleza estos autores redefinen la noción de paisaje fotográfico, desde el ficticio hasta el interior, partiendo de perspectivas estéticas y conceptuales muy diversas.

Javier Arcenillas (Madrid, España_1973), Susana Anagúa (Lisboa, Portugal_1976),Thibault Brunet (Lille, Francia_1982), Ani Kington (Ohio, Usa_1986), Irina Popova (Tver, Rusia_ 1986) y Will Steacy (Haven,USA_ 1980).

El ensayo “Ovnipresencias” de Javier Arcenillas pretende singularizar los lugares y pedanías donde en algún momento la presencia de fenómenos extraños ha cambiado en forma y modo los paisajes proveyéndolos de una energía singular, diferenciándolos de sus alrededores. Los avistamientos de OVNI siembran la geografía de cualquier país y construyen con su punteo un mapa de aquellos lugares elegidos por una “inteligencia superior” para acercarse a la cultura terráquea. Son lugares aleatorios, que aparentemente no responden a ningún interés lógico por tratar de comprender el planeta azul. Son solares abandonados, pueblos aislados, acequias y ríos, montes perdidos, lugares con una manifiesta carencia de interés como muestra de una cultura desconocida. Y sin embargo, en ese preciso lugar objetos voladores venidos de otra galaxia descendieron a la vista de todos para asombrar con luces fulgurantes a algún testigo elegido.

Con esta serie titulada “Ovnipresencias” su intención es devolverle, mediante el valor testimonial que otorga, por su propia naturaleza, la fotografía, el estatus de santuario a estos lugares marcados por las visitas del más allá. Esta serie tiene como vocación establecer nuevas imágenes que adorar dentro de esta religión de segunda división que son contactos intergalácticos. Postales desde el más acá que podrían constituir un compendio de “paisajes elegidos”, pero que atestigüan de una certeza que nos acompañará mientras brillen las estrellas: que el hombre mira al cielo.

En líneas semejantes, “Whatever will be” de Ani Kington, nos habla de la interacción entre la naturaleza y las emociones humanas, de como el entorno sobrecoge al individuo y acaba por dominar su forma de vida a través de las intuitivas instantáneas que retratan un pueblo de Ecuador.

Por contra, el vídeo “Natureza Mecânica” de Susana Anágua contempla los rastros que la civilización deja en el paisaje, integrándose hasta mimetizarse en el entorno, como molinos que se convierten en flores al viento.

La naturaleza transforma también los recuerdos, como podemos ver en “The human stain” de Will Steacy. Sus imágenes encontradas entre los escombros que el huracán Katrina dejó en Nueva Orleans son la prueba palpable de la influencia del medio sobre la sociedad. Son una especie de álbum familiar humano destrozado por el agua.

El paisaje humano también se retrata en “LTP” de Irina Popova y nos demuestra como el aislamiento de la sociedad genera una naturaleza propia. Un documento crudo y realista que plantea profundas cuestiones sobre la relación entre el hombre y su entorno.

Para terminar, la naturaleza ficticia, producto de la imaginación humana, se conceptualiza en “Vice City” de Thibault Brunet. Trascendiendo su papel secundario habitual los paisajes en estas fotos despiertan nuestra confusión y desdibujan las líneas entre lo real y lo artificial, obligándonos a replantearnos las formas de representación del entorno y el valor de estas representaciones.

http://www.a3bandas.org/

miércoles, 23 de febrero de 2011

Cafés Literarios - Kirmen Uribe.

Centro Cultural Tomás y Valiente
Espacio de Usos Múltiples
Av. de Leganés 51
Fuenlabrada - Madrid
Jueves 3 de marzo de 2011 a las 20:30 horas.

Kirmen Uribe. Sobre su obra Bilbao-Nueva York-Bilbao
Editorial Seix Barral


Esta novela transcurre durante el vuelo entre el aeropuerto de Bilbao y el JFK de Nueva York. En este trayecto se va desgranando la historia de tres generaciones de una misma familia. A través de cartas, diarios o poemas se crea un mosaico de recuerdos que será un homenaje al mundo prácticamente extinguido, y también un canto a la intensidad de la vida. Una novela rica, sugerente y realmente conmovedora.

Juventud: una generación. Fotografías de Carlos de Andrés.

Photo Espacio Galería
Escuela de Fotografía Man Ray
Calle Virgen de Belén 16
Inauguración 11 de marzo de 2011 a las 20:00 horas.


Fotografía ©® Carlos de Andrés

lunes, 21 de febrero de 2011

Espíritu y Espacio. Colección Sandretto Re Rebaudengo.

Fundación Banco de Santander
Horario:De lunes a viernes: De 10 a 17 horas.
Sábados y domingos: De 10.30 a 14 horas.
Cómo llegar
Boadilla del Monte - Madrid
Hasta el 29 de abril de 2011
Toda la información en la web de la fundación.


Fundación Banco Santander presentará durantes los meses de febrero a abril de 2011, en la Sala de Arte Santander de la Ciudad Grupo Santander en Boadilla del Monte la exposición titulada Espíritu y Espacio que expondrá la Colección Sandretto Re Rebaudengo.

La Colección fue creada por Patrizia Sandretto Re Rebaudengo a principios de los años 90 y se ha formado reuniendo obras de artistas antes de que éstos alcanzaran notoriedad en el panorama internacional. Actualmente alberga casi 2000 obras de artistas que han trazado la historia del arte contemporáneo desde los años 80 hasta nuestros días.

La exposición presentará alrededor de 200 obras de los artistas más relevantes de la Colección Sandretto Re Rebaudengo entre los que se encuentran Doug Aitken, Matthew Barney, Vanessa Beecroft, los hermanos Chapman, Maurizio Cattelan, Thomas Demand, Andreas Gursky, Damián Hirst, Gary Hume, Anish Kapoor, Mike Kelley, Barbara Kruger, Sarah Lucas, Esko Mannikko, Reinhard Mucha, Gabriel Orozco, Rudolf Stingel, Cindy Sherman o Rosemarie Trockel.

jueves, 17 de febrero de 2011

Carlos Valades "Singular".

Escuela de Fotografía Ultravioleta
Sala de exposiciones
Calle Cavanilles 21
Hasta el 2 de marzo de 2011.

Carlos Valadés inauguró el día jueves 10 de febrero en la sala de exposiciones Ultravioleta la serie de imágenes “Singular”.



La soledad de lo diferente

Singular fue sin duda la inauguración de la exposición fotográfica de Carlos Valadés que tuvo lugar el día jueves 10 de febrero en la Sala de exposiciones Ultravioleta. Dicen que la realidad siempre supera a la ficción, y en este caso, uno de los personajes de sus fotografías se presentó, por sorpresa, para convertir el acto en una performance más.
Parapetado con unos carteles en los que se podía leer “Hell is coming” o “World end today”, tal y como aparece en una de las fotografías de Carlos, puso el punto surrealista a una muestra en la que lo diferente fue protagonista; unas imágenes en blanco y negro que retratan la pluralidad del ser humano en ciudades tan diferentes como Madrid, Tokio, Londres o Nueva York y en las que el movimiento da paso a la soledad del individuo.
“Nadie parece advertir las palabras sueltas, deambulando, a contracorriente, melancólicas conjunciones a la deriva”, describe Carlos en la presentación de su exposición, para centrar la mirada del visitante en todo aquello que se escapa de lo común y que ha encontrado un hueco en sus imágenes.
La exposición se podrá visitar en la Sala de exposiciones Ultravioleta (calle Cavanilles, nº 21) hasta el próximo 9 de marzo.
Entre los próximos proyectos de Carlos Valadés (Madrid, 1971) figura su participación en la muestra “Calle Alcalá”, donde expondrá, junto con otros fotógrafos, su visión particular de esta calle madrileña.

Redacción: Arantxa Rochet

Keep Walking Project Photo de Johnnie Walker y Notodo.com buscan fotógrafos que acepten el reto de Gervasio Sánchez, Eugenio Recuenco, Navia y Madoz .


Gervasio Sánchez en un momento de su clase magistral para Fotoactitudes

Tras elegir con el concurso Fotoactitud a los fotógrafos oficiales que estos días retratarán ARCOmadrid_2011, Keep Walking Project Photo continúa su andadura con Fotoactitudes, un proyecto de acercamiento y profundización en el mundo de la fotografía de manos de cuatro reconocidos fotógrafos

A través de capítulos que se podrán ver en exclusiva en Notodo.com semanalmente, Gervasio Sánchez, José Manuel Navia y los embajadores de Keep Walking Project Eugenio Recuenco y Chema Madoz ofrecerán a lo largo de seis semanas cada uno, clases magistrales en las que desvelarán su personal visión de la fotografía y lanzarán un reto a los aficionados y profesionales de la disciplina fotográfica

Gervasio Sánchez inaugura hoy esta sección con el estreno de la primera de las seis partes de su clase magistral y que puedes ver aquí

Los participantes que mejor respondan a los retos lanzados conseguirán como premio una master class presencial con cada uno de los cuatro fotógrafos participantes

Más información en www.notodo.com/fotografia y
www.johnniewalker.es/fotoactitudes

“Sólo son imágenes. 25 fotografías de Juan Rulfo”.

FNAC Callao
Calle Preciados 28
Del 5 de abril al 25 de mayo de 2011.

Bajo el título “Sólo son imágenes. 25 fotografías de Juan Rulfo” Fnac España expondrá durante el año 2011 una muestra de imágenes realizadas por el célebre escritor mexicano. Organizada en colaboración con la Fundación Juan Rulfo y la Editorial RM, la muestra conmemora los 25 años de su fallecimiento.


Acceso al atrio y templo de Yecapixtla
década de 1950 - Juan Rulfo.

La exposición, que viajará por varias ciudades españolas, constará de 25 imágenes extraídas del libro de reciente publicación “100 fotografías de Juan Rulfo” (Editorial RM).

La selección de las obras del libro y de la exposición ha sido realizada por dos expertos en fotografía, el inglés Andrew Dempsey y el italiano Daniele De Luigi, quienes han tenido acceso a la totalidad del acervo fotográfico del autor de Pedro Páramo.

En la introducción de la exposición, Víctor Jiménez, Director de la Fundación Juan Rulfo, explica la relevancia de la faceta fotográfica del escritor, que para muchos es aún desconocida: “No es muy conocido el hecho de que Juan Rulfo hubiese tenido trayectorias paralelas en la literatura y la fotografía: hacia 1940 escribe sus primeros textos y toma sus primeras fotografías; alrededor de 1960 deja prácticamente de escribir literatura y de realizar imágenes con su cámara. En ambas actividades alcanzó una maestría que ha sido universalmente reconocida: para Susan Sontag la obra literaria de Rulfo fue una de las más influyentes del siglo XX, y al mismo tiempo lo consideraba ‘el fotógrafo más importante que he conocido en Latinoamérica’. Esto último, dicho por la autora de un ensayo fundamental como ‘Sobre la fotografía’ no es poca cosa.”

Las imágenes seleccionadas ofrecen una muestra representativa de la extensa producción del autor mexicano, que realizó fundamentalmente tomas de arquitectura (disciplina de la que fue buen conocedor) y que se interesó también por el paisaje, los grupos étnicos de México, la vida (y la muerte) en los pequeños pueblos… y el retrato.


Instrumentos musicales y espectadores en Tlahuitoltepec
1955 - Juan Rulfo

Los comisarios de la muestra:

Andrew Dempsey fue organizador de exposiciones en el Consejo de las Artes de Gran Bretaña, entre los años 1966 y 1970, responsable de exposiciones, publicaciones y diseño en el Museo Victoria y Alberto de Londres entre 1970 y 1975, y subdirector a cargo de la Galería Hayward, Londres, 1975-1987 (Consejo de las Artes) y 1987-1992 (Centro Southbank). Actualmente es comisario independiente de exposiciones y ha participado en las siguientes publicaciones sobre Juan Rulfo: Juan Rulfo, fotógrafo, Circulo de Arte, Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, México 2005; Juan Rulfo en Oaxaca, Editorial RM, México/Barcelona 2009 y 100 Fotografías de Juan Rulfo, Editorial RM, México/Barcelona 2010.

Daniele De Luigi (Italia, 1975) es escritor y curador de arte contemporáneo, interesado particularmente en la fotografía. Ha trabajado de manera independiente para instituciones públicas y para galerías privadas en la curaduría de exposiciones a menudo protagonizadas por artistas emergentes y en proyectos artísticos dedicados a áreas o territorios urbanos específicos. Es funcionario de un instituto público en la región italiana de Emilia-Romagna, desarrollando políticas sobre reservación, catalogación y promoción de archivos fotográficos que se conservan en bibliotecas e instituciones públicas.


Clara Aparicio de Rulfo, c. 1948
Juan Rulfo


Toda la información en Club Cultura

miércoles, 16 de febrero de 2011

André Kertész - Fotografías - Visita

Aunque entre hoy y mañana dan comienzo un montón de ferias de arte contemporáneo, desde que me enteré que se inauguraba una exposición sobre André Kertész en la Fundación Carlos de Amberes, lo subrayé en rojo, y a pesar de la lluvia que caía esta mañana en Madrid, me he acercado a verla.


Letrina, Gologory, Polonia, 1915 ©® Museo Húngaro de Fotografía.

André Kertész fue junto a Brassaï, Robert Capa y Moholy-Nagy uno de los fotógrafos húngaros más representativos del periodo comprendido entre las dos guerras mundiales.
Esta exposición se centra sobre todo en sus primeros años en Hungría (1894-1925), y su posterior etapa en París(1925-1936). También hay una parte dedicada a Nueva York (1936-1985) aunque no hay demasiadas fotos; imagino que la habrán añadido por cerrar de alguna manera la exposición.


"Gitanillos" y Esztergom. Esztergom, Hungría, 1917 ©® Museo Húngaro de Fotografía.

En la primera época hace sobre todo retrato (a lo largo de toda la exposición se ven también muchos autorretratos) y fotografía documental de gentes y costumbres. Es donde más fotos desconocidas he visto, y también, la que más me ha gustado.

En su etapa parisina es dónde más experimenta, y como diría Cartier-Bressón: "Inventemos lo que inventemos, Kertész siempre fue el primero." Composiciones geométricas, reflejos, sombras, una serie de fotografías distorsionadas con espejos, perspectivas entonces nada comunes...Aunque de aquí, también me quedo con los retratos.


Washington Square, Nueva York, 1962/67 ©® Museo Húngaro de Fotografía.

Y para acabar, os dejo otro par de retratos de su etapa americana.

Es otra de estas exposiciones donde te das cuenta que ya estaba casi todo inventado hace 80 o 90 años, y que en un sólo fotógrafo se reunían todos esos estilos que hoy, si dominas mínimamente uno, ya se dice que tienes estilo propio :)

La entrada cuesta 3€, salvo los martes que es gratis. Si vas jueves y viernes por la tarde la visita es guiada, pero cuesta 5€
No han hecho catálogo de la exposición, y es una lástima, porque hay fotografías de su primera época que no figuran en ningún libro de los que conozco.

martes, 15 de febrero de 2011

Revista Foto DNG Nº 54

Disponible el número 54 de la Revista Foto DNG.
Año VI Febrero 2011.


Redacción...2
Indice...3
Novedades...4
Educación Especial en el Sahara...36
Dibujando Pasión...47
Soledad Aparente...58
Profundidad de Campo...67
Lightroom 3 (I)...72
Consejos de la semana de Wacom...76
Noticias Eventos...78
Libros...114
Las Fotos del mes de Blipoint...116
Grupo Foto DNG en Flickr 118
Resultados Quinto concurso fotográfico Foto DNG...126

Enlaces de descarga [12.7 Mb]:

* http://www.fotodng.com/revista/descarga/foto_dng_n054.zip
* http://site2.fotodng.com/foto_dng_n054.zip

Visualización on-line en flash:

* http://www.fotodng.com/revista/flash/.

Visualización en HTML5:

* http://www.fotodng.com/revista/html5/.

Concurso segoviaFOTO 2011

El premio “Captador de imágenes segoviaFOTO 2011″ concedido a un fotógrafo revelación. Una serie de 3 fotografías con una misma temática creativa-técnica y que pretende hacer visible el trabajo de muchos fotógrafos que verán su trabajo proyectado y valorado por el resto de participantes, posteriormente a la entrega de premios se colgará en segoviafoto.es el montaje en vídeo de la proyección con todos los participantes.

Se le hará entrega de la escultura el “Minutero”, un premio en metálico de 200€ y la eshibición de la serie ganadora y resto de su obra en segoviaFOTO 2012.


(c) Luis de Pablos, Ganador premio segoviaFOTO 2010

Bases:

1. Objeto: Galardonar, descubrir y promover el talento de fotógrafos noveles, a través de su proyección artística.
2. Participantes: Podrán participar todos los fotógrafos que lo deseen. La organización realizará una selección de los autores y sus fotografías para la proyección.
3. Tema: Libre.
4. Inscripción: Gratuíta, plazo máximo de envío de obras: 13 de Marzo de 2011 a las 23:59.
5. Número de obras: SERIES de 3 fotografías digitales, con una unidad temática y técnica. No premiadas, ni publicadas (excepto presencia “online”). Formato JPG y un tamaño máximo de 1 MB por fotografía. Sólo se puede participar con una serie por autor. Se enviarán las series desde www.segoviafoto.es/concurso. Donde encontrará un formulario para su envío.
6. Jurado: El jurado evaluará según criterios de: originalidad, creatividad, calidad y unidad temática, para la designación de un ganador, pudiendo quedar desierto este premio. Su fallo será inapelable. El ganador será desvelado en la “Fiestografía” a partir de las 00:00h de la noche del Sábado.
7. Premio: 200€ (incluída retención fiscal)
- Premio patrocinado por Juan Luís Misis CENTRO FUJI Segovia.
- Escultura “El minutero” diseñada por Ignacion Sanz.
8. Derechos: El fotógrafo ganador cederá todos los derechos a [AFS] las imágenes ganadores, por 2 años para el uso, promoción,distribución, exhibición y reproducción que correspondan solo a fines culturales.
9. Participación: En este concurso implica la aceptación de todas las bases. El incumplimiento de cualquiera de ellas supondrá la exclusión inmediata.
10. Información: Actualizada en www.segoviafoto.es/concurso o en el email

Aquí tenéis el formulario para participar y toda la información sobre este concurso.

lunes, 14 de febrero de 2011

Marijke van Warmerdam "Light".

La Fábrica Galería
Calle Alameda 9
Del 15 de febrero al 26 de marzo de 2011.
Toda la información en la web de la galería.


Fotograma de Light. Película de 35 mm. 2010 ©® Marijke van Warmerdam

La exposición Light de Marijke van Warmerdam en La Fábrica Galería hace un recorrido por tres tipos de luz: la luz natural del sol, la luz solar reflejada y la luz artificial producida por un proyector de cine.

En la primera planta de la galería se sitúan una serie de serigrafías. Una puesta de sol es mostrada repetidamente en cada imagen junto al texto ‘another day’ (‘otro día’), como si una tira de película cinematográfica hubiera sido cortada en trozos y reordenada al azar. La idea de que termina el día se puede leer en dos direcciones: el día que ya ha pasado y el que está por venir. Cada impresión es única, como cada día es un nuevo día diferente al resto.

En el mismo espacio se encuentran las serigrafías Moon en las que la luz del sol llega indirectamente hacia nosotros. De hecho, es una imagen que se mueve, lo que convierte al momento fotográfico en algo más que un momento único. También es un método de hacer fotografías con el fin de crear el primer paso de una repetición.

En el sotano de la galería, la luz y la oscuridad crean un bucle en el film de 16 mm Passage. Un rectángulo negro emerge de un fondo blanco haciéndose más y más grande hasta que ocupa por completo la pantalla hecha de una pequeña hoja de papel semi-transparente. Una animación en blanco y negro revela los fundamentos del movimiento y el tiempo.


Fotograma de Passage. 1992-2010. Película 16 mm, loop, blanco y negro ©® Marijke van Warmerdam

Por otra parte, el film Light muestra en loop como una mano juguetea con persianas de una ventana, dejando entrar la luz exterior intermitentemente. En un determinado momento un fuerte destello de luz lleva a la película a su fin para dar paso a continuación a un nuevo ‘paseo’ de la mano por las persianas.

En la exposición Light, la repetición y el loop son conscientemente empleados por Marijke van Warmerdam para cuestionar el carácter único de los momentos congelados. El cliché de las imágenes del sol y la luna recuerdan a las postales turísticas, mientras que el tema de la luz inmortalizado en los loops del film llaman la atención sobre la insalvable dicotomía entre la luz solar capturada por una cámara de cine y la luz artificial de un proyector de cine que muestra la luz y la oscuridad a través de la animación.

La artista
Nacida en los Países Bajos en 1959, Marijke van Warmerdam vive y trabaja en Amsterdam y en los últimos años también en Karlsruhe. Ha participado en las bienales de Sydney, Berlín, Kwangju y Venecia, entre otras. En 1997 participó en Documenta X de Kassel. Van Warmerdam ha contado con exposiciones retrospectivas en el Van Abbemuseum de Eindhoven, el Migros Museum de Zurich, el ICA de Boston, Muhka de Antwerp, MAC de Marsella, Fruitmarket de Edinburgh o IKON de Birmingham En otoño de 2011 tendrá lugar una exposición retrospectiva en el Museum Boijmans van Beuningen de Rotterdam.

domingo, 13 de febrero de 2011

Sombras - Revista Fotográfica Española 1944-1954.

Museo de la Ciudad
Calle Príncipe de Vergara 140
Horario: De martes a viernes: de 9,30 a 20 horas.
Sábados y domingos: de 10 a 14 horas.
Del 24 de febrero al 22 de mayo de 2011.


La muestra profundiza en la primera publicación española sobre fotografía, que inició una nueva faceta de esta expresión artística.

Julio Meiron " Transposición".

Galería Rita Castellote
Calle San Lucas 9
Hasta el 26 de febrero de 2011.
Toda la información en la web de la galería.


La Galería Rita Castellote con el apoyo de la Fundación Bienal de San Pablo, dentro del programa Brasil Arte Contemporanea del Ministerio de Cultura de Brasil, presentan la primera exposición en España de Julio Meiron.

Bajo el nombre “Transposición”, el artista brasileño Julio Meiron presenta esta exposición individual en la Galería Rita Castellote de Madrid. Julio Meiron expone la serie de dibujos que produjo en su viaje de investigación artística al Río San Francisco en Brasil, en el año 2008, además de una instalación site-specific basada en sus intervenciones “Acolchando” también producidas en los márgenes del mismo río San Francisco (más conocido como río de Integración Nacional, ya que conecta el norte con el sur de Brasil). El viaje de investigación de Julio Meiron se dio en momento clave del río, marcado por el inicio de las obras de transposición de sus aguas. Meiron opta por no resolver las muchas controversias que envuelven al tema.


©® Julio Meiron, Fruta d'água, 2008, 17.4 x 14.7 cm, tinta china y grafito sobre papel.

Con parte de este material de viaje, se ha editado una publicación bilingüe llamada “Trans Posición Francisco”, realizada con el apoyo de la fundación holandesa Prince Claus, que estará disponible al público durante la exposición en nuestro espacio.

“Considero que los dudosos procesos de modernización como el actualmente en curso en Brasil son universales, como bien se sabe en España por todos estos años vividos a partir de la entrada en la Unión Europea. Además, esta es una devolución a través de la forma de ver de un artista contemporáneo americano sobre su paisaje, en respuesta a tantos artistas europeos, como Frans Post en el siglo XVII o J.B. Debret y J.M. Rugendas en el siglo XIX, que han viajado a América a descubrir lo exótico, y cuyas obras son parte actualmente del patrimonio artístico de algunas instituciones españolas. En esto reside la fuerza de este intercambio.”

Julio Meiron


Aglutinador, por Julio Meiron

Pienso en la necesidad de experimentar el objeto, no simplemente imaginarlo y pre-concebirlo.
Esa imagen anterior a la experiencia, que podemos dominar en el interior de nuestra racionalidad, no corresponde con la que la experiencia en sí muestra. La concepción anterior al objeto viene como en un momento culminante en que él, el objeto, se esclarece en nuestra mente, sin sombras y sin las suciedades mundanas. Es casi un congelamiento. Pero nadie puede afirmar que el objeto es aquello sin ir a su encuentro. Y la experiencia del encuentro no entrega sus vectores para que los dominemos. Por el contrario, nosotros nos convertimos en un vector más que hace todo aún más imprevisible. Así el arte cesa de convertirse en imagen para ser relación. Se aleja nuestra ilusión de dominio y entra la sorpresa del otro. Así, más que objeto, la obra se convierte en otro.


©® Julio Meiron, Cachoeira de Paulo Afonso, 2008, 21.6 x 30.7 cm, tinta china sobre papel.

Eso afirma la “Fenomenología de la Percepción” de Merleau-Ponty. La percepción acontece en la experiencia y no en la imagen anterior a ella. Eso afirma una escultura sin título de Robert
Morris del año 1965, que parte de una forma modular semejante a una gran letra L. Son tres de esas letras L descompensadas y a pesar de que las tres formas sean idénticas, están en diferentes posiciones con relación al suelo de la galería. Es sorprendente que un simple cambio de posición altera cada una de las formas, ya que, por más evidente que parezca que las letras L son idénticas, ellas se comportan de maneras muy diferentes. Por más que la misma forma en pie y recostada parezcan iguales, ellas no lo son. O acaban no siéndolo.

No podemos transportar la experiencia, pero si dividirla. La experiencia así deja de ser un experimento en el que hay control, pasando a ser insustituible. La idea de aislar la obra y la transportarla, como se continuara siendo la misma, muere. La obra estará transformada y habrá significados totalmente diferentes por su contexto y, además de eso, influenciará a este contexto, en una relación mutua que es la relación que se tiene con un otro. Así es que el tiempo es más una de las dimensiones del arte, y el tiempo es único e improrrogable. Así que lo que da sentido a este tiempo somos nosotros, y muy probablemente algo existiría sin nosotros, pero, con certeza, sería otra cosa, inimaginable.

Julio Meiron

Africa.es 7 miradas africanas sobre España.

Círculo de Bellas Artes
Sala Minerva
Calle Alcalá 42
Del 15 de febrero al 13 de marzo de 2011.
Todo la información en la web del CBA.


Fotografía ©® Zanele Muholi

Proyecto expositivo enmarcado dentro de Arte inVisible, un programa de apoyo integral a las artes visuales en África que desde hace algunos años desarrolla la Agencia Española de Cooperación Internacional al Desarrollo (AECID). El tema de la exposición es la mirada de siete fotógrafos africanos hacia idéntico número de ciudades españolas. Mamadou Gomis (Senegal), Patrick Wokmeni, (Camerún), Nii Obodai (Ghana), Arturo Bibang (Guinea Ecuatorial), Emeka Okereke (Nigeria), Zanele Muholi (South Africa) y Mohamed Konaté (Mali) han retratado con su cámara siete ciudades españolas que se han convertido en el escenario de trabajo donde dejar fluir su creatividad.

Organiza
Círculo de Bellas Artes (CBA)
Agencia Española de Cooperación Internacional al Desarrollo (AECID). Dirección de Relaciones Culturales y Científicas. Departamento de Cooperación y Promoción Cultural Exterior


HORARIO
de martes a sábados de 11:00 > 14:00 y de 17:00 > 21:00 domingos y festivos de 11:00 > 14:00 lunes cerrado

Biosfera Fuerteventura.

Real Jardín Botánico
Plaza de Murillo 2
Pabellón Villanueba
Horario:10:00 - 18:00 h (en febrero) o 10:00 - 19:00 h (en marzo).
Precio: Gratuito previo pago de la entrada al Jardín
Hasta el 27 de marzo de 2011.
Toda la información en la web del Botánico.

La exposición Biosfera Fuerteventura acerca a la sociedad el programa Hombre y Naturaleza de la UNESCO para compaginar la conservación de la diversidad natural con el desarrollo sostenible. Coloquios, talleres y otras actividades divulgativas servirán para descubrir a los visitantes la fascinante biodiversidad de la isla y la identidad cultural de las gentes que la habitan.


Biosfera Fuerteventura es una exposición de sensaciones y reflexiones sobre la naturaleza, utilizando principalmente herramientas audiovisuales. Concebida por un grupo de creadores procedentes de la fotografía, la música, el cine y el diseño, asesorados por reputados expertos en las ciencias de la naturaleza, la exposición forma parte de un proyecto de divulgación y sensibilización sobre la importancia del cuidado y protección de los recursos naturales del planeta tomando como ejemplo la declaración de Fuerteventura como Reserva de la Biosfera por la UNESCO. Su objetivo es familiarizar a la ciudadanía sobre los esfuerzos que realizan la UNESCO y el Cabildo de Fuerteventura por preservar la diversidad natural y cultural.

La exposición Biosfera Fuerteventura está concebida en cinco grandes bloques:

* La Red de reservas de la Biosfera o Fuerteventura en el contexto de dicha Red.
* La Isla con sus valores ambientales y culturales como un mundo singular lleno de contrastes dignos de ser conservados.
* El paisaje, la flora y la fauna desde el fondo marino hasta el cielo.
* Biosfera hombre: Las opiniones y sensaciones de los habitantes como la mejor representación de lo “local”.
* Las bases organizativas y los proyectos donde se sustenta la organización de las reservas de la biosfera así como sus publicaciones.

Durante la exposición, la Reserva de la Biosfera amplia la Senda de los Cetáceos con la instalación en el Real Jardín Botánico de la osamenta de un impresionante rorcual tropical de 8 metros para estudio y disfrute de los visitantes. La Senda de los Cetáceos pretende mostrar en lugares públicos y emblemáticos elementos singulares de la naturaleza, embelleciéndolos si cabe, con esculturas construidas con esqueletos de distintas especies de cetáceos varados en playas de Fuerteventura.

Biosfera Fuerteventura invita también al público a entrar en LA CAJA DE LA IMAGEN, una cascada de imágenes de la isla de Fuerteventura proyectadas en gran formato y de forma simultánea en tres superficies. Durante los 18 minutos de duración, en una atmósfera intensa de luz y sonidos, el espectador se adentra en las extensas y tranquilas playas, en los parajes desérticos, la vegetación o los acantilados y en la cultura ancestral de los pobladores de la isla.

En el Foro de la participación 10 audiovisuales ofrecen las opiniones de una muestra representativa de la sociedad inmersa en la Reserva de la Biosfera de Fuerteventura. Los visitantes pueden interactuar, con sus opiniones y mensajes, que se añaden a un panel donde se han ido acumulando frases e ideas de personalidades relevantes sobre la conservación del patrimonio natural y cultural.

Las Bases de la Reserva consta de una serie de paneles interpretativos que explican la filosofía del programa Man and Biospher. Las estructuras de la reserva de la biosfera, el plan de acción y las principales líneas de actuación.

El interactivo Red de reservas o Fuerteventura en la red integra imágenes cedidas por el Ministerio de Medio Ambiente Rural y Marino con fichas informativas visuales sobre la red de reservas de la biosfera española y mundial mediante una pantalla táctil de fácil acceso.

Y por último, hay que destacar Caleidosfera, un gran caleidoscopio de imágenes y de paisajes culturales y naturales que acercan al visitante a una visión insólita de la Isla, desde el fondo submarino hasta el cielo. En consonancia con la idea de globalidad que representa la biosfera.

También se han programado coloquios, visitas y talleres, para los que será necesario reserva previa: www.fuerteventurabiosfera.es

Thor Castro "In a silent way".

Aeropuerto de Barajas
Hasta el 28 de febrero de 2011.


Ray Drumond ©® Thor Castro

Madrid, 7 feb (EFE).- El aeropuerto de Barajas expone la obra del artista coruñés Thor Castro en una muestra que, bajo el título "In a silent way", recoge una selección de fotografías en blanco y negro tomadas en diferentes festivales de jazz, como los de Vitoria-Gasteiz, Terrassa o La Villette en París.

En un comunicado, AENA detalla que la gran mayoría de las imágenes son primeros planos de grandes músicos, como Crarles Lloyd, Wynton Marsalis o Christian Mcbride, "captados, en una instantánea o en secuencias de varias fotografías, en un momento de máxima inspiración musical".

Para la muestra de Barajas, Thor Castro ha reunido una treintena de fotografías que se pueden contemplar hasta el próximo 28 de febrero en el pasillo de acceso a la Terminal 2 desde el metro y el aparcamiento P2.

Rablaci. Raices del Desarraigo.

Casa de Vacas
Parque del Retiro
Hasta el 27 de febrero de 2011.


Esta exposición de escultura y fotografía está ahora en Casa de Vacas. Las esculturas son las mismas que ha fotografiado y que ilumina de manera parecida dentro de la sala. Las fotos están montadas sobre metacrilato, por eso no os muestro más que una, ya que son prácticamente espejos.
Como no hay ningún tipo de folleto, web, u otro formato que explique qué pretende contar el artista, os dejo un artículo de La Razón que he encontrado en Internet, y algunas fotos que hice de la exposición.

Afirma que las fotografías son el reflejo de su cuerpo y que las esculturas apresan la materia de su alma. Imágenes y esculturas, unas de árboles cuyas raíces tocan levemente el suelo y el tronco está atado o encadenado y otras de casas con péndulos o con raíces que intentan detener el tiempo o invitan a pararse a observarlas sin prisas. El artista Rablaci, tras haber expuesto en varios países como Cuba, Argentina, Japón, China y Portugal ahora lo hace en a Madrid, en la Casa de Vacas del Retiro, donde ayer presentó su exposición «Raíces del desarraigo», compuesta por 20 fotografías en color y varias esculturas. Rablaci explica que ésta «nace de la intención de radiografiar al ser humano contemporáneo, el cual se mueve en plena área de la globalización, donde el desarraigo se acerca a cierto nihilismo nietzschiano», y con ella busca «centrarse en el sentimiento vacío y en la búsqueda de uno mismo». De esta forma, «surgen las esculturas de los árboles y sus posteriores fotos, los cuales al ser arrancados de su entorno y ser intervenidos adquieren una identidad propia respecto al resto». También hay esculturas muy variadas: una tabla de madera con un inmenso aguijón en un extremo, casas con péndulos colgando y espacios con una gran cantidad de hojas de árbol y encima de éstas varias piezas de metal. El artista, que tiene 23 años y estudia cuarto curso de la Licenciatura de Bellas Artes, explica que «el hombre tiene como bandera el individualismo, la frivolidad, la superficialidad». «El desarraigo nos sitúa en las antípodas de lo social», continúa, y asegura que «la tecnologización ha forzado una nueva contradicción: cuando parecía que era más fácil la comunicación, más desarraigo se produce». En cuanto a sus influencias, afirma fijarse en «autores como Heidegger, Sartre y Nietzsche».
Miguel Soria