miércoles, 31 de agosto de 2011

Latidos. Cecilia Paredes - Luis González Palma.

Blanca Berlín Galería
Calle Limòn 28 - Plaza Guardias de Corps (frente al Conde Duque).
Horario: lunes a sábado de 10.30h a 14.30h y de 17h a 21 horas.
Del 15 de septiembre al 26 de noviembre de 2011.

Autores: Cecilia Paredes (Perú) y Luis González Palma (Guatemala).


El latido es un susurro que emerge desde el interior. Escuchar lo que late dentro de nosotros significa atender a las necesidades anímicas menos racionales, a las pulsiones profundas que nos definen como hombres y como individuos.

Asimismo, escuchar simbólicamente el latido de las cosas o de la naturaleza supone ver más allá de sus apariencias, desvelar su razón de ser, aquello que es esencial pero nunca evidente.


El trabajo de Luis González Palma es el reflejo de su incesante mirada hacia el interior. Mediante un exhaustivo proceso de introspección, el artista rescata sus memorias y da forma a sus reflexiones para crear su particular cartografía personal, ofrecida al espectador a través de retratos y escenografías. Cecilia Paredes, sin embargo, realiza una dilatada búsqueda más allá del epicentro humano, principalmente en la naturaleza, para elaborar un mapa de sí misma en el que todos los elementos adquiridos del exterior laten al unísono.

Esta exposición forma parte de APERTURA 2011(organiza ArteMadrid).

Proyecto Juárez

Matadero de Madrid
Nave 16
Pº de la Chopera 14
Plaza de Legazpi
Del 17 septiembre al 13 de noviembre de 2011.
Toda la info en la web de Matadero

Sobre la masculinidad, el ejercicio de la violencia y el poder vertical.



Ciudad Juárez ha sufrido una transformación social en las últimas décadas. Lo que antes era un destino atractivo por sus ofertas de empleo en la industria ganadera y algodonera se ha visto radicalmente cambiado al incorporarse una maquiladora textil, comenzar la guerra contra el narcotráfico y las cifras crecientes de casos impunes de mujeres asesinadas. El resultado ahora es un éxodo masivo y una fuerte presencia militar y las oportunidades laborales de los jóvenes se reducen a estas plantas de ensamblaje, a las filas de policía o a las del crimen organizado.

Aquí nace el Proyecto Juárez, como una reflexión sobre las formas de dominación y discriminación, e interesado en explorar la relación entre la construcción de la masculinidad, el ejercicio de la violencia y las formas de poder vertical. La selección de artistas para el Proyecto corresponde a un acercamiento al tema del género desde la mirada del hombre (entendiendo por masculinidad al conjunto de atributos asociados tradicionalmente a este rol: fuerza, virilidad, triunfo, valentía, seguridad y competición).

Del 2006 al 2007 se estableció residencia para 14 artistas en Ciudad Juárez, donde fueron a vivir y a trabajar, ofreciéndoles un amplio grado de flexibilidad en tiempo y formatos, generándose así una enorme diversidad de perspectivas y métodos. Los artistas son Carlos Amorales, Gustavo Artigas, Artemio, Democracia, Eván Edeza, Enrique Jeik, Ramón Mateos, Joshua Okón, Antonio de la Rosa y Santiago Sierra. Los resultados de sus experiencias se exhiben en salas de museo y otras se desarrollan en la Red. Del 17 de septiembre al 13 de noviembre, gracias al comisariado de Mariana David, podemos verlas en la Nave 16 de Matadero Madrid.

El Proyecto Juárez ha sido una iniciativa de El Palacio Negro A.C.

martes, 30 de agosto de 2011

Jorge Perianes "Categorías".

Matadero de Madrid
Abierto X Obras
Plaza de Legazpi
Pº de la Chopera 14
Del 18 de septiembre al 13 de noviembre de 2011.
Toda la info en la web de Matadero.


ST, 2007. Madera, pintura acrílica encolada. 172 x 114 cm. © Jorge Perianes

En Categorías nos encontramos con una pieza ambiciosa tanto en cuestiones formales como conceptuales. Perianes trata de aunar en un solo golpe de vista una situación de contrarios, dos conceptos o categorías simbólicas que bien podrían corresponder a un sótano (donde se gesta la vida y se hallan las raíces) y a un desván (donde se guardan los recuerdos y el saber, lugar de reflexión y muerte). En esta instalación Perianes hace un ejercicio sobre el espacio de Abierto x Obras desde las categorías, conceptos filosóficos básicos con los que opera el pensamiento, que al oponerlos a su contrario revelan su estructura íntima.

“Aprendes a mirar los cuadros expuestos en las galerías de pintura como si fueran trozos de pared, de techo, y las paredes, los techos, como si fuesen lienzos en los que sigues infatigable las decenas, los miles de caminos siempre recomenzados, laberintos inexorables, texto que nadie sabría descifrar, rostros en descomposición”. (G. Perec, Un hombre que duerme).

Apertura 2011 - ArteMadrid.


En los días 15, 16 y 17 del próximo mes de septiembre Madrid se convertirá en un punto de ebullición del arte contemporáneo. Con la celebración de APERTURA 2011, cerca de cincuenta inauguraciones simultáneas y un amplio programa de actividades en museos y centros de arte potenciarán nacional e internacionalmente la creación plástica y las industrias culturales españolas.

Toda la informacion en www.artemadrid.com

lunes, 29 de agosto de 2011

Ernesto Bazan "Al Campo / Bazan Cuba.

Galería Rita Castellote
Calle San Lucas 9
Desde el 22 de septiembre.
Toda la información en la web de la galería.
www.bazanphotos.com

La Galería Rita Castellote abre la temporada 2011-2012 con el reconocido fotógrafo siciliano Ernesto Bazan.

Fotografía © Ernesto Bazán

La exposición contará con fotografías de sus dos publicaciones más recientes “Al Campo”(2011) y “Bazan Cuba”(2008), junto a ediciones limitadas de ambos libros.
“Tuve un sueño cuando tenía 17 años. Escuché una voz que me dijo cuatro palabras:
-Tienes que ser fotógrafo-”
“Me interesa la vida cotidiana de gente que, por suerte, nunca será parte de sucesos noticiosos. Fotografío lo más banal, lo obvio y lo anodino porque ahí siento que encuentro la poesía más íntima de la condición humana, todo el abanico de sentimientos y emociones que son parte de nuestra existencia diaria”.

Nacido en 1959 en Palermo, Bazan recibió su primera cámara a los 14 años, cuando empezó a fotografiar la vida cotidiana de su ciudad natal y las zonas rurales de Sicilia. Bazán ha publicado diferentes libros: “El Pasado Perpetuo”, “Passing Through”, “Los Primeros Veintes Años”, “Isla y Molo Nord”. En el 2008, su nueva editorial BazanPhotos Publishing publicó su nuevo libro “Bazan Cuba” que cuenta 14 años de su vida y fotografía en la isla. El libro ganó el premio como mejor libro fotográfico en el festival de fotografía de Nueva York en mayo del 2009.

Bazan ha expuesto en Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. Sus fotografías forman parte de colecciones y museos entre ellos el MoMA Y el ICP de Nueva York, el SFMoMA en San Francisco, el Museo de Bellas Artes de Houston, el Center for Photographic Studies en la universidad de Duke en Durham, el South East Museum of Photography en Daytona, la Fundación de la Fotografía en Turín entre otros.

Desde el 1992 hasta el 2006 documentó el Periodo Especial en Cuba. Gracias a este trabajo ha ganado los premios fotográficos más prestigiosos a nivel internacional como el W. Eugene Smith, el Dorotea Lange-Paul Taylor Prize, el World Press Photos, además de dos becas de la Fundación Alicia Patterson y una de la Fundación Guggenheim.

Fotografía © Ernesto Bazán

Al Campo
Un retrato de la dura, simple y, aún así, hermosa vida en el campo. Estas imágenes cuentan la vida de sus amigos campesinos en su cotidianeidad: arando la tierra, cosechando sus cultivos, educando a su familia, criando a sus animales, matándolos y comiéndoselos para poder sobrevivir.
Bazan compartió rituales íntimos con ellos: comer las meriendas, fumar cigarros con sabor a azúcar, tomar ron dulce al hablar de la vida de ellos y de la suya. Como lo escribió en los agradecimientos de Bazan Cuba: “Mi manera de fotografiar cambió. Tomar fotos se volvió casi parte del ritual – dejó de ser mi mayor prioridad”.

En el proceso de la edición de Al Campo, Bazan tuvo más de 70 estudiantes involucrados en ayudarlo a convertir todas sus fotografías en un libro. Todos sus consejos fueron aprovechados para mejorar la producción del libro: desde la diagramación hasta la secuencia de las imágenes. “Mientras más ayuda recibimos de los estudiantes para la producción de nuestros libros, más nos convencemos de que la edición coral es la mejor y única manera de poder hacer libros en estos tiempos”.

Bazan Cuba
“Recién llegado a la isla por primera vez y casi por casualidad, en el otoño de 1992, inicié una historia de amor que duró 14 años. En las calles de La Habana volví a encontrar mi niñez perdida e inconscientemente buscada en vano durante muchos viajes por el mundo.

Por muchos años había deseado a Cuba como se desea a una mujer que una vez que la encuentras ya no te la quitas más de la cabeza. Estoy casi seguro de haber vivido ahí en otra vida.

Ahí encontré mi compañera de vida Sissy y de esta unión nacieron nuestros gemelos Pietro y Stefano.

Gracias a las fotografías sacadas en mi incesante deambular por la isla, he tenido el privilegio de ganar algunos de los más importantes premios de fotografía de reconocimiento internacional entre los cuales vale la pena mencionar el W. Eugene Smith Fund considerado el Oscar de la fotografía documental mundial, el primer premio en la categoría de vida cotidiana en el World Press Photo, y una beca de la prestigiosa Fundación Guggenheim.

Fotografía © Ernesto Bazán

Ernesto Bazan

Ernesto Bazan y Cuba
Ernesto Bazán llegó a Cuba en 1992 y, tras 14 años retratando la realidad de la isla, el fotógrafo abandonó el país. Pero, a pesar de su marcha, Cuba no salió de Bazan. Así lo evidencia la cruzada de este fotógrafo por convertir el material que captó en un manifiesto de amor por la gente y los paisajes urbanos y campesinos de la isla.

Desde 1992 a 2006, año en el que tuvo que salir del país por presiones políticas, Bazan ejerció el privilegio del ojo y del dedo, y plasmó su visión en películas a blanco y negro, mismas que, asegura, se niega a dejar.

"Soy un dinosaurio, seguiré tomando fotos a blanco y negro, ocasionalmente a color. Confieso que me fascinan las cámaras digitales, pero, todo tiene su tiempo", dice el fotógrafo.
Bazan asegura que no fue su labor como fotógrafo lo que le obligó a salir de Cuba, sino sus talleres. Enseñar lo que sabe propició que desde 2006 sea una persona non grata para el régimen comunista. Y para ello, no importó que hubiera sido un privilegiado por sus fotografías del Ejército cubano o del líder Fidel Castro.

"Soy persona non grata debido a mi libro. Lo supe por casualidad, no tuve que regresar a Cuba y que mis hijos se enteraran así", dice el fotógrafo.

Según él, al régimen le molestó que algunas fotos, tomadas sobre todo en el periodo de crisis económica conocida como Periodo Especial. "Son bastante duras porque son de la vida cotidiana, se ve el derrumbe de todo, de la ideología, de la vida de la gente".

Un día, hace cuatro años, Bazan empacó cámaras, archivos y una vida de 14 años que incluye una esposa y dos hijos, y desembarcó en Veracruz, donde ahora vive y completa casi una década impartiendo talleres de fotografía.

"No me sentía fotoperiodista", dice. "Trabajé 20 años para Newsweek, Time y el New York Times pero hacía más reportajes de viaje". Bazan agrega que "de las asignaturas aburridas pasé a dar talleres de fotografía (…) no tenía idea de que iba a ser buen maestro. Pero ya llevo nueve años y los talleres siguen creciendo".

"Soy un fotógrafo callejero, de la vida ordinaria, rutinaria, dice Bazan, mientras manipula con cariño su cámara, pensando en las siguientes tomas, a blanco y negro.

"Siempre tengo que conjugar forma y contenido (…) es la clave para que una foto llegue al alma. La gente no necesita ser fotógrafa, pero con ello puede guardar su dignidad".

Mitch Epstein - Prix Pictet 2011 sobre Sostenibilidad .

Real Jardín Botánico
Plaza de Murillo 2
Del 6 de octubre al 31 de diciembre de 2011.

Artículo de Elsa Fernández-Santos para El País.

Las esculturas energéticas de Mitch Epstein
El fotógrafo estadounidense obtiene el Prix Pictet 2011 sobre Sostenibilidad.

Mitch Epstein trabajó durante cinco años en el proyecto que esta semana obtuvo el Prix Pictet de Fotografía sobre Sostenibilidad del medio ambiente. Viajó por Estados Unidos, de Estado en Estado, en busca de los devastadores efectos, en la tierra y también en los habitantes, de la sed energética del país. Con el nombre American Power, en 2009, decidió que era hora de dar carpetazo a la serie. 63 fotografías que ahora han logrado este premio de 80.000 euros patrocinado por el banco suizo Pictet & Cie y el Financial Times.


Orgullo contaminante © Mitch Epstein

Epstein ha sido seleccionados entre 12 finalistas: Christian Als, Edward Burtynsky, Stéphane Couturier, Mitch Epstein, Chris Jordan, Yeondoo Jung, Vera Lutter, Nyaba León Ouedraogo, Taryn Simon, Thomas Struth, Guy Tillim y Michael Wolf. "Es difícil contemplar esta exposición sin conmoverse, incluso indignarse", señaló el jueves Kofi Annan en la entrega en París del galardón. "Sin embargo, a pesar de lo sombrío del mensaje, la creatividad y espíritu de estos artistas también nos ofrece la esperanza de que nosotros, la raza humana, podemos buscar, concertar y dar respuestas a estos desafíos. Quiero felicitar a cada uno de los fotógrafos por la fuerza y la belleza de su trabajo".

Epstein explica, en conversación telefónica desde París, que trabaja con una cámara de gran formato (lo que le obliga a viajar con un asistente) y que se piensa mucho cada imagen que toma. "Yo busco la fotografía que se convierte en escultura. Me interesa la cámara como lupa, como arma amplificadora. Fotografío con intención y con planificación".


Vestigios invisibles © Mitch Epstein

"El proyecto nació en 2003 por un encargo de la revista de The New York Times, querían que fotografiara un pueblo de Ohio, Cheshire, que había muerto como consecuencia de la contaminación que generaba una central eléctrica y donde solo quedaban algunas personas mayores que se resistían a dejar sus casas. A partir de aquel viaje quise seguir el rastro de otros lugares como aquel". Epstein cree que American Power es el retrato de una época altamente contaminante (la de George Bush) y que por eso, durante una beca en Berlín en 2008, decidió entrar en su recta final. "Trabajo con la intuición, pero muchas veces incorporo elementos sorpresa. Nunca hago más de 20 fotos al día, la media suele ser cinco. Y todas ellas buscan pertenecer a un discurso artístico alejado de la propaganda"

El Premio Prix Pictet seguirá exponiéndose en varias salas internacionales a lo largo de 2011, incluyendo Madrid (Jardín Botánico, de octubre 2011 a enero de 2012).

ArtCore 2.0

Antigua Fábrica de Tabacos
Calle Embajadores 53
Hasta el 5 de octubre de 2011


sábado, 27 de agosto de 2011

Mirando las Estrellas, Jordi Socías.


Muchas veces os recomiendo libros de fotografía. En alguna ocasión son ofertas que me encuentro, pero en esta ocasión más que oferta lo definiría como ganga.
Esta mañana he visto en la librería del Museo ABC esta caja con 38 postales-retratos de actores, directores de cine, músicos... Está en un rincón, y aunque he comprado dos, todavía les quedan un montón.

No se me olvida el precio :) la caja cuesta sólo 2 euros.

viernes, 26 de agosto de 2011

CA-RO-TA , Arroyo-Gordillo-Socías.

Ivorypress Art + Books Space II
Calle Comandante Zorita 46
Del 7 de septiembre al 5 de noviembre de 2011


Retrato de Eduardo Arroyo y Luis Gordillo | Foto. Jordi Socías, Madrid 2010 | Cortesía de Ivorypress

Ivorypress Art + Books Space II presenta –del 8 de septiembre al 5 de noviembre– CA-RO-TA, un proyecto expositivo de los pintores Eduardo Arroyo y Luis Gordillo y el fotógrafo Jordi Socías. La muestra reúne por primera vez a estos tres artistas.

La creatividad de una sesión fotográfica que Socías realizó con los dos artistas, ha sido el punto de partida para la creación de las obras que Gordillo y Arroyo presentan en esta exposición en Ivorypress Art + Books. Las piezas muestran rostros y caras "reflejando un deseo de teatralidad en un contexto irónico", tal y como explica Luis Gordillo. Junto a las obras de los dos creadores españoles, se expone una selección de fotografías de Jordi Socías en las que se percibe la complicidad y la conexión entre Arroyo y Gordillo. La distorsión de la cara que presentan los retratos del fotógrafo catalán enlaza con el expresionismo y el sarcasmo de las piezas de los pintores.

Eduardo Arroyo (Madrid, 1937) es un artista clave de la nueva figuración española y su estilo, marcado y reconocible, le ha convertido en uno de los iconos del arte contemporáneo.

Luis Gordillo (Sevilla, 1934) es una de las principales figuras del arte abstracto contemporáneo en España y cuenta con un gran reconocimiento internacional.

Jordi Socías (Barcelona, 1945) en su trabajo como fotógrafo ha retratado a personajes dispares e iconos del arte y de la política así como innumerables acontecimientos de la actualidad nacional e internacional.

jueves, 25 de agosto de 2011

Carlos Pazos, Poso de Batallas.

Galería Michel Soskine INC.
Calle Padilla 38 1º Dcha.
Horario: Martes-Sábado: 10.30-14.30 horas / 16:30-20.00 horas.
Del 15 de septiembre al 5 de noviembre de 2011.
Toda la información en la web de la galería.


¿Vida resuelta?, 2010

El artista Carlos Pazos (Barcelona, 1949) presenta del 15 de septiembre al 5 de noviembre en MICHEL SOSKINE su trabajo más reciente bajo el título Poso de Batallas. La muestra, primera exposición individual del artista en la galería, reúne 16 esculturas-objetos, dos collages y un vídeo producidos entre 2009 y 2011.

Muñecas flamencas, guitarras de juguete, bolas de discoteca, tocadiscos de plástico, despojos de juegos de mesa o teléfonos estropeados... son algunos de los fetiches o elementos “ferozmente inútiles” que componen las instalaciones y objetos del artista catalán.

Solo enumerando las obras que componen la muestra debemos romper con la definición convencional de escultura. Y es que tal y como lo define el crítico de arte español Arnau Puig, Pazos despliega "una amalgama de diversos objetos que ofrecen la forma de una imagen". Sus piezas generan un entramado de correspondencias y conexiones cargadas de humor con un tinte de lo absurdo. El humor es solo la epidermis de un enigma más profundo que trasciende el kitsch y los estereotipos. Obras como El Cerdo y El Cisne, Asesinato en el Taller de Romero de Torres (2009) o Nota de Fondo (2010) presentadas en la exposición, describen lo que Pazos ha llamado Poso de Batallas. Se componen de sedimentos vitales, los despojos de la cruzada arqueológica que hace de sí mismo, los souvenirs reconstruidos y renacidos a una nueva dimensión.



Asesinato en el taller de Romero de Torres, 2009


Descontextualización

Pazos extirpa el significado original a los objetos de su deseo (retomando la expresión bretoniana). Heredero de la “revolución del objeto” iniciada por Duchamp y llevando a sus últimas consecuencias el “Ceci n’est pas une pipe” de Magritte, disocia al objeto de su palabra, del concepto acordado socialmente por medio del lenguaje, alterando nuestros referentes habituales para comprender la realidad.

Por medio de la descontextualización otorga una nueva dimensión a esas realidades, que adquieren nuevos significados y asociaciones. “Pazos es el creador de un fabuloso cuerpo de obras a partir de productos culturales en desuso. Su mirada reinventa lo cotidiano revistiéndolo de una apariencia deslumbrante. Trabaja con fragmentos de una memoria no vivida, pero que reconocemos. Nos sumerge en una ficción lúdica e irreverente repleta de fetiches”, explica Ana Martínez de Aguilar, directora del Museo Esteban Vicente y ex directora del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, pinacoteca que acogió en 2007 una retrosprectiva sobre la obra de Pazos.


Detalle de El cisne y el cerdo, 2009

La obra de Pazos requiere una aproximación intuitiva: Conviene dejarse golpear por ella antes de interpretarla. Solo así accederemos a la lógica de su universo y a su pathos, palabra no en vano homófona de su nombre, Pazos.

El significado de su obra está abierto a tantas interpretaciones como sensibilidades las perciban. A veces al descifrarlo resulta contradictorio o inescrutable. Pretende generar conexiones inesperadas en el espectador, espolear sus propias asociaciones. El significado por tanto es libre, pero no nacido del azar sino de una laboriosa arqueología de souvenirs, "un arte de la memoria", en sus propias palabras, donde ninguna imagen es inocente.

Pazos reivindica la validez de su mirada de artista, dando una nueva dimensión a objetos y emociones descartadas por otros. Siempre provocador, haciendo brecha en lo incuestionable, nos urge a tomar una postura, a averiguar quién somos y qué hacemos aquí. En palabras de Manuel J. Borja-Villel, director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía esa "unión de objetos [...] situados en la memoria por mucho que sean recientes [...] capaces de abrir brechas de sensibilidad que nos permiten entender mejor el papel del arte hoy en día".

Carlos Pazos es Premio Nacional de Artes Plásticas (2004) y Premio Nacional de Artes Visuales de la Generalitat de Cataluña (2008). Estudió Arquitectura, Filosofía y Diseño. Su primera retrospectiva No me Digas Nada tuvo lugar en el MACBA (Museu d'Art Contemporani de Barcelona) y en el MNCARS (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), y pronto viajará al Museo de Arte Contemporáneo de Sao Paulo. Recientemente expuso Goldpazos en la Fundación Vila Casas de Gerona.

"mobile eyephoneography"

Fnac Plaza Norte
Del 2 de septiembre al 25 de octubre de 2011
Inauguración el 2 de septiembre a las 19.00h (entrada libre).
Toda la informacion en la web de ClubCultura.com


Spring, 2010 © Carlein van der Beek. Disponible en edición limitada y firmada por el autor en eyephoneography.com


¿Qué es "mobile eyephoneography"?

La exposición colectiva de fotografías realizadas con smartphones recorrerá varias tiendas Fnac durante 2011 y 2012 y te ofrece participar en diferentes actividades relacionadas.


I can’t afford to love NY, 2010 © Greg Schmigel. Disponible en edición limitada y firmada por el autor en eyephoneography.com

Presentamos esta selección de las dos primeras ediciones del proyecto eyephoneography, una muestra que incluye tres obras de cada uno de los ocho fotógrafos que han participado hasta el momento en esta iniciativa internacional: Carlein van der Beek (Holanda), Matt Burrows (EE.UU.), Sion Fullana (España), Stefano Giogli (Italia), Marco La Civita (Italia), MissPixels (Canadá), Jordi V. Pou (España) y Greg Schmigel (EE.UU.).

Se trata de la primera exposición itinerante de fotografías realizadas, procesadas y compartidas mediante smartphones.

Los objetivos de eyephoneography son ofrecer un nexo de unión entre los mundos online y offline de la fotografía móvil, apoyando su consolidación como nueva forma de expresión fotográfica. Para ello, ofrece a aquellos fotógrafos que usan sus smartphones como principal herramienta de creación oportunidades para exponer su obra.


The shadows, 2010 © Jordi V. Pou. Disponible en edición limitada y firmada por el autor en eyephoneography.com

eyephoneography parte de las creaciones de esta comunidad de fotógrafos móviles para reflexionar sobre las mutaciones en los modos de creación, comunicación y acción que se están produciendo en nuestra sociedad. Además, la fotografía móvil cuenta con un gran potencial para generar cambio social allí donde es necesario, no solo a través de la democratización de la "herramienta" fotográfica, sino también a través de acciones específicas en colaboración con actores sociales determinados.


We must talk, 2009 © MissPixels. Disponible en edición limitada y firmada por el autor en eyephoneography.com

La exposición mobile eyephoneography surge como resultado de la colaboración entre Fnac y eyephoneography, reflejando los intereses y puntos de vista que ambas partes comparten sobre el papel de la cultura y la fotografía en nuestra sociedad. Desde su origen, Fnac ha tenido en la fotografía una de sus señas de identidad más reconocibles y ha llevado a cabo una labor cultural acompañando su actividad comercial con exposiciones, proyecciones y encuentros entre artistas, autores y público, contribuyendo así de forma determinante a la difusión de la cultura.


Have a seat, 2010 © Matt Burrows. Disponible en edición limitada y firmada por el autor en eyephoneography.com

La exposición, comisariada por Rocío Nogales Muriel, creadora del proyecto eyephoneography, viajará durante más de un año por las Galerías Fnac de diversas ciudades españolas. Las obras se irán renovando a medida que se celebren las ediciones anuales de eyephoneography. Tanto la comunidad local de fotógrafos móviles como curiosos y principiantes podrán participar en la actividad abierta a todos los públicos que se ofrecerá durante la inauguración de cada una de las exposiciones.


Kryptonite on steroids, 2010 © Marco La Civita. Disponible en edición limitada y firmada por el autor en eyephoneography.com

Todas las fotografías incluidas en esta exposición se encuentran a la venta en series limitadas de 10 ejemplares, firmadas por el autor, a un precio de 100 € (sin enmarcar), así como el catálogo de eyephoneography #2 (35 €). Si estás interesado en adquirirlas escribe a info@eyephoneography.com

Más información en eyephoneography.com

Fotógrafos móviles

mobile eyephoneography incluye tres obras de cada uno de los ocho fotógrafos móviles que han participado hasta ahora en el proyecto:

La holandesa Carlein van der Beek (©arlein) nos deleita con su particular visión de un universo contemporáneo personal que refleja su formación en pintura abstracta y fotografía. Como con un susurro y con elegancia, esta creadora hace suyo el poder de la tecnología para trasladar su visión pictórica en técnica mixta a imágenes de fotografía móvil.


The Broadway Beauty, 2010 © Sion Fullana. Disponible en edición limitada y firmada por el autor en eyephoneography.com

Matt Burrows redescubrió la fotografía gracias a su smartphone. Inspirándose en la obra de William Eggleston, comenzó a capturar sus composiciones llenas de color con particulares puntos de vista y extrañas conexiones entre objetos que, junto a la ausencia de seres humanos y una exagerada saturación, provocan significados inesperados en escenas familiares y objetos cotidianos.

Sion Fullana, vive en Nueva York y concentra su particular mirada en la realidad urbana de esta ciudad, a la que dota de un poderoso halo de misterio y admiración. De este escenario excepcional emergen temas y sujetos únicos envueltos por una delicada selección cromática.

Los actos, los objetos y la gente que conforman la rutina diaria del italiano Stefano Giogli se transforman en magistrales composiciones fotográficas a caballo entre los sueños y la realidad. Las imágenes seleccionadas pertenecen al proyecto "Instant notes" en el que el fotógrafo se apropia de su smartphone para usarlo como cuaderno de notas visual.

Las creaciones de Marco La Civita son el resultado de una curiosidad por los objetos y texturas que habitan las calles de nuestras ciudades, cuya estética y simbolismo captura. En medio de este particular telón de fondo urbano su atención se concentra en detalles reveladores, ángulos impensables y relaciones secretas entre elementos de nuestro día a día.

MissPixels es el nombre en clave tras el que se esconde Isabelle Gagné. Esta diseñadora gráfica canadiense compone imágenes con temas imposibles, ángulos y composiciones oníricos, envueltos todos ellos en texturas tan plásticas que evocan la materialidad de la pintura.

El proyecto "Kokovoko" del español Jordi V. Pou debe su nombre a la isla citada por Melville en Moby Dick, que no aparece en ningún mapa. Para Pou, esta serie simboliza un viaje de vuelta desde lugares lejanos hasta las escenas familiares que se reinventan con cada nuevo disparo.

Greg Schmigel ofrece a los apasionados de las ciudades americanas la oportunidad de disfrutar de los latidos de estas urbes globales a través de sus rotundas imágenes en blanco y negro. Estas evocan escenas congeladas de largometrajes noir o viñetas de comics enraizadas en nuestra memoria visual, invitándonos a observar sin ser observados.


Instant Notes #9, 2010 © Stefano Giogli. Disponible en edición limitada y firmada por el autor en eyephoneography.com


Actividades paralelas

eyephoneography te propone participar en diversas actividades relacionadas con la fotografía con smartphones durante el tiempo que dure la exposición en tu ciudad.

Primera parada:

Fnac Plaza Norte, Madrid

El viernes 2 de septiembre a las 19.00h te invitamos a la inauguración.

Además, la organización de eyephoneography te anima a que colabores a transmitir el espíritu de la muestra durante ese día: de 17 a 20 horas haz fotos de la exposición con tu móvil y publícalas bien en la página de Facebook de eyephoneography o bien en Flickr, Twitter o Instagram con el tag #mobile_eyephoneography_madrid mencionando @eyephoneography.

El autor de la mejor fotografía recibirá un catálogo de eyephoneography #2 y una tarjeta regalo Fnac por valor de 50 euros. El fallo se hará público en eyephoneography.com el viernes 9 de septiembre a las 17:00h. El/la ganador/a podrá pasar a recoger su premio en la misma tienda a partir de esa fecha.

Y si tienes entre 16 y 30 años, lee en eyephoneography.com cómo participar en el concurso YOUNG_EYE mientras dure la exposición.

Itinerario

La exposición "mobile eyephoneography" es una muestra viva e itinerante que recorrerá varias ciudades españolas y que irá incorporando la obra de nuevos fotógrafos conforme se vayan celebrando más ediciones de eyephoneography.

BARCELONA
Fnac Arenas
Del 1 de noviembre de 2011 al 7 de enero de 2012

MURCIA
Fnac Murcia
Del 13 de enero al 22 de febrero de 2012

MÁLAGA
Fnac Málaga
Del 1 de marzo al 30 de abril de 2012

SAN SEBASTIÁN
Fnac Donostia
Del 8 de mayo al 30 de junio de 2012

BILBAO
Fnac Bilbao
Del 9 de julio al 20 de agosto de 2012

ZARAGOZA
Fnac Plaza España
Del 1 de septiembre al 31 de octubre de 2012

SEVILLA
Fnac Sevilla
Del 14 de enero al 15 de marzo de 2013

To be continued...

Agustí Centelles y la guerra civil española. Libros de fotografia.


© Agustí Centelles. Juego de niños, 1936.

Colección PHotoBolsillo
Agustí Centelles y la guerra civil española

La Fábrica Editorial publica la 3ª edición del ejemplar de PHotoBolsillo dedicado al fotógrafo Agustí Centelles, cuyas imágenes son un valioso testimonio de la guerra civil española.

Como fotógrafo, Centelles acompañó al ejército de la República en Aragón y Cataluña. En 1939, por encargo de las autoridades republicanas, puso a salvo en Francia el fondo fotográfico que había reunido durante la guerra. Tras años de exilio recuperó sus fotografías, que no se hicieron públicas hasta 1978. En 1984, un año antes de su muerte, recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas.

El escritor Julio Llamazares, en el prólogo de este volumen, describe el trabajo del autor y califica las fotografías de Agustí Centelles como algunas de las más imp actantes del periodo entre 1936 y 1939.

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miércoles, 24 de agosto de 2011

XIII entreFotos 2011.


Autores que participan en la muestra:

Manu Alarcón Bisbal

A. Benítez Barrios

Natacha Carretero Canet

Colectivo Naaroo, Laura Villanueva e Iván Chicharro

José Luis de la Parra

Ana de Miguel


Fotografía © Teresa Garrido

Cristina Esteban

Rafael Fernández

Ignacio Fernández del Amo

Juanjo Fernández

Laura Len

Juan Galisteo


Fotografía © Verónica Velasco Barthel

David García

JM Taker

Teresa Garrido

Ángel Gutiérrez Aguirre

Javier Luengo

J.M. Magano

Chefi Cabal

Alicia Moneva

José Ramón Moreno

Pilar Pequeño

Miguel Puche


Fotografía © Pilar Pequeño

Mario Rodríguez

Yolanda Romero

Enrique Sáenz de San Pedro

Balancín de Blancos

Daniel Schäfer

Angélica Suela de la Llave

Isabel Tallos


Fotografía © Ana de Miguel

Juan Carlos Vázquez Pelillo - Doctor Haluro

Verónica Velasco Barthel

María Jesús Velasco

Ryuu Lyu Art Project Michiko Totoki + Juanma Vidal

Mercedes Vizcaíno


martes, 23 de agosto de 2011

Yves Saint Laurent en Mapfre (avance).

Fundación Mapfre
Pº de Recoletos 23
Horario:Lunes de 14.00 a 20.00 hrs.
De martes a sábado de 10.00 a 20.00 hrs.
Domingos y festivos de 11.00 a 19.00 hrs.
Del 6 de octubre al 8 de enero de 2012
Toda la información en la web de la fundación Mapfre. También se podéis hacer una visita virtual en el microsite que se ha creado para la exposición.


Una exposición del gran diseñador de moda que reúne diseños de prêt- à- porter, bocetos, dibujos y fotos que nos dan una idea del universo creador de este artista y de los fundamentos de su obra. Yves Saint Laurent basó muchas de sus creaciones en la obra de artistas como Pablo Picasso, Georges Braque, Henri Matisse o Andy Warhol, convirtiendo muchos de sus diseños en obras de arte.

Gotthard Schuh.

Fundación Mapfre
Sala Azca
Av. General Perón 40
Se ha pospuesto dos veces, ya no me atrevo a ponerle fecha de inauguración. .
Del 14 de diciembre de 2011 al 19 de febrero de 2012.
Como suele ser habitual, Fundación Mapfre ha creado un microsite donde poder hacer una visita virtual a la exposición y donde se puede encontrar toda la infomación de la misma (vistas guiadas, conferencias, horarios...).


Gotthard Schuh: Nuns in front of Leonardos's "Last Supper", Milan, 1955.© Fotostiftung Schweiz

Reúne la obra más destacada de uno de los fotógrafos suizos más importantes del siglo XX. Schuh descubre en el incipiente fotoperiodismo una oportunidad para poner en práctica sus ideas plásticas. Sus encuadres, expresividad emocional y sensibilidad psicológica se convirtieron en elementos centrales de su fotografía, que va más allá del fotoperiodismo y le consagra como uno de los fotógrafos más influyentes del siglo pasado.

lunes, 22 de agosto de 2011

Móstoles muestra 21 fotografías de Fernando Manso con rincones insólitos de la región .

RECORRIÓ MÁS DE 15.000 KILÓMETROS PARA CAPTAR LAS IMÁGENES


La Red de Exposiciones Itinerantes de la Comunidad, Red Itiner, lleva la exposición Paisajes de Madrid, del fotógrafo Fernando Manso, al Centro Cultural Villa de Móstoles, del 23 de agosto al 12 de septiembre. La exposición consta de 21 imágenes seleccionadas entre las que forman parte del libro Madrid, editado en 2008 por el Gobierno regional.

Los parajes madrileños recogidos en las instantáneas se agrupan en torno a la zona sur y a la norte de la región. De la zona norte se encuentran espacios de la Sierra de Guadarama con lugares como el Embalse de la Pinilla, el Puerto de la Fuenfría, Cotos, la Cascada del Pradillo, la Laguna Verde en La Pedriza y la Cascada de la Chorrera en Somosierra, así como una serie de diferentes enclaves en el curso del río Lozoya.

En el sur el agua también es protagonista en un conjunto de imágenes situadas en torno a otro importante río que atraviesa la región, el Jarama y su zona de influencia. Durante casi un año, Manso recorrió alrededor de 15.000 kilómetros por la región donde retrató los rincones más impactantes para sus fotos.

La exposición estará abierta al público hasta el próximo 12 de septiembre, de lunes a viernes, en horario ininterrumpido de 9:00 a 21:00. Todas las fotografías de la exposición, junto con otras hasta 110, forman parte del libro Madrid, coeditado por la Comunidad en 2008. Imágenes que muestran perspectivas imposibles para los madrileños como desde lo más alto del campanario de la catedral de la Almudena o desde la azotea del Ministerio de Agricultura.

En palabras del autor, lo más llamativo es "la naturaleza que rodea la región con formas de ríos, valles, y puentes que imprimen un carácter muy rico a la Comunidad de Madrid que a la vez goza de una climatología muy diversa con zonas completamente nevadas y paisajes más secos al otro extremo". Tras su paso por Móstoles, la Red Itiner llevará esta muestra hasta los municipios Patones, Alcorcón, Tres Cantos y Torrelodones.

Esteban Vicente inaugura la temporada en la Galería Elvira González | Septiembre 2011.

Esteban Vicente
La muestra reúne óleos, collages y dibujos realizados entre los años 60 y los 90.

Galería Elvira González
Calle General Castaños 3
Inauguración 15 de septiembre a las 19:00 horas.
Toda la informacion en la web de la galeria.


Esteban Vicente . Sin título, 1972

La Galería Elvira González inicia la temporada 2011-2012 con una exposición individual del artista Esteban Vicente (Tuérago, Segovia, 1903 – Long Island, Estados Unidos, 2001), expresionista abstracto cuyo trabajo expone y difunde durante más de veinte años. La muestra reúne óleos, collages y dibujos de distintas épocas, realizados entre las décadas de los años sesenta y los años noventa.

A través de sus originales esta exposición revela la trayectoria artística de Esteban Vicente que, aunque español, vivió y realizó toda su obra en Nueva York. En la ciudad de los rascacielos se traslada al comenzar la Guerra Civil española y es allí donde entró en contacto con todos los artistas del movimiento que se conocería como Expresionismo Abstracto.

Gracias a su pertenencia a este movimiento la obra de Esteban Vicente evoluciona hacia una auténtica madurez artística. En sus obras de los años 50 y 60 la desaparición de la figura se ve sustituida por signos y grandes manchas de color con materia muy empastada en la estela de la pintura de su amigo Willem de Kooning.


Esteban Vicente. Harriet Birthday, 1982


Posteriormente realizará grandes lienzos invadidos por campos de color. Sus obras son seleccionadas para las exposiciones más significativas del período, como New Talents 1950 y 9th Street, ocupando un lugar destacado en la primera generación del Expresionismo Abstracto norteamericano.

Tanto en sus óleos como en los collages, el fondo y el primer plano se vuelven indiscernibles, predominando en la composición un conjunto de formas y trazos volátiles, dispersos por el lienzo; manchas de colores vivos que forman una composición perfecta y equilibrada.

Como acertadamente saca a relucir Barbara Rose “Su pintura es rica en detalle, variada en
talante, reservada, refinada y disciplinada como el propio artista, que pintaba todo los días sin excepción. Es un respiro y un retiro del clamor y la calamidad del mundo cotidiano”.

En 1991 recibe la Medalla de Oro de las Bellas Artes, y en 1998 se le concede el Premio de las Artes; un año más le otorgan la Gran Cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio.

La muestra en la Galería Elvira González coincide con la exposición itinerante Improvisaciones Concretas: Collages y Esculturas en el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente de Segovia organizada junto a la Grey Art Gallery de Nueva York. Esta exposición supone un ejercicio profundo de investigación y puesta en escena que pretende revisar internacionalmente la obra de Esteban Vicente.

Tras su presentación en Nueva York en la Grey Art Gallery (enero-marzo 2011), la exposición ha viajado al Meadows Museum of Southern Methodist University de Dallas, Texas (15 de mayo- 31 de julio de 2011) y concluirá su itinerancia en el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente de Segovia (27 de septiembre de 2011 – 8 de enero de 2012).

lunes, 15 de agosto de 2011

Revista Foto DNG Nº 60

Disponible el número 60 de la Revista Foto DNG.
Año VI Agosto 2011.



Redacción...2
Indice...3
Novedades...4
Wacom Intuos 4M...26
"Mehndi, Barat y Walima". Pakistán...33
Sachsenhausen. Campo de exterminio número 7...54
OUTSIDERS (proscritos)...72
Como fotografiar a la ISS cruzando el Sol... siendo pobre...82
¿Qué disco uso para trabajar mis fotos, almacenarlas y hacer copia de seguridad?...92
Noticias Eventos...106
Las Fotos del mes de Blipoint...144
Grupo Foto DNG en Flickr...146
Sexto Concurso Fotográfico Foto DNG...152

Enlaces de descarga [16.3 Mb]:

http://www.fotodng.com/revista/descarga/foto_dng_n060.zip
http://site2.fotodng.com/foto_dng_n060.zip

Visualización on-line en flash:

http://www.fotodng.com/revista/flash/.

Visualización en HTML5:

http://www.fotodng.com/revista/html5/.

miércoles, 10 de agosto de 2011

25 Aniversario de los Premios Goya. Un viaje al cine español.

Centro de Arte Teatro Fernán Gómez
Sala de Exposiciones
Plaza de Colón 4
Del 11 de octubre de 2011 al 8 de enero de 2012.
Horario: Martes a sábado: 10:00h a 21:00h
Domingos y festivos: 10:00h a 19:00h
Toda la información en la web del teatro.


La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España celebra en el año 2011 el 25 Aniversario de los Premios Goya con los que reconoce a los mejores profesionales del sector para cada una de las especialidades técnicas y creativas. Con motivo del citado aniversario, y dada la importancia del medio cinematográfico dentro de la cultura española contemporánea, se presentará una exposición que pretende mostrar el modo en el que nuestro cine ha cambiado y evolucionado desde principio de los años ochenta hasta nuestros días.

El proyecto incluye una muestra que tiene como objetivo introducir al visitante en un viaje al cine español de estos 25 años y que permitirá evidenciar la calidad del trabajo de nuestros profesionales, y una publicación, que hará un repaso de estos años a través del testimonio de figuras relevantes de la industria del audiovisual español, analizando los cambios que se han producido en cada uno de los diferentes oficios necesarios para la realización de una película y también los que han marcado al conjunto de la industria en cada uno de sus sectores: producción, exhibición y distribución.
La exposición se organiza a partir de 25 recreaciones de cada una de las películas ganadoras del premio Goya a la mejor película desde la primera edición en 1986 hasta la última de 2010. De una manera complementaria, a cada una de las 25 escenografías se asocian una serie de materiales, de tipo diverso, vinculados a cada una de las películas (fotografías, diseños de producción, vestuario, maquetas, etc.)

Tutoriales de Canon

Tutoriales, llenos de útiles consejos y sugerencias para ayudarte a sacar el máximo partido a tus productos Canon*.


Luz de verano. Composición fotográfica. Vídeo fotografía. Fotografía del agua. Fotografía de paisajes. Fotografía en blanco y negro. Fotografía de acción.


*Aunque ponga Canon, los principios son los mismos para cualquier marca :)

Roberto Matta. El cubo abierto. Nueva instalación de la Colección Permanente.

Museo Thyssen Bornemisza
Sala de Exposiciones Contexto en el Balcón-Mirador de la Planta Primera.
Entrada libre.
Pº del Prado 8
Del 09 de septiembre al 23 de octubre de 2011
Toda la información en la web del museo.


Roberto Matta. Grandes expectativas. Del ciclo: "El proscrito deslumbrante", 1966. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

La nueva instalación de los cinco grandes lienzos del ciclo El proscrito deslumbrante de Roberto Matta perteneciente a la colección del Museo reproducirá el modo en que el artista los montó en su primera presentación al público en la Galerie Alexandre Iolas de París en 1966.

El artista chileno presentó esta serie con su sistema de “cubo abierto”, una especie de políptico de la era contemporánea con que creaba una caja destinada a envolver al espectador. Dos de ellos se mostraban horizontalmente suspendidos en el techo, cerrando el espacio creado por los otros tres. Con este espectacular montaje, Matta conseguía sumergir al espectador en su universo pictórico, un universo hermético y alucinatorio, cargado de referencias literarias, espirituales y artísticas.

Cuarenta y cinco años más tarde y con motivo del centenario del nacimiento del artista, que se conmemora en 2011, el ciclo se volverá a presentar en su esplendor original.

martes, 9 de agosto de 2011

Jean Prouvé 1901-1984: Belleza Fabricada.

Ivorypress Art + Books Space I
Calle Comandante Zorita 48
Horario:Lunes-Viernes 10:00 a 14:00 h / 16:30 a 19:00 h Sábados 11:00 a 14:00 horas.
Del 1 de septiembre al 12 de noviembre de 2011.
Toda a información en la web de la galería.


Jean Prouvé en la pizarra durante un curso en el CNAM | © Centre Georges Pompidou | VEGAP | Cortesía Ivorypress

Ivorypress Art + Books Space I presenta, a partir del 1 de septiembre de 2011, la muestra Belleza fabricada, dedicada al excepcional diseñador y constructor francés Jean Prouvé. Comisariada por el arquitecto británico Norman Foster y por el catedrático de proyectos Luis Fernández-Galiano, esta exposición recorre toda la carrera profesional de Prouvé.

De la originalidad de sus primeras piezas de mobiliario a la sofisticación de sus sistemas constructivos posteriores, la obra del genio francés es un ejemplo de compromiso con la prefabricación y la industrialización, pero también con una inagotable experimentación que hacen de él un caso único en la historia del diseño y la arquitectura del siglo XX.

La exposición se desarrolla de forma cronológica en diez secciones, cada una ellas con dibujos originales y fotografías acompañadas de textos críticos.


La casa 6x6, que estará expuesta en Ivorypress Art + Books | © Galerie Patrick Seguin, París | VEGAP | Cortesía Ivorypress


Un arquitecto-ingeniero

Miembro fundador de la Unión de Artistas Modernos, activo en la Resistencia francesa, alcalde de Nancy, director de una fábrica autogestionada de más de 300 obreros en Maxéville, profesor del Conservatorio de Artes y Oficios de París (CNAM), consultor independiente... la carrera de Prouvé es un ejemplo de compromiso con los avances técnicos, pero también sociales, de su tiempo.

Educado en el ambiente artístico de la modernista Escuela de Nancy (de la que uno de sus máximos representantes fue su padre, el pintor Victor Prouvé) y formado en la forja del metal, Jean Prouvé (París, 1901 – Nancy, 1984) se autodefinía, sin embargo, como “constructor”, y Le Corbusier –uno de los numerosos arquitectos de la vanguardia que colaboró con Prouvé– le apodaba “el arquitecto-ingeniero”. Su carrera se centró en buscar el máximo aprovechamiento de las técnicas y los materiales disponibles en cada momento, especialmente en el campo del metal, empleado para ello una elaborada intuición constructiva y estructural refrendada por la praxis y la creación de prototipos, que le llevaron a concebir y fabricar con igual éxito desde exquisitas piezas de mobiliario (como las butacas Cité o la Visiteur, convertidas en iconos del diseño del siglo XX), a componentes de edificación e, incluso, edificios completos, desmontables e industrializados.

Entre sus obras arquitectónicas más relevantes se encuentran algunas tan significativas como la Casa del Pueblo de Clichy (realizada en colaboración con los arquitectos Eugène Beaudouin y Marcel Lods, y donde Prouvé diseña uno de los primeros ‘muros cortina’); la Maison Tropicale (una casa prefabricada, equipada con sofisticados sistemas de acondicionamiento climático, diseñada con su hermano, el arquitecto Henri Prouvé); su propia casa en Nancy (levantada con piezas sobrantes de su fábrica de Maxéville, precisamente en los años en que los socios capitalistas de la empresa le obligaron a abandonarla); el Pabellón del Centenario del Aluminio (uno de los pocos edificios de su completa autoría, enteramente desmontable); la nave de bebidas del manantial Cachat en Évian-les-Bains (donde pone a prueba el original sistema estructural de ‘muletas’ que luego emplearía en varias escuelas); o el Palacio de Exposiciones de Grenoble (realizado junto a su hijo, el arquitecto Claude Prouvé, y el ingeniero Léon Petroff, y donde desarrolla un nuevo sistema estructural en celosía espacial de gran eficacia).


La selección de obras de Prouvé que podrá verse en Ivorypress Art + Books hasta el 12 de noviembre de 2011 pondrá de manifiesto la diversidad de este creador polifacético. La muestra abarca, además de sus dibujos originales, un gran número de piezas de mobiliario, maquetas de arquitectura, fragmentos de edificios e, incluso, una Casa 6x6: una espectacular vivienda prefabricada, realizada para los damnificados de la II Guerra Mundial, que es también un poderoso manifiesto del interés de Prouvé por la ligereza y la industrialización en la arquitectura precisamente en unos años de gran carestía. Los objetos y documentos que podrán verse, la inmensa mayoría por primera vez en España, proceden de los fondos del Centro Georges Pompidou (París), los Archivos Departamentales de Meurthe-et-Moselle (Nancy) y la galería parisina Patrick Seguin.

La exposición irá acompañada de una monografía bilingüe español-inglés, abundantemente ilustrada y con artículos de importantes especialistas en la obra de Prouvé, incluidos su hija Catherine Drouin- Prouvé y el editor de su obra completa Peter Sulzer. La monografía, a cargo de los comisarios Norman Foster y Luis Fernández-Galiano, será publicada por la editorial Arquitectura Viva.

El Romanticismo en la época de Pushkin.

Museo del Romanticismo
Calle San Mateo 13
Del 22 de septiembre al 12 de diciembre de 2011.
Toda la información en la web del museo.


Con fondos del Museo Estatal de Pushkin de Moscú.

La exposición mostrará una cuidada selección de obras de la primera mitad del siglo XIX. Los escenarios, paisajes y los personajes que tuvieron cierta relevancia en la época son captados por los más importantes pintores del momento.

Museo Estatal S.A. Pushkin de Moscú
Museo Nacional del Romanticismo
S.G. de Promoción de las Bellas Artes. Ministerio de Cultura

lunes, 8 de agosto de 2011

Façade, de Han Sungpil.

Blanca Berlín Galería
Calle Limón 26 - Plaza Guardias de Corps (frente al Conde Duque).
Hasta el 15 de septiembre de 2011.
Toda la información en la web de la galería.
*Consultar horario de verano.


Magical Watermill, 2009 © Han Sungpil.


La permanencia de lo efímero

El Renacimiento aportó a la historia del arte una de sus invenciones más valiosas: la perspectiva, la habilidad de transportar la realidad tridimensional a un plano de dos dimensiones. La fotografía, siglos después, se adueñó de este avance logrando que la representación de una escena pareciera tan real como si estuviera ocurriendo ante los ojos del observador.

En Façade, el artista coreano Han Sungpil (Seúl, 1972) profundiza en las ambivalentes fisuras que se crean al llevar una escena a un plano de dos dimensiones mediante la representación fotográfica. La imagen resultante ¿nos está mostrando una realidad tridimensional aparente o es un espejo de esa realidad? ¿Estamos ante una interpretación auténtica del suceso o lo que vemos es una falsificación idealista del mismo?

Si, además, la escena fotografiada es un ejercicio realizado deliberadamente para producir un engaño perceptivo como ocurre con el trampantojo, el espectador se encuentra ante un atractivo y sutil juego de equívocos que le obliga a escudriñar las fronteras entre lo genuino y lo ficticio, entre lo verdadero y lo falso. Le sitúa, al mismo tiempo, a un lado y otro del espejo. El objeto real es sometido a una doble suplantación de la realidad, primero, mediante la imagen conseguida con la técnica del trampantojo y después, con la propia fotografía. Es el duplicado de un duplicado, con el que el artista consigue difuminar la diferencia entre lo auténtico y lo ilusorio creando una realidad virtual.

Han Sungpil nos sitúa en este trabajo, realizado a lo largo de dos años en distintas ciudades europeas y coreanas, ante una serie de fotografías aparentemente simples pero cargadas de inquietud reflexiva. A medida que forzamos la mirada sobre ellas vamos descubriendo que lo que vemos no se percibe a primera vista tal y como es en realidad. Algo incierto ocurre en las proporciones, las luces, las escalas…

La propuesta expositiva de Façade está estructurada a partir de un doble registro. Por un lado, nos encontramos ante un conjunto de reproducciones de los grandes lienzos de lona que recubren algunos edificios históricos mientras sus fachadas están siendo restauradas. Réplicas efímeras destinadas a desaparecer una vez concluidas las obras y a las que sólo la fotografía de Han confiere la cualidad de permanencia. Por otro, lo que el autor coreano nos muestra son fotografías de aquellos trampantojos de carácter durable que adornan las paredes de ciertos inmuebles, en definitiva, graffitis con vocación de pervivencia que se convierten en parte del edificio desde el instante mismo de su creación.

En línea con la teoría de la apropiación, articulada a principios de 1980 por Crimp y Salomón-Godeau, en la que se cuestionan nociones como originalidad, singularidad y autoría, el fotógrafo coreano se apropia de los telones y graffitis urbanos para descontextualizarlos e incorporarlos a una nueva narración.

Han Sungpil es, en algunos casos, el artífice de la propia ilusión, como en The Ivy Space. La foto muestra el edificio que alberga la redacción de la revista coreana de arquitectura “Space”, famoso por sus paredes de ladrillo recubiertas de hiedra. El fotógrafo, en un experimento para hacer visible la vida del interior del inmueble, realizó una serie de capturas digitales de los despachos y zonas interiores del mismo, obteniendo el permiso de Space para colgarlas en el exterior. La instalación no pudo mantenerse mucho tiempo debido a problemas técnicos, pero subsistió en la obra que vemos en Façade y en las bolsas ecológicas que el artista fabricó con los trozos de la lona una vez descolgada.

Muy sugerente es Plastic Surgery, reproducción del paño de tamaño natural que envolvió la puerta medieval de Namdaemun en Seúl durante su reconstrucción tras un incendio. El coreano, con una cierta dosis de amargura y mucha ironía, bautizó esta obra como Plastic Surgery (Cirugía Plástica) porque “la ilusión”, en sus propias palabras, “vino a sustituir a la verdadera puerta, ya desaparecida”.

The Light of Magritte nos sitúa ante un interesante artificio visual planteado en primera instancia por el muralista al que se le encargó enfundar el Museo de Magritte de Bruselas durante su construcción. El mural reproduce el famoso cuadro El imperio de la luz del pintor belga enmarcado por unos enormes cortinajes que representan el edificio del museo abriéndose al universo imaginario del artista europeo. Una pintura dentro de la pintura, a la que Han añade un tercer estrato de ilusión al introducir en su fotografía las farolas de la calle, muy similares a la que aparece en el cuadro.

Es interesante advertir como, a partir de una estrategia renovada, en la obra del fotógrafo encontramos la misma intencionalidad que se desprende del cuadro del pintor: desconcertar al espectador, enfrentarle a una realidad incierta. En El imperio de la luz, la imagen de una calle nocturna y oscura coexiste con el azul pastel de un cielo rebosante de luz. Mediante la paradójica combinación del día y la noche, René Magritte subvierte una premisa fundamental del orden de la vida obteniendo una escena perturbadora. En The Light of Magritte Han Sungpil multiplica los recursos manteniendo la poesía. A través de la creación de diversas capas de realidad, invita al espectador a penetrar en cada una de ellas para descubrir su propia verdad. Quizá, esa pequeña luz que persiste en medio de una oscuridad fingida que, sin embargo, es abrazada por la noche certera en que el artista tomó la fotografía.

Blanca Berlín. Noviembre, 2010

viernes, 5 de agosto de 2011

Aleksandr Deineka (1899–1969) Una Vanguardia para el proletariado.

Fundación Juan March
Calle Castelló 77
Del 7 de octubre al 15 de enero de 2012.
Lunes a sábado:11.00 a 20.00 horas.
Domingos y festivos:10.00 a 14.00 horas.
Toda la información en la web de la fundación.


Las trabajadoras textiles, 1927
(Galería Estatal Tretyakov, Moscú).

Presentar por primera vez en España al artista ruso Aleksandr Deineka (1899–1969) y, a través de él, toda su época, en el doble contexto al que perteneció, el final de la Vanguardia y el advenimiento del realismo socialista, es el propósito de esta exposición, la más amplia dedicada a Deineka fuera de Rusia. La integran más de 80 óleos, algunos de gran formato, completados por fotografías, audiovisuales, obra sobre papel, libros infantiles, carteles y revistas, hasta un total de 250 piezas, entre obras y documentos.

En 1985, con el régimen soviético aún vigente, la Fundación Juan March organizó, bajo el título "Vanguardia rusa, 1910–1930. Museo y Colección Ludwig", la primera exposición sobre la vanguardia rusa celebrada en España, además de ofrecer en años posteriores diversas muestras dedicadas a destacadas figuras de esa vanguardia (Malévich, Ródchenko, Popova). En 2008, la titulada "La Ilustración total. Arte conceptual de Moscú, 1960–1990", reunía a una serie de artistas soviéticos cuya obra, a medias entre el conceptualismo y un peculiar Pop soviético, tenía como objeto de reflexión y práctica la cultura de la época de Stalin, la de los años transcurridos entre su llegada al poder, tras la muerte de Lenin en 1924, hasta su muerte en 1953.


La defensa de Petrogrado, 1928
(Museo Estatal de las Fuerzas Armadas).

Faltaba dedicar una exposición al tiempo histórico transcurrido entre el gran experimento de la vanguardia rusa —que precedió a la época de Stalin— y el arte soviético decididamente postmoderno, que advino tras su muerte: el arte de la época del dictador, que resulta bastante desconocido, ha sido objeto de escasas exposiciones tanto en la antigua Unión Soviética como en Europa o América, y con frecuencia ha sido clasificado como un arte derivativo y propagandístico, al servicio de la ideología y la educación de las masas.

Para reflejar el arte de este período resulta difícil encontrar un ejemplo mejor que el que proporcionan tanto la fuerza pictórica de Deineka como la fascinante ambigüedad de su arte y de su figura: formado en los establecimientos de inspiración vanguardista, fue miembro de las últimas agrupaciones de la vanguardia constructivista (como Oktyabr u OST) y también agitador comprometido con la revolución y la construcción socialista del país.

Completa la exposición una cuidada y amplia selección de obras de artistas de la vanguardia rusa —atendiendo en especial a su desarrollo revolucionario—, de revistas, carteles, libros, documentos y objetos, que reflejan la peculiar (y desconocida) lógica de las relaciones entre la vanguardia y el realismo socialista, que vino a constituir una suerte de vanguardia artístico–política para el proletariado.

Vida y espiritualidad de la Madre Teresa de Calcuta.

Sala Caja España y Caja Duero
Calle Marqués de Villamagna 8
Hasta el 17 de septiembre de 2011.
Consultar horarios aquí.



Las Misioneras de la Caridad, con la colaboración de la Obra Social de Caja España–Caja Duero, inauguran hoy en Madrid una exposición sobre la vida y mensaje de la beata Teresa de Calcuta, cuyo centenario se celebra este año. La muestra se enmarca en los actos culturales organizados con motivo de la Jornada Mundial de la Juventud (JMJ).

La muestra será inaugurada por el cardenal arzobispo de Madrid y presidente de la Conferencia Episcopal Española, Antonio María Rouco Varela, a las 11.00 horas en la Sala de Exposiciones de Caja España-Caja Duero, situada en calle del Marqués de Villamagna de la capital.

La exposición podrá visitarse hasta el 17 de septiembre, en horario de 11.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 20.30 horas, de martes a sábado, y de 11.00 a 14.00 horas, los domingos y festivos. Los lunes permanecerá cerrada. Asimismo, se establecerá un horario especial ampliado del 15 al 22 de agosto, con motivo de la JMJ, y la entrada es gratuita.

Esta exposición se basa en las ya realizadas en varias ciudades del mundo, como Conneticutt, Colonia, Sydney, Nueva York o Washington, aunque ha sido ampliada y actualizada para su llegada a Madrid. Contiene paneles con fotografías y textos que repasan la vida de la madre Teresa, con especial atención a sus encuentros con los jóvenes, su presencia en España y la difusión de su obra en todos los rincones del mundo.

Se incluye también una sección audiovisual con la voz de la madre Teresa, así como un espacio que invita a la reflexión con sus palabras. También podrán contemplarse diversas reliquias suyas, como un sari, sandalias y documentos manuscritos, además de una recreación de su habitación con pertenencias suyas.

Artículo: Servimedia.

El Valle de Boí, 10 años de Patrimonio de la Humanidad.

Centro Cultural Blanquerna
Calle Alcalá 44
Horario: De lunes a viernes de 10.30h a 21.30h. Sábados de 10.30h a 20.30horas.
Hasta el 15 de septiembre de 2011.
Toda la información en la web del CCB.


La exposición es un recorrido por los principales momentos históricos de este valle del Pirineo catalán, desde la construcción de su importante conjunto de iglesias románicas, hasta nuestros días.

La exposición nos muestra los principales recursos naturales y patrimoniales del valle de la mano de sus propios habitantes, hombres y mujeres que a lo largo de los siglos han conservado su paisaje, su cultura, sus tradiciones preservándolo, así para la Humanidad.

Así, la exposición está formada por cuatro ámbitos relacionados con los principales momentos históricos del valle: la edad media, la primera mitad del siglo XX, la actualidad y el futuro. Los ámbitos están formados por plafones expositivos y escenografías diversas.

Ámbito 1: Un legado milenario:

Los señores de Erill
Construir
Decorar
Amueblar

Ámbito 2: La revalorización de un pasado histórico:

La revalorización de un pasado histórico
La luz del progreso

Ámbito 3: Un valle para la Humanidad:

El entorno natural
Las tradiciones
El turismo

Ámbito 4. Nuestro futuro

jueves, 4 de agosto de 2011

Un homenaje a Leo Castelli - 9 obras de 9 artistas.

Fundación Juan March
Calle Castelló 77
*Horario: Lunes a viernes:11.00 a 20.00 hs.
Sábado:10.00 a 14.00 hs.
Domingo cerrado
Hasta el 3 de septiembre de 2011.
Toda la información en la web de la fundación.


Serigrafía "Hot Stamping" sobre papel. Joseph Kosuth

Leo Castelli (Trieste, Italia, 1907 – Nueva York, 1999) fue un destacado galerista y marchante de arte. Su galería neoyorkina supuso la referencia más destacada de las vanguardias contemporáneas (surrealismo, expresionismo abstracto, Pop Art, Minimal Art, etc.) durante cinco décadas.


Serigrafía sobre papel. Edward Ruscha

La Fundación Juan March ha tenido durante muchos años una estrecha relación con Leo Castelli, quien colaboró con numerosos préstamos para diversas exposiciones. La Fundación presentó en Madrid en 1988 una cuidada selección de 60 obras de su colección bajo el titulo Colección Leo Castelli.

Con motivo del 90 cumpleaños de Leo Castelli, en 1997, su hijo Jean–Christophe decidió hacerle un regalo especial: un portfolio de 9 grabados realizados por 9 artistas vinculados a la historia de la galería: Jasper Johns, Ellsworth Kelly, Joseph Kosuth, Roy Lichtenstein, Richard Serra, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Edward Ruscha y Bruce Nauman. La edición se limitó a 90 ejemplares. Regaló a su padre el primero y el último de los ejemplares, y el resto los donó a distintos museos e instituciones relacionados con su padre y con la galería. Tuvo la generosidad de donar el portfolio número 82/90 —que constituye esta pequeña exposición a modo de homenaje a la figura de Leo Castelli— a la Fundación Juan March.

*Horario de verano.