jueves, 30 de junio de 2011

CaravanArt

Espacio para el Arte y la Cultura - Obra Social Caja Madrid
Calle San Antonio 49
Aranjuez - Madrid
Hasta el 24 de julio de 2011.


Hasta el 24 de julio, el Espacio para el Arte y la Cultura Caja Madrid en Aranjuez muestra el resultado de esta caravana del arte en la que diez artistas viajan montados en una caravana por las sedes culturales de la Obra Social Caja Madrid (en Aranjuez, Ciudad Real y Zaragoza) entablando relación con el medio urbano y las personas del lugar, para llevar a cabo sus experiencias artísticas.

En esta ocasión, los artistas han visitado Aranjuez y han realizado una serie de instalaciones artísticas contando con la participación ciudadana, convocada principalmente a través de las redes sociales.

Las intervenciones y obras artísticas que podemos ver en Aranjuez:

Alberto de Pedro realiza un collage fotográfico en una antigua caseta abandonada de la Estación de Tren de Aranjuez.

El Harina Panadero, dúo formado por Lorena Madrazo y Rafafans, ha montado una instalación audiovisual para celebrar el acto de encontrarse, “Hola, encantado”.

Jonay Pmatos. Fotógrafo que reúne documentación personal de los participantes retratándoles en sus lugares favoritos de Aranjuez.

Nano 4814. Este afamado artista urbano, ha instalado un rótulo en una de las principales calles de Aranjuez.

Andrea Illán y Rafa Suñen. Estos fotógrafos han buscado lugares insólitos e imágenes diferentes de la villa de Aranjuez y los han fotografiado con sus viandantes.

Rocío Cañero. Esta ilustradora radical, hace una instalación a modo de concentración de personajes con globos hinchables.

Rosa Navarro. Esta ilustradora hiperrealista, dibuja las imágenes de varios perfiles públicos que personas de Aranjuez tienen colgadas en la red social de Facebook.

Silvia Blanche. Video-artista internacional, hace una instalación de un paisaje urbano que crea con mobiliario y enseres domésticos que los habitantes de Aranjuez han tirado.

Israel Sousa (Madrid 1972), es el comisario de esta muestra y ha realizado este proyecto y la selección de artistas en base a la diversidad de formatos y lenguajes. Israel investiga en torno a los procesos de innovación en la creación artística. De tal forma, experimenta con los medios del arte relacional e integra en los procesos de producción a la sociedad para desarrollar y definir el concepto de usuario cultural, como paradigma de esta revolución digital del siglo XXI que está definiendo al ser contemporáneo.

No hay nadie, de Graciela Iturbide, primer volumen de Album, la nueva colección de La Fábrica Editorial.


Cubierta No hay nadie

La Fábrica Editorial crea una nueva colección destinada a reunir trabajos concretos y escogidos de los mejores autores contemporáneos, álbumes de un momento único.


Norte de la India, 1999 © Graciela Iturbide

El primer volumen de la colección está dedicado a Graciela Iturbide y reúne 25 imágenes en blanco y negro tomadas entre 1997 y 2010 en sus múltiples viajes a la India.
Incluye también un texto inédito de Òscar Pujol, director del Instituto Cervantes de Nueva Delhi.
La fotógrafa mexicana ha presentado este libro en Madrid antes de su exposición individual en la próxima edición de Les Rencontres d'Arles.

24 x 29 cm. Español-inglés. 68 páginas.

PVP. 35 euros. Ya a la venta

Toda la información en www.lafabricaeditorial.com


Templo de las ratas, norte de la India, 1997 © Graciela Iturbide

Graciela Iturbide
Nacida en Ciudad de México en 1942, es probablemente la fotógrafa más reconocida de América Latina. En 1969 ingresa en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la Universidad Autónoma, donde tuvo como maestro de fotografía a Manuel Álvarez Bravo, quien posteriormente la invitó a ser su asistente. En 1979 empezó un trabajo sobre los indios zapotecas de Juchitán por el que se le concedió el Premio Eugene Smith en 1987. Su obra funde el interés por la cultura tradicional con una mirada absolutamente contemporánea, simbólica y poética, le ha valido un enorme reconocimiento tanto en México como internacionalmente. Recibió la beca Guggenheim en 1988, y con su trabajo ha obtenido, entre otros, el Gran Premio Internacional de Hokkaido (Japón) en 1990, el premio de Les Rencontres d´Arles de 1991, el Hasselblad en 2008, el Premio Nacional de Ciencias y Artes de México en 2009 y el premio PHotoEspaña 2010. Ha expuesto en los centros de arte más importantes del mundo, como el Pompidou de París en 1982, el Museo de Arte Moderno de San Francisco en 1990 o el Museo de la Fotografía de Seattle en 1991. Su exposición más reciente es Graciela Iturbide, Retrospectiva (1969-2008), organizada en 2009 por la Fundación Mapfre en Madrid, que ha itinerado por diversas instituciones, como el Centro José Guerrero de Granada (España), el Museo de Fotografía de Winterthur (Suiza), la Pinacoteca de São Paulo (Brasil), el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y Les Rencontres d´Arles 2011 (Francia). Entre los libros de autor que ha publicado destacan Juchitán de las mujeres (Eds. Toledo, 1989), Images of the Spirit (Aperture, 1997), Graciela Iturbide (Phaidon, 2001), Pájaros (Twin Palms Publishers, 2002), Torrijos: The Man and The Myth (Umbrage Editions, 2007) y Asor (Steidl, 2009.

miércoles, 29 de junio de 2011

Thyssen y Museo del Prado.


La retrospectiva de Antonio López era la única exposición que me quedaba pendiente para antes de las vacaciones, así que no he querido posponerla más y me he acercado este mediodía, por aquello de no encontrar demasiada gente. No he encontrado cola y me han dado entrada para cinco minutos después. Los 10€ que cuesta ver sólamente esta exposición seguro que ayudan a ello.


En la Planta Baja está la parte más amplia de la exposición con sus panorámicas de Madrid y vistas de la Gran Vía. Quizá por ser lo que más conocía, estos cuadros han sido los que menos me han llamado la atención.
Lo que más me ha gustado ha sido lo que en esta parte de la exposición se denomina Ámbitos, pero que en la continuación, la parte del Sótano, está dentro de otra serie llamada Interiores. Son algunas pinturas y dibujos a lápiz y carboncillo de habitaciones o algún elemento del mobiliario de la casa, como aparadores, neveras... Es increíble el detalle, pero sobre todo, la luz-iluminación que parecen tener. Aquí hay que acercarse mucho para observar bien los detalles.


En esta misma planta también hay algunas esculturas como Hombre y Mujer, cedidas por el MNCARS, dentro del capítulos Escultura y Desnudo.
Para mi gusto, quizá son excesivos los bocetos y dibujos que hay de una misma obra, llegando a ocupar una sala entera. Ya sé que muchas de sus obras están inacabadas, que no se sabe cuando se terminarán, y que así se puede saber mejor cuál es su manera de trabajar, pero pienso que con poner un ejemplo habría servido.

En el sótano, en la Planta -1, aunque es una sala más pequeña, hay más variedad y cantidad de obras. También hay una proyección de vídeo con dos partes: Hablando con Antonio López, y, El tráfago de la vida. Duran algo más de 20 minutos las dos. Están al final de la exposición y creo que merece la pena pasar por allí y verlas completas.


De aquí, aparte de los dibujos de Interiores que ya os he mencionado, la verdad es que no sabría por qué decidirme: me han gustado los retratos; La Mancha; cuadros como La Lámpara y Cabeza griega y vestido; Los bodegones con alimentos; alguna "curiosidad" como la Piedra litográfica. En esta parte hay mucho que mirar.

La exposición está dividida oficialmente en diez capítulos. Aquí tenéis el microsite que ha creado el museo con toda la información. Así no os liáis con lo que os cuento yo.


Y como en los museos es donde mejor temperatura hay estos días de calor (cosa que no pasa en las salas de exposiciones) he cruzado el paseo y me he metido en El Prado. No había nada nuevo (nada que no estuviese en mi última visita, aparte de volver a cambiar de sitio algunos cuadros) así que poco os puedo contar, sólo que he aprovechado para hacer una cabecera nueva para el blog.

martes, 28 de junio de 2011

La Colección PHotoBolsillo dedica un nuevo ejemplar al trabajo de Matías Costa.


Portada PHotoBolsillo Matías Costa

El nuevo número de PHotoBolsillo recoge imágenes tomadas entre 1993 y 2010, en un recorrido por las constantes de su trabajo fotográfico, oscilante entre la extrañeza y la memoria.


The Family Project. Buenos Aires, 2009. Matías Costa

67 imágenes en color y blanco y negro de las series Fragmentos de un decorado, Hijos del vertedero, Extraños, Limbo, Cuaderno de campo, The Family Project, Cuando todos seamos ricos, Mientras dormías y Cargo

Francisco Calvo Serraller, que define a Matías Costa como "alguien avezado en emigraciones, inmigraciones y exilios" prologa este PHotoBolsillo

13 x 18 cm, 112 páginas, 12,50 €

Más información: www.lafabricaeditorial.com


The Family Project. Minsk, 2010. Matías Costa

Matías Costa
En el trabajo de Matías Costa (Buenos Aires, 1973) abundan las referencias a la memoria, la ausencia, el desarraigo, la identidad y la fragilidad. En 2005 funda, junto a otros 13 artistas, el colectivo de fotografía contemporánea NOPHOTO, que recibe en 2006 los premios ARCO y Revelación PHotoEspaña. Ha impartido talleres, cursos y conferencias en la Universidad de Cantabria, La Casa Encendida de Madrid, Escuela Superior de Arte y Diseño de Valencia y el Instituto de Estudios Fotográficos de Cataluña, entre otras instituciones. Su obra ha sido expuesta de forma individual en el Hotel Palace de Madrid, Krea en Vitoria, el Instituto Cervantes de Milán, el Museo de Historia de Valencia, la FotoBiennale de Moscú y los festivales Fotonoviembre, Images de Vevey, PHotoEspaña y Visa Pour L´Image.

Costa ha recibido premios y becas como el World Press Photo (2001 y 2003), Euro Fuji Press, la Beca de arte Caja Madrid (2010) y la mención de honor en el premio PHotoEspaña Ojo de Pez de Valores Humanos, entre otros muchos. Sus fotografías están recogidas en publicaciones como El país de los niños perdidos (La Fábrica, 1999), El largo viaje (La Fábrica. 1998), Eclats d´Enfance (Editions du Collectionneur, 2000), 6 visiones fotográficas sobre inmigración (Comunidad de Madrid, 2007), Muta Matadero (NOPHOTO, 2007) y 5 miradas europeas (Instituto Cervantes, 2007).

viernes, 24 de junio de 2011

FotoNoche 2011.

Recinto exterior de La Esfera
Av. Olímpica 14
Alcobendas - Madrid
Viernes 1 de julio de 2011 a las 22:15 horas.
* En caso de suspensión por inclemencias meteorológicas el evento tendrá lugar el siguiente viernes 8 de julio de 2011.
Organiza: Ayuntamiento de Alcobendas



Un año más tenemos el placer de invitaros a esta edición de FOTONOCHE 2011,que tendrá lugar el próximo viernes 1 de Julio en el recinto exterior de La Esfera.

Comenzaremos a las 22:15 horas. y disfrutaremos durante más de una hora de las fotografías de artistas consagrados como Gervasio Sanchez o Alberto García Alix, de las imágenes de los nuevos fotógrafos incorporados a la colección y de los proyectos de varios artistas locales.

Autores :
Colita, Paco Gómez, Paco Jaén, Jesús Velasco, Emilio Martín, Gervasio Sánchez, Alberto García Alix, David Palacios, Miguel Valdivieso, Pablo Genovés, Chema Madoz, Carlos Aires, Angel Marcos, Marta Soul y Carlos Pérez Siquier.

jueves, 23 de junio de 2011

Africa.es - 7 miradas africanas sobre España.

Plaza de Ópera y calle Arenal.
Del 6 de julio al 4 de agosto de 2011.
Organiza Casa África.
Toda la información en Casa África.


© Zanele Muholi
(La fotografía os sonará porque esta exposición estuvo en el CBA hace unos meses).


África.es gira en torno a la mirada de varios fotógrafos africanos en relación a diferentes espacios urbanos españoles seleccionados para tal fin. El proyecto trajo siete artistas africanos a España, designando a cada uno de ellos una ciudad española para que, sin ningún tipo de limitación temática, pudiesen transmitir a través de su particular visión y reflexión, lo que la ciudad le sugería a través de espacios, gentes, situaciones, etc. Los siete artistas seleccionados, procedentes de siete países diferentes de África, se han destacado por realizar una obra de calidad y vanguardia que desde la AECID se quiere potenciar.

Tras un encuentro común en Madrid, los artistas viajaron a sus ciudades asignadas donde realizaron el correspondiente reportaje fotográfico durante siete días. Como resultado de su trabajo se produjo una exposición colectiva con las obras seleccionadas de cada uno de los artistas, que se exhibió, del 15 de febrero al 15 de marzo, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.


Ahora es la ciudad de Madrid quien recoge el testigo y mostrará la obra de estos artistas de una manera totalmente distinta. En el marco de Los Veranos de la Villa y a través de un soporte expositivo que Casa África ha llevado a diferentes ciudades con gran éxito, esta exposición llega ahora a las calles de la capital, concretamente a la Calle Arenal. Monolitos de una altura de más de 2m que llevarán el trabajo de estos fotógrafos a pie de calle, mostrando la obra directamente a todos los transeúntes.

El proyecto expositivo África.ES se enmarca dentro del programa Arte inVisible que desde hace algunos años desarrolla la AECID (Agencia Española de Cooperación Internacional al Desarrollo) desde su Departamento de Cooperación y Promoción Cultural de la Dirección de Relaciones Culturales y Científicas.

Arte inVisible es un programa de apoyo integral a las artes visuales en África, que pretende crear las oportunidades adecuadas en los sectores de la formación, la producción y la difusión para que los artistas de talento puedan desarrollar su actividad. En paralelo, Casa África pretende mejorar el ámbito profesional de las artes visuales en África centrándose en aquellas acciones que fortalezcan la participación del sector privado y la sociedad civil en la creación de un sector de las artes visuales dinámico e integrado en el mercado global.

Dada la coincidencia de objetivos, Casa África y la AECID comparten la iniciativa África.ES, orientada por un lado a impulsar el arte africano en citas internacionales de arte contemporáneo y en los propios espacios de creación, y por otro, a incentivar la relación y el conocimiento de galerías, museos y agentes culturales con los propios artistas.

A continuación se muestran los artistas que han participado en el proyecto, su país de procedencia y las ciudades españolas que han retratado:

Mamadou Gomis, de Senegal a Bilbao. Nacido en Ndoulo, el 4 de junio de 1976, intercala su trabajo de reportero gráfico con el de artista. Desde 1999 ha desarrollado su labor como reportero en varios cotidianos y revistas de Senegal trabajando también para varias agencias internacionales de prensa. Ha colaborado en varios proyectos con distintas ONG’s internacionales como OXFAM, PAM y FAO. Desarrolla, desde 2006, una intensa actividad como artista que le ha llevado a realizar varias exposiciones internacionales en Mozambique, Marruecos, España y Estados Unidos, destacando “African now” en Washington D.C en 2008 y “Mareas Migratorias” en las Palmas, en 2009. Cuenta en su haber con varias publicaciones y distinciones fotográficas y ha formado parte de varias residencias de artistas.

Patrick Wokmeni, de Camerún a Sevilla. Nacido en Douala, el 3 de marzo de 1985, sus primeras acciones con la fotografía tienen lugar en el año 2002. En el 2006 forma parte en París de la exposición “Jóvenes Africanos en París” y en Douala de la colectiva “Slide Show” en el Centro de Arte Contemporáneo de Douala. En 2008 tiene lugar su consolidación en el extranjero con la presencia de su obra en la exposición colectiva “Jóvenes Africanos” en Málaga y en Valladolid. Así mismo, su obra está presente en la exposición colectiva “12/friche” en Malraux (Francia). En 2009 realiza trabajos fotográficos en Accra (Ghana) que forman parte de la Bienal de Bamako de ese año y, en 2010 participa en la 9ª edición de Dak’art, en Senegal.

Nii Obodai, de Ghana a Valladolid. Nacido en Accra, el 4 de noviembre de 1963 y educado entre Inglaterra, Nigeria y Ghana, vive y trabaja actualmente en Ghana. Su trabajo explora la vida urbana y rural desde el punto de vista del artista. Sus fotografías nos llevan a la África contemporánea al mismo tiempo que sitúa al espectador en un espacio entre la tradición, la improvisación y la modernidad, un espacio en el que la mayor parte de los africanos se ven obligados a vivir. Su obra nos lleva hacia una nueva África en donde diferentes religiones coexisten, las tradiciones acompañan la vida contemporánea y las caras de la diáspora vuelven a sus orígenes. Su obra, tremendamente expresiva y visual está siempre en continua evolución. Ha viajado por todo el oeste de Africa, explorando y recordando la esencia de la vida africana. Su obra ha podido verse en Accra, París y Bamako.

Arturo Bibang, de Guinea Ecuatorial a Valencia. Nacido en Bata, este fotógrafo freelance, colabora con diferentes publicaciones y agencias, entre ellas Zero-Magazine, El Mundo, Down Town, Morena Films y Boa Records. Su formación dentro del mundo de la fotografía la realiza entre Madrid y Londres. Desde 2004 y hasta hoy ha participado en un gran número de exposiciones individuales y colectivas en España, Líbano, Guinea e Italia.

Emeka Okereke, de Nigeria a Madrid. Nacido en Lagos, el 26 de julio de 1980, su actividad como artista gira en torno a la fotografía y el vídeo. Entre 2006 y 2008 estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París donde se gradúa. Ha expuesto, de manera individual, en Nigeria y Francia, destacando las exposiciones celebradas en el Centro Cultural Francés de Lagos en 2003 y 2005 y las realizadas en la Agencia Francesa de Desarrollo, en París, en 2006 y en la Galería Crous de la misma ciudad, en 2008. Ha participado en una veintena de exposiciones colectivas desde el año 2004 destacando “Made in Africa Fotografía” en Milán y “Bellezas Africanas” en Nantes, Francia, estas en 2004. En 2005 participó en el VI Festival de Fotografía de Bamako, Mali, y en el Festival de Fotografía de Berlín. En 2006 forma parte de la exposición “Otro Mundo” en la Biblioteca Nacional de Francia, en Paris y de la colectiva “Jóvenes Africanos”. En 2008 participa en el “Jonanessburg Art Fair”. Ha formado parte de varias residencias de artistas y participado en varios proyectos entre los cuales destaca “Fotografía y espacio público”, desarrollado en 2008 en Maputo (Mozambique) en donde se experimentaba con el público y el arte. Sus trabajos han obtenido varios premios y galardones internacionales.

Zanele Muholi, de Sudáfrica a Las Palmas de Gran Canaria. Nacida en Umlazi, Durban, Sudáfrica, el 19 de julio de 1972, desarrolla su actividad en Johannesburgo y Ciudad del Cabo. Su trabajo como fotógrafa se remonta a 2002, desde entonces ha llevado a cabo varias exposiciones individuales en Johannesburgo, Ciudad del Cabo, Ámsterdam, Viena y Lagos. Desarrolla su actividad en la galería Michael Stevenson de Ciudad del Cabo. Ha participado en cerca de 40 exposiciones colectivas en desarrolladas en importantes centros y museos fotográficos de Europa, América y África. Ha recibido el premio de Mejor fotógrafa femenina por parte de Casa África y el Jean-Paul Blachère award, ambos concedidos dentro del ámbito de la Bienal Africana de Bamako de fotografía 2009. Ha participado en varias residencias de artitas en EEUU, Holanda y Australia. Sus fotografías han aparecido en varias publicaciones y ha participado en varias conferencias en África y Europa.

Mohamed Konaté, de Mali a Barcelona. Nacido en Bamako, en 1978, es una de las principales figuras del panorama artístico emergente de Malí. Nació en 1978 en Bamako, Malí, donde estudió Escultura y Arte Multimedia. Trabaja con los medios de comunicación de la pintura, fotografía y video, y se caracteriza por un lenguaje estético muy original. En sus videos e instalaciones experimenta con los límites de la credibilidad social y la política de las fronteras. Participó en la Bienal de Dakar de 2008 en donde su obra obtuvo un especial reconocimiento.

Estos fotógrafos han tenido la oportunidad de trabajar en las ciudades asignadas con el objetivo reflejarlas desde su propio punto de vista y sensibilidad artística. No se trata de reportajes fotográficos descriptivos sobre cada ciudad, sino que ésta se aborda simplemente como un escenario de trabajo donde dejar fluir la creatividad de cada uno de los fotógrafos.

Lygia Pape, Elena Asins y Antonio López.


Ya está todo listo para la inauguración de la retrospectiva de Antonio López en el Thyssen, expo de la que ya os hablé hace tiempo y que seguro saldrá en todos los medios de comunicación la próxima semana.

Instalación perteneciente a la exposición en el MNCARS de Lygia Pape, Espacio Imantado.

Estos días, entre concierto y concierto, me ha dado tiempo de ver alguna exposición. Entre esas exposiciones están estas dos del Reina Sofía: Lygia Pape. Espacio Imantado, y, Elena Asins. Fragmentos de la Memoria. Estarán hasta octubre de 2011. En la web del MNCARS tenéis toda la información sobre ellas.

Una de las salas pertenecientes a la expo de Elena Asins, Fragmentos de la Memoria.

Estos días de tanto calor voy aprovechando para ver con más detenimiento las expos de PHE que vi en rueda de prensa, así que no es cuestión de repetir post :)

Quizá algun@ teníais pensado ir el sábado al concierto Olé Brasil Festival. Me ha llegado la nota de prensa donde dice que se suspende. Una pena, porque tenía muy buena pinta y además era gratis.

Buenos, disfrutad del puente, y recordad que el sábado llega el verano de verdad ;)

Photoshooting, de Thomas Bachler.

La Casa Encendida
Espacio A
Ronda de Valencia 2
Del 8 de julio al 11 de septiembre de 2011.
Toda la información en la web de LCE.


Thomas Bachler. The third eye 1 © Thomas Bachler.

Photoshooting es una acción fotográfica y un proyecto expositivo del artista alemán Thomas Bachler (Detmold, 1961).
La acción tendrá lugar del 8 al 15 de julio. El artista disparará diariamente con una pistola de aire comprimido sobre una cámara estenopeica diseñada para tal fin. A través del orificio, la cámara recogerá la imagen del visitante junto al artista. Bachler revelará in situ la fotografía y se la regalará al retratado.
La exposición, en el Espacio A de La Casa, continuará hasta el 11 de septiembre. Parte de su intrigante serie de fotografías Escenas del crimen.


La Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid acoge el proyecto Photoshooting del artista alemán Thomas Bachler (Detmold, 1961) del 8 de julio al 11 de septiembre. Una acción fotográfica (del 8 al 15 de julio) permitirá al público conocer el funcionamiento de una cámara estenopeica (una cámara fotográfica sin lente, que consiste en una caja a prueba de luz con un pequeño agujero) diseñada para este fin y llevarse una fotografía realizada en el momento.

El origen del proyecto expositivo se sitúa en su intrigante serie de fotografías Escenas del crimen e invita a reflexionar sobre diversos aspectos presentes en la obra del autor: los múltiples mecanismos operativos inherentes a la práctica fotográfica; la plasmación de los fenómenos sociales e históricos desde una perspectiva crítica; y el análisis de los procesos mentales que guían la conducta de los seres humanos.

Los días previos a la inauguración, Thomas Bachler impartirá el taller Face to Face, dirigido a fotógrafos, artistas y público en general interesados en el aprendizaje de antiguas técnicas fotográficas.

Acción fotográfica:
Del 8 al 15 de julio, de 11 a 14h y de 16 a 21h
Entrada libre hasta completar aforo

miércoles, 22 de junio de 2011

Campus PHE Comunidad de Madrid - Recordatorio.

Como publiqué hace más de dos meses los talleres del Campus PHE 2011, y por si se os ha pasado, cuelgo otra entrada para recordar que hoy comienza el campus, y las cuatro clases magistrales (gratuítas) en Alcalá de Henares.


® Oliviero Toscani. Suora e prete.

Desde 2004, PHotoEspaña y la Comunidad de Madrid organizan Campus PHE Comunidad de Madrid, la cita más relevante de su programa de formación en fotografía y artes visuales. Durante esta semana, los talleres, destinados a fotográfos profesionales, ofrecerán la oportunidad de reunirse durante cuatro días con Ernesto Bazán, Oliviero Toscani y Javier Vallhonrat.

Campus PHE Grandes Maestros permite compartir reflexiones, puntos de vista y experiencias junto a un reconocido fotógrafo. Cada uno de ellos presenta su porfolio e imparte un taller donde los alumnos pueden recibir recomendaciones y guías personalizadas para encontrar la dirección con la que puedan desarrollar mejor su trabajo. Se trata de una cita para el intercambio de conocimientos prácticos y teóricos que se desarrollan desde hace dos años en el Antiguo Hospital Santa María la Rica, gracias a la colaboración del Ayuntamiento de Alcalá de Henares a través de la Empresa Municipal Promoción de Alcalá, S.A.

Además de los talleres, se organiza un programa diario de clases magistrales con cada uno de los maestros de Campus PHE, y además con la fotógrafa madrileña Ouka Leele. Una cita abierta al público y gratuita para todo aquel que desee compartir las experiencias y el recorrido de los autores.

Miércoles 22 junio. 20.00 h. Javier Vallhonrat
Jueves 23 junio. 20.00 h. Ernesto Bazán
Viernes 24 junio. 20.00 h. Oliviero Toscani
Sábado 25 junio. 20.00 h. Ouka Leele

Las clases magistrales se celebrarán en el Antiguo Hospital de Santa María la Rica (Santa María la Rica, 3-5; Alcalá de Henares-Madrid), para asistir es necesario recoger las entradas a partir de las 19.00 h en la propia sede.

Previsiones otoño en Ivorypress Art + Books.

Jean Prouvé | Gordillo, Socías y Arroyo.

Ivorypress Art + Books
Space I

Jean Prouvé
Belleza Industrial
Del 7 de septiembre al 12 de noviembre de 2011


Jean Prouvé | © Centre Georges Pompidou | Cortesía de Ivorypress.

Comisariada por el arquitecto británico Norman Foster y por el catedrático de proyectos arquitectónicos Luis Fernández-Galiano, esta exposición de Jean Prouvé recorrerá toda la carrera profesional de este excepcional artesano, diseñador e ingeniero francés. De la originalidad de sus primeras piezas de mobiliario a la sofisticación de sus sistemas constructivos posteriores, la obra de Prouvé es un ejemplo de compromiso con la prefabricación y la industrialización, pero también con una inagotable experimentación que hacen de él un caso único en la historia del diseño y la arquitectura del siglo XX.

La exposición estará ordenada de forma cronológica en diez secciones, cada una ellas con dibujos y fotografías originales, acompañadas de textos críticos. La muestra exposición contará con un gran número de piezas de mobiliario, maquetas de arquitectura y fragmentos de edificios, incluyendo la conocida Casa 6x6, un espectacular prototipo a escala natural que es también un manifiesto del interés de Prouvé por la ligereza y la prefabricación en la arquitectura.


Ivorypress Art + Books
Space II

Gordillo, Socías y Arroyo
CA-RO-TA
Del 8 de septiembre al 5 de noviembre de 2011


Gordillo y Arroyo | Foto. Jordi Socías | Cortesía de Ivorypress.

En el año 2010 el fotógrafo Jordi Socías realizó una fotografía para el País Semanal -en el marco del proyecto Parejas con mucho arte- de los pintores Eduardo Arroyo y Luis Gordillo juntos y disfrazados el primero de payaso y el segundo con orejas de Mickey Mouse al modo de atracadores.


La sesión fotográfica fue muy creativa y los resultados numerosos. Al final los tres artistas decidieron hacer una exposición con dichas fotos y las obras más originales de ambos pintores. Esta es la base de esta exposición que inaugurará la temporada de otoño en Ivorypress Art + Books Space II.

Ivorypress Art + Books
C/ Comandante Zorita 48

martes, 21 de junio de 2011

Inauguración Terraza Matadero - Los Claveles y Bravo Fisher

Enlace

Matadero Madrid estrena el próximo 29 de junio su nueva terraza-bar en la Plaza Matadero, acompañada de la instalación Archipiélago, del artista mexicano Jerónimo Hagerman, un sistema modular y móvil de islas vegetales, espacios verdes donde jugar, tumbarse a descansar y tomar unas cervecitas a la sombra.

La inauguración coincide con la fiesta de fin de temporada en Matadero Madrid. Para celebrarlo como queremos, bailando, hemos invitado a Los Claveles y Bravo Fisher. Los primeros suenan irremediablemente a los Pegamoides o Kaka de Luxe, a underground madrileño en versión veraniega y con ironía, mientras la definición perfecta de Bravo Fisher es electropop feliz y bailable.

Ese mismo día, los estudiantes de último curso de Bellas Artes de la UCM hacen una presentación pública de sus proyectos para El Ranchito. También podrás ver las exposiciones de PHotoEspaña 2011 en Abierto x Obras, el Café Teatro y la Nave 16.

Acuérdate de la fecha. Es el 29 de junio, miércoles, y tú también estás invitado.

Toda la información el la web de Matadero.

lunes, 20 de junio de 2011

La galería Helga de Alvear ha ganado el Premio Festival Off por la exposición de Isaac Julien, Ten Thousand Waves.


Yishan Island, Mist, 2010. Cortesía Galería Helga de Alvear © Isaac Julien. VEGAP. Madrid, 2011.

El Premio Festival Off es concedido por un jurado de expertos a una de las galerías del Festival Off tras valorar el planteamiento de la exposición, el valor artístico de los autores y las obras expuestas, así como el esfuerzo de la galería por presentar un proyecto específico para PHotoEspaña 2011.

El jurado, formado por José María Díaz-Maroto, comisario y conservador de la Colección Alcobendas de Madrid, Jaime Sordo González, coleccionista y Pascal Beausse, comisario de fotografía del Centre National des Arts Plastiques de París, ha premiado a la galería Helga de Alvear por la exposición Ten Thousand Waves, de Isaac Julien.

La nueva videoinstalación de Isaac Julien se rodó en China y contó con la participación de Maggie Cheung y Yang Fudong. La obra establece una relación poética entre el pasado y el presente, entre la leyenda y la realidad, entre la China milenaria y las ciudades en crecimiento constante de la actualidad, para aproximarse a los movimientos migratorios en el mundo y meditar sobre el mundo en permanente cambio en el que vivimos.

Hijo de inmigrantes caribeños, Isaac Julien nació en 1960 en Londres, ciudad en la que vive y trabaja. Ha expuesto de manera individual en el Centro Pompidou de París (2005), MoCA de Miami (2005) y en el Kerstner Gesellschaft de Hanover (2006). Está representado por las colecciones de la Tate Modern, el Pompidou y el Guggenheim. Nominado al Turner Prize en 2001, ha participado en la Documenta de Kassel (2002) y en la Bienal de Berlín (2005).

Han sido anteriores ganadores del premio Festival Off Saab: PHE10, Galería Casado Santapau (Boris Mikhailov, Yesterday's sandwich 1969/70), PHE09, Magee Art Gallery (Jin Shi, Accidentes); PHE08, Galería Moriarty (Nicolás Combarro, Línea de sombra); PHE07, Galería Magda Belloti (Juan Fernando Herrán); PHE06, Egam (Fran Mohino); PHE05, Distrito Cu4tro, (Naia del Castillo); PHE04, Guereta (El jardín de las delicias); PHE03, Oliva Arauna (Alfredo Jaar); PHE02, Elba Benítez (Imágenes nórdicas); PHE01, Oliva Arauna (Gabriele Basilico).

Toda la información en la web de PHE.

sábado, 18 de junio de 2011

Cornelis Zitman, Badri Lomsianidze y World Press Photo 2011.


La ruta que os propongo hoy es por la zona oeste de la ciudad, un poco alejada del centro, donde siempre hace menos calor y hay menos gente.
Se puede comenzar por el Conde Duque, reabierto recientemente (aunque hay más vallas y andamios que cuando pasé por allí hace dos meses) y del que sólo se ha inaugurado una parte. De todas formas, obras se están alargando por una buena causa, van a abrir un mirador.


En la nueva Sala 3 se puede ver una exposición muy amplia (103 esculturas, dibujos y algún cuadro ) de escultura de Cornelis Zitman. Estará allí hasta el 16 de octubre de 2011.


En su mayor parte son esculturas de bronce, algunas de tamaño considerable que hace te preguntes cómo guardan el equilibrio (mucho más que los mimos de Arenal). Otras, de yeso o resina, pero con una textura similar al mármol.


Os dejo un texto de Marta Traba, lo he leído cuando finalizaba la visita, y pienso que define muy bien la sensación que se tiene al contemplar las esculturas, sobre todo las de yeso, por aquello de que es un material más maleable.


Estamos ante un escultor que ha hecho y hace todo con sus manos. Ha inventado sus mejores y nunca ha usado un martillo, gubia o un cincel. Todo ha sido modelado, manoseado, acariciado. Imaginado, inventado.
Marta Traba.


Os muestro algunas de las obras más grandes, así sale también parte de la nueva sala, estéticamente igual que el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, que fue lo primero que se reformó.


Yo he continuado la visita hacia Moncloa, pero si no os apetece desplazaros mucho, muy cerca del Conde Duque tenéis la Galería Blanca Berlín y el Museo ABC, donde siempre hay algo interesante que ver.


Mi siguiente visita ha sido al Centro Cultural Moncloa, allí están las fotografías premiadas y las finalistas del World Press Photo 2011. No le queda mucho tiempo a la exposición (hasta el 26 de junio de 2011) y como cierra a mediodía, no me he entretenido demasiado en el Conde Duque.


Esta exposición es el resultado de unos premios concedidos a un determinado tipo de fotografía periodística. Además de las imágenes más conocidas que se han difundido en medios de comunicación, hay reportajes de prácticamente todas las desgracias naturales, accidentes y guerras que estuvieron en portada hasta hace nada.


Imagino que cualquiera que vaya a una exposición de este tipo ya sabe qué se puede encontrar, de todas formas os aviso de que hay series de fotos bastante duras. Hasta en la foto del Primer Premio de Naturaleza (fotografía de Thomas P. Peschak) la gaviota tiene cara de asesina.


Me quedo con un par de series de retratos: Las fotos del Sáhara de Andrew McConell, y el retrato del marinero ruso de Joost van der Broek.


Y para terminar, al Museo del Traje, por aquello de tomar algo en el jardín y huir del calor. Hay varias exposiciones temporales, pero la que me interesaba ver era Tramas, del fotógrafo Badri Lomsianidze, del que en unos días también se inaugurará otra exposición en el CEART de Fuenlabrada.


Lo primero que te llama la atención de esta exposición es lo bonitas, agradables a la vista que son las obras a pesar de qué, como veis en las imágenes, ni los "trajes", ni las fotografías que ha utilizado sean precisamente lugares paradisiacos.


El siguiente paso es acercarse a las obras a ver qué es realmente lo que estás mirando. Son fotografías, sí, unas sobre tejidos muy delicados, casi transparentes. Otras, sobre hierro, papel, lienzo, metacrilato.


Todos hemos jugado alguna vez con texturas en Photoshop, y sí, puede quedar bien, pero una vez ves el resultado que consigue este artista utilizando texturas reales, donde el tul (o gasa transparente) deja pasar realmente la luz y hasta parece que se mueve con el aire acondicionado.


La exposición es bastante más extensa de lo que os muestro, aunque quisiera no podría pasar a imágenes planas estas obras, así que os recomiendo que paséis por allí. ¿El mensaje? pienso que es una exposición más encaminada hacia los sentidos que a contar una historia.


Después del Museo del Traje se puede ir al Parque del Oeste, hay varias heladerías por la zona que también merecen una visita :) Disfrutad del fin de semana.

miércoles, 15 de junio de 2011

Tramas. Badri Lomsianidze.

Museo del Traje
Avenida de Juan Herrera 2
Hasta septiembre de 2011.
Toda la información en la web del museo.

Tramas, Badri Lomsianidze © Badri Lomsianidze.

Badri Lomsianidze (Kutaísi, Georgia, 1961) es un artista multidisciplinar que realizó la carrera de bellas artes especializándose en el campo del diseño textil. Desde el principio comprendió que los tejidos se podían relacionar, mejor que ningún otro material, con su forma de hacer arte. La flexibilidad y maleabilidad de las telas posibilitan su integración natural en los lienzos e instalaciones del autor, adquiriendo una importante densidad corpórea repleta de significados. Por otro lado, la naturaleza del textil y las cualidades expresivas que proporciona, estimulan la creatividad artística hacia vías de comunicación alegóricas de especial sutileza.

Tramas, Badri Lomsianidze © Badri Lomsianidze.

En las obras de Badri Lomsianidze se percibe un profundo equilibrio entre el expresionismo y la pureza de las formas clásicas. El perfil renacentista de un rostro de mujer o la representación de un bodegón tradicional conviven con el trazo impulsivo y enérgico que impregna toda su producción. Son piezas únicas, experimentales, espontáneas, pero siempre bellas. El placer visual y sensorial es una premisa para el artista, que ha ido evolucionando hacia formas y materiales de trabajo cada vez más armoniosos: la incorporación de transparencias, mayor suavidad en la paleta de colores y, sobre todo, la presencia destacada de tejidos ligeros y delicados.

Tramas, Badri Lomsianidze © Badri Lomsianidze.

La utilización de recursos tan heterogéneos contribuye a la creación de una obra que se caracteriza por su pluralidad semántica y técnica, además de por su marcado carácter propio y reconocible. Por otro lado, la intimidad que envuelve todo su trabajo no impide que el inquietante universo del artista esté abierto a la imaginación del espectador.

El público se deja llevar por escenarios decadentes y personajes que no pertenecen a ningún tiempo o lugar, para construir una historia propia de la que desconoce el final.

Organizada por: Subdirección General de Promoción de Bellas Artes

Curso intensivo de fotografía. Julio 2011.


Calendario: días 19, 20, 21, 22, 26 y 27 de julio de 2011
Duración del curso: 15 horas con una clase diaria de 2 horas y media.
Horario: de 19,00 a 21,30 horas.
Precio: 150 euros.

TEMARIO:
1. Presentación del curso
Contenidos, fines y objetivos.

2. La cámara
Tipología. Elementos y funcionamiento.
El obturador: velocidades lentas y rápidas, velocidad de sincronización, Bulb.

3. Las cámaras digitales
Tipos. Sensores. Formatos y tamaños. Equilibrio de blancos y otros ajustes.

4. Los objetivos fotográficos
Objetivos de focal fija y variable (zooms).
El diafragma: aberturas y profundidad de campo.
Modos de enfoque. Luminosidad.
Aberraciones y distorsiones.
El factor de multiplicación.

5. La medición de la luz
Sistemas de medición: matricial, central y puntual. Manual y automático.
Sensibilidad.
Ley de reciprocidad.

6. Composición. Aprender a mirar
Regla de los tercios, encuadre, equilibrio y puntos de interés.
El primer término

7. Los archivos digitales
RAW, JPEG y TIFF.

8. Visionado y análisis crítico de los trabajos de los alumnos.

9. Entorno de trabajo en el programa de edición de imágenes
Presentación del laboratorio digital.
Herramientas básicas para el tratamiento de la imagen: recortes, niveles, curvas.

Toda la información en la web de la escuela.

El mexicano Fernando Brito gana el Premio Descubrimientos PHE11 por su trabajo Tus pasos se perdieron con el paisaje.

Tus pasos se perdieron con el paisaje. Cortesía Fernando Brito © Fernando Brito.

PHotoEspaña, a través de un jurado internacional formado por expertos en fotografía, han concedido el Premio Descubrimientos PHE 2011 al fotógrafo Fernando Brito (México, 1975) por el trabajo Tus pasos se perdieron con el paisaje. El Premio permitirá a Brito formar parte de la programación de PHotoEspaña 2012.

El porfolio, presentado al visionado celebrado en el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de Madrid los pasados 2, 3 y 4 de junio, fue realizado en 2010.

Fernando Brito trabaja con la idea de que, volviéndose parte de la cotidianidad, la violencia ha alcanzado niveles inimaginables en algunas zonas de México, su pais. La gran cantidad de asesinatos vuelve inmune a la sociedad y se convierte en un espectáculo más en que la mayoría participan solo como espectadores inconformes, pero callados ante las injusticias. Todos aceptan así ser parte de la misma cotidianidad, viendo a su vez, a los cadáveres como culpables, sin conocer su historia, por el hecho de polemizar en su final, relacionándolo inmediatamente y juzgando para justificar su muerte. Con este proyecto, Brito quiere mostrar a la persona que yace tirada como individuos que dejan tras de su desaparición familia y dolor.

Persigue asimismo que no se vea como una cifra lo que es un ser humano, mostrando que algo está mal, que una muerte de esas características no es algo normal, tratando de provocar sensibilidades. La serie intenta crear conciencia y reflexión sobre la situación de violencia de su pais.

Las imágenes de Fernando Brito no se dejan llevar por lo extremo de la escena, ni se recrean en el morbo del cuerpo asesinado. Lo realmente perturbador de sus imágenes es su tratamiento limpio, sereno y distante. Su trabajo reflexiona y denuncia como la muerte se convierte en un elemento cotidiano que se integra en el paisaje, donde las quejas no se convierten en acciones, sino en un retrato a los ejecutados que son abandonados en las afueras de la ciudad. En este contexto retrata "a estos cuerpos inermes buscando la soledad de la muerte y así trato de crear conciencia sobre esta dura realidad y su enorme impacto social".

Tus pasos se perdieron con el paisaje. Cortesía Fernando Brito © Fernando Brito.

Fernando Brito (Culiacán, 1975) estudió Marketing en la Universidad de Occidente, Sinaloa. Cursó diversos talleres de fotografía. Es fotoperiodista y editor de fotografía del periódico de Culiacán El debate(México). Su obra ha sido incluida en numerosas exposiciones colectivas en México. Recientemente participó en la muestra Expofotoperiodismo en el Museo Archivo de la Fotografía. De manera individual presentó La vida es una caricatura en el Museo de Arte de Mazatlán en 2007. Obtuvo primer lugar en la 12a Bienal de Artes Visuales del Noreste y en la Bienal del Salón de la Plástica de la Universidad Autónoma de Sinaloa 2010. Participó en el V y VI Simposio Internacional de Fotografía Mazatlán. Su trabajo ha sido publicado en los periódicos Excélsior y La Jornada, y en las revistas Aduanas, Time, Picnic y Phot. En 2011 ha sido premiado en el World Press Photo con el tercer puesto en la categoría de noticias generales con este mismo trabajo presentado en Descubrimientos PHE.

El jurado del Premio Descubrimientos PHE ha estado compuesto por Thomas Seelig, comisario de fotografía del Winterthur Fotomuseum de Zurich; Edward Robinson, comisario de fotografía de Los Angeles Museum of Art LACMA, y Enrico Bossan, director de la editorial de Colors.

En anteriores ediciones han sido premiados Vanessa Winship, Alejandra Laviada, Yann Gross, Harri Palviränta, Stanislas Guigui, Vesselina Nikolaeva, Comenius Röthlisberger, Pedro Álvarez, Tanit Plana, Sophie Dubosc, Juan de la Cruz Megías, Paula Luttringer y Matías Costa.

Toda la información en la web de PHE.

Yoio Cuesta, A Todo Jazz 2011.

En realidad actuaron Yoio Cuesta & Little Big Band, pero resultaba complicado fotografiarla a ella sola entre tanto micro, soportes de partituras, cables, y cinco músicos en 8 metros cuadrados, como para complicarse con el resto.
Están en blanco y negro porque la luz (última hora de la tarde) era casi tan horrible como el fondo. Otra cosa es la música, la temperatura al anochecer, y la terraza en el mismo lugar del concierto.


He subido algunas fotos más aquí, y aquí os dejo su Myspace.

martes, 14 de junio de 2011

Retratos. Una exposición fotográfica.

Círculo de Bellas Artes
Azotea
Calle Alcalá 42
Horario: de 11:00 > 14:00 y de 16:00 > 21:00
Precio:2€
Del 21 de junio al 31 de julio de 2011.
Toda la información en la web del CBA.


Colección de retratos a cargo de los estudiantes del Master de Fotografía de la Escuela de Fotografía y Centro de Imagen de Madrid (EFTI). Diversas ópticas y puntos de partida aportan una visión coherente y sugestiva sobre uno de los géneros más atractivos de la fotografía, protagonista imprescindible de las últimas tendencias de la imagen contemporánea.

Organiza: EFTI

Retratos.Jóvenes fotógrafos.

AC Mediodía Chica
Calle Mediodía Chica 10
Desde el 17 de junio de 2011.
Toda la información en www.mediodiachica.com/blog/



Coincidiendo con PHE11 Festival, desde A. C. Mediodía Chica aporta una muestra de jóvenes fotógrafos que utilizan el retrato como su principal forma de expresión. Os invitamos a que conozcáis su trabajo en la exposición que inauguramos este viernes 17 de junio a las 20.00 h.

Los artistas de la muestra son: Beatriz Domingo, Eduardo B Muñoz, Eva Casanueva, Jessica Rossi, Juan Cobo, M Cosano, María Romagosa, María Zarazúa y Verónica Fieiras.

lunes, 13 de junio de 2011

Ganadores PHotoMaratón PHE 2011.

Os presentamos a los ganadores del PHotoMaratón Mahou que se celebró el pasado 11 de junio en Madrid.

El jurado, compuesto por Fernando Maquieira (fotógrafo), María Giménez (periodista) y Eider Bolinaga (en representación de Mahou) ha decidido esta mañana dar los siguientes premios:


PRIMER PREMIO
Francisco Giménez Peralta
1000 euros y 52 cajas de cerveza Mahou


SEGUNDO PREMIO
Ana Romero Oses
500 euros y 26 cajas de cerveza Mahou


TERCER PREMIO
Santiago Povedano Marcos
250 euros y 12 cajas de cerveza Mahou

¡Muchas gracias a todos por participar y felicidades a los ganadores!

Toda la información en la web de PHE.