miércoles, 30 de noviembre de 2011

El retrato según Pierre Gonnord en el nuevo número de PHotoBolsillo.

Portada del libro

La Biblioteca de fotógrafos españoles dedica su nuevo número al fotógrafo francés residente en España desde 1988

El libro reúne cincuenta y seis fotografías a color realizadas entre 2003 y 2010 de las series Regards, Far West, Utópicos, Testigos y Terre de personne

Retratos crudos y poderosos que remiten a referencias pictóricas y plasman la esencia del personaje de manera dramática

El libro está prologado por Lorena Martínez de Corral

110 páginas. P.V.P. 12,50 €.

Más información: www.lafabricaeditorial.com y en www.pierregonnord.com

Fotografía © Pierre Gonnord

La Biblioteca de fotógrafos españoles PHotoBolsillo dedica su nuevo volumen al trabajo de Pierre Gonnord, uno de los artistas más reconocidos de la fotografía contemporánea y un «escrutador de almas», a decir del crítico y comisario Rafael Doctor. Su obra, anclada en el retrato del individuo que «narra, bajo la piel, historias singulares e insólitas sobre nuestra época», según sus propias palabras, ha sido expuesta en los principales museos, galerías y centros de arte de Europa y Estados Unidos.

El PHotoBolsillo dedicado a Pierre Gonnord recoge 56 fotografías en color realizadas entre 2003 y 2010. Retratos estimulantes y reveladores que emergen desde característicos fondos oscuros con gran potencia narrativa. Su capacidad para plasmar los sentimientos humanos y su análisis de cada rasgo de los personajes permite que expresen su historia. El fotógrafo presta especial atención a las huellas de la vida en los rostros de sus modelos y titula cada obra con sus nombres propios. Todos ellos tienen en común también la seriedad, hieratismo y poses estatuarias.

El libro reúne primeros trabajos de la series Regards y fotografías de Far West, la serie que realizó en Japón y en la que en palabras de Lorena del Corral tiene dos consecuencias para la obra de Gonnord "En primer lugar, se genera un nuevo espacio, más amplio que aquel que provocaba la mirada frontal [...] y, en segundo lugar, la aparición de la subjetividad del retratado, una fractura por la que comienzan a aflorar sus comportamientos y emociones". El PHotoBolsillo incluye también imágenes de las series Utópicos, Testigos o Terre de personne, su última serie en la que el retrato se muestra en su máxima profundidad.

Fotografía © Pierre Gonnord

Pierre Gonnord (Cholet, Francia, 1963) vive y reside en Madrid desde 1988. Fotógrafo autodidacta, a finales de 1998 comienza su personal proyecto sobre el rostro humano con unas series de retratos sobre la juventud urbana occidental: Interiors (Madrid, 1999) y City (Nueva York, 2001) a las cuales sucederán las series Regards (2000-2003), Far East (Japón, 2003) y Utópicos (2004-2005) con un acercamiento a personajes considerados como outsiders por la sociedad: vagabundos, presos, monjes, yakuzas, geishas, bandas urbanas, ciegos, enfermos mentales... Más recientemente se ha acercado a comunidades y minorías étnicas como los gitanos o pueblos de los Balkanes y del Magreb con la serie Testigos.

Sus fotografías han podido verse en exposiciones individuales de entidades públicas como son la Maison Européenne de la Photographie (París 2005), Casa Asia (Barcelona, 2006), el Museo de Bellas Artes de Sevilla (2006), El Museo de Bellas Artes de Santander (2007), Les Rencontres d'Arles (2008), el Centro Internazionale di Fotografia (Milán, 2009) y la Sala Alcalá 31 (Madrid, 2009). Su obra se ha expuesto también en las galerías Juana de Aizpuru, Filomena Soares y Miguel Marcos.

En 2003 fue becario del programa Villa Kujoyama en Kioto, Japón, por la Asociación Francesa de Acción Artística, del Ministerio de Asuntos Exteriores francés. En 2008 obtuvo el Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid y en este mismo año, el Fondo Venecia en Peligro le invita, junto con otros fotógrafos, con el objetivo de crear una colección de imágenes originales de la ciudad para la Bienal de Venecia 2011. Asian Portraits, Testigos, Terre de Personne, Realidades o Regards son algunos de los libros que reúnen su trabajo.

Juan Manuel Castro Prieto - Teo Allaín Chambi. Encuentros con el Arte. C.C. Tomás y Valiente de Fuenlabrada.


Ayer por la tarde estuve en el teatro del Centro Cultural Tomás y Valiente de Fuenlabrada, en la primera charla-coloquio que se hace estos días dentro de los Encuentros con el Arte dedicados a fotografía de los que ya os he hablado.

Teo Allaín Chambi.

Aunque el título de la conferencia es "Chambi - Perú - Castro Prieto", el mismo de la exposición que podemos ver en este mismo centro, con fotografías de Martín Chambi y Castro Prieto, y que estará abierta hasta el 15 de enero de 2012, la charla fue mucho más.

Juan Manuel Castro Prieto y Teo Allaín Chambi.

Comenzó con Teo Allaín Chambi (nieto de Martín Chambi) hablándonos de su abuelo, de cómo éste tuvo su primeros contactos con la fotografía, sus primeras exposiciones, sus viajes, cómo llegó a exponer en el MOMA... También nos mostró algunos de los innumerables autorretratos de Chambi. Como a día de hoy todavía no conocemos más que un 30% de lo que es la obra de Chambi, estimada en unas 30.000 fotografías entre negativos y placas.


Como digo, se dio un repaso a la carrera del fotógrafo peruano, y ahí salieron sus principales exposiciones y libros publicados hasta la fecha, pero con todo lo que va saliendo a medida que se digitaliza su archivo, está claro que el libro y la exposición que nos muestren su obra está por llegar.

Juan Manuel Castro Prieto.

En la siguiente parte de la charla-coloquio, Juan Manuel Castro Prieto nos ha proyectado en primer lugar las fotografías que tiene expuestas en el CEART, dando todo tipo de detalles de dónde y por qué tomó así la fotografía, muchas de las cuales se hicieron en los mismos lugares en los que Chambi tomó las suyas décadas antes.

Teo Allaín Chambi y Juan Manuel Castro Prieto

La conversación ha sido bastante distendida, ambos llevan más de veinte años unidos por el trabajo de Martín Chambi, y también por Perú, país que ocupa un lugar muy importante en la obra de Castro Prieto.


Después, aunque al principio se resistía un poco (cosas de la tecnología) hemos podido ver el diaporama "Castro Prieto 1977-2010", que como os podéis imaginar, ha sido un repaso a la obra del fotógrafo. La verdad es que estos montajes con sonido son mucho más espectaculares que un pase de diapositivas y llegan mucho más.


Y como suele ser habitual, la conferencia ha finalizado con el turno de preguntas de los asistentes.

Esta tarde hay otra charla-coloquio a cargo de Mario Rubio titulada "Fotografía nocturna". Y para mañana, a las 19:00 horas, José María Díaz-Maroto dará la suya: "Fotografía y autoedición". De Díaz-Maroto también se puede visitar en este mismo centro "Bloc de notas", expo de la que ya os hablé.
No creo que pueda asistir a ninguna de estas charlas, pero si tenéis ocasión, acercaos, de estas cosas siempre se aprende algo, o mucho.

martes, 29 de noviembre de 2011

"Gritos de libertad" y "La publicidad en los años 60".

Escuela de Fotografía EFTI
Calle Fuenterrabía 4-6
Del 2 de diciembre de 2011 al 9 de enero de 2012.
Más información en la web de EFTI.

El Centro de Imagen EFTI inaugura dos nuevas exposiciones que podrán verse del 2 de Diciembre de 2011 al 9 de Enero de 2012.

El Consejo General de la Abogacía Española, la Fundación del CGAE, la ONG Espíritu Social y la Escuela de fotografía EFTI quieren conmemorar los valores de libertad, fraternidad e igualdad que inspiraron la Constitución de Cádiz de 1812 y que siguen siendo hoy un objetivo a conseguir para todos los seres humanos. Por este motivo los pasados meses de julio, agosto y septiembre de 2011 se celebro el concurso del mismo nombre del que salieron 20 fotografías seleccionadas. A estas veinte imágenes se les han unido otra veintena de importantes fotógrafos nacionales e internacionales como Chema Madoz, Gervasio Sánchez, Ciuco Gutiérrez, Carlos de Andrés o Álvaro Ybarra, entre otros.

La fotografías ganadoras del concurso fueron Ana Esteban Alonso con una fotografía titulada “Sin utopía”, que ha sido considerada por los miembros del jurado del certamen como la mejor de las casi 700 fotografías recibidas. Segundo premio: “Inmigración y Fuerzas de Seguridad del Estado” de Fidel Raso, como merecedora del segundo premio. Además de los dos premios principales, también se premiaron otras tres fotos con otros tantos Accésit. Antonio López Díaz "Retratos" Zoe López "No quiero gritar" y Hugo Alonso Larrinaga "Notas de esperanza"

Presentamos en la SALA EFTI esta colección de 40 fotografías con el título “Gritos de Libertad”, como conmemoración de los 200 años de la Constitución de Cádiz.


En la sala ESPACIO OFF podemos ver una interesante exposición titulada: “Jose María Fernandez Montes (Estudios Ballesta)- La Publicidad en los años 60”.

Presentamos una serie de imágenes, originales todas ellas, para hacer un recorrido por la publicidad gráfica de los años 60. Entre 1959 y 1962 es el periodo de estas imágenes, realizadas por Jose María Fernandez-Montes en los Estudios Ballesta de Madrid. Durante estos años, los estudios Ballesta fueron un referente en la publicidad grafica madrileña y española.

En fotografías de blanco y negro, calendarios y otros soportes, podremos apreciar las imágenes utilizadas en los anuncios del momento. Importantes marcas de estos años como Vespa o Pegaso y otras como, cervezas o productos agrarios, nos transportaran a estos años en los que la publicidad giraba en torno a las publicaciones de prensa en papel y otros medios de imprenta.

La inauguración oficial que tendrá lugar el viernes 2 de Diciembre a partir de las 20,00 horas.


Caminos desnudos, de Porfirio Pillampel. Cómic.

Casa de América
Sala Guayasamín
Plaza de Cibeles 2
Del 7 de diciembre de 2011 hasta el 15 de enero de 2012.
Más información sobre horario y actividades en la web de Casa de América.


'El Brujo' cuenta la historia de un hombre sencillo. Porfirio Pillampel es un brujo: puede convertirse en diferentes animales, echar males de ojo, volar y matar a sus enemigos sin que caiga sobre él la más mínima sospecha. Sin embargo, para obtener aquello que deseaba tuvo que perder lo que más quería y tras el arrepentimiento decide ir en busca de la muerte. En su camino se cruzará con diferentes personajes que antes de llegar a su meta, le harán reflexionar sobre su existencia.


“Caminos desnudos” es un viaje al interior de las vísceras de 'El Brujo' en donde después de tres años de intenso trabajo, Carla Berrocal destripa las páginas del cómic para enseñar sin tapujos todo el proceso creativo que hubo detrás de la novela gráfica.

Carla Berrocal nace en Madrid en 1983, donde estudia Ilustración y Diseño Gráfico en la Escuela de Artes y Oficios número 10. Comienza colaborando en La Guía del Cómic escribiendo reseñas sobre tebeos y artículos tanto para la edición impresa, como online y el programa de Radio en el Círculo de Bellas Artes hasta que, en 2004, Recerca Editorial publica su primera obra de temática pulp, 'Hire, el terrible vampiro samuráis' con guión de Daniel Hartwell.

En 2005 publica Mad Trio en la misma editorial colaborando con Jason DeGroot en una historia de corte apocalíptico y en 2006 se editan sus primeras historias completas (guión y dibujo) gracias los monográficos dirigidos por Jorge Iván Argiz en la editorial Dolmen: Quatroccento. Después de un tiempo sin publicar, participa en pequeños recopilatorios como Nariz, Dos Veces Breve o Reyes X hasta que en 2007 se lanza a escribir su primera novela gráfica, El Brujo, que verá la luz a principios de 2011. Colabora de forma habitual en la revista Monográfico, trabaja en su propio estudio de diseño e imparte talleres sobre cómic y novela gráfica en diversas instituciones.

"Libera Madrid", exposición colectiva.

Escuela Man Ray de Fotografía
Photo Espacio Galería
Calle Virgen de Belén 16
Inauguración: viernes, 2 de diciembre a las 20,00 horas.
Horario de visitas:Mañanas: martes y jueves de 11,00 a 14,00.Tardes: de lunes a viernes, de 17,00 a 20,00 horas.
Más información en la web de la escuela.


Desde Photo Espacio Galería tengo el placer de invitarte a la inauguración de la exposición "Libera Madrid", exposición colectiva de "La escuadrilla de la plata". Este grupo está formado por entusiastas de la fotografía tradicional y compuesto por: Rubén Morales, Juan Carlos Vázquez, Jesús Limárquez, Ricardo Garrido. José M. Poyatos, Alberto Vicente y José M. Magano.

lunes, 28 de noviembre de 2011

Martin Creed, Works (Trabajos).

Sala Alcalá 31
Calle Alcalá 31
Del 15 de diciembre de 2011 al 26 de febrero de 2012.
Más información en la web de la Sala y en www.martincreed.com


Work No.800, 2007. Emulsión sobre pared.
Instalación en CCS Bard Hessel Museum Cortesía del artista, Gavin Brown Enterprise y Hauser & Wirth. Foto: Ellen Page. © Martin Creed

Esta es la primera exposición individual del artista británico, Martin Creed, en España. Es uno de los artistas más destacados del Reino Unido. En la Sala Alcalá 31 se presentará obra concebida para la ocasión combinándola con piezas tan conocidas como The Lights Going On and Off (Las luces encendiéndose y apagándose), nunca hasta ahora presentadas en España, dando una visión de su trayectoria artística.
Martin Creed es uno de los artistas internacionales más interesantes de su generación, que combina su faceta de artista plástico con su grupo de música Owada formado en 1994. Sus esculturas, instalaciones, vídeos y dibujos están inspirados en objetos, palabras y sonidos de la vida diaria, en lo cotidiano.
Creed se dio a conocer por la utilización de materiales que parecen banales como el “blu–tack” (masilla azul adhesiva) pegada en una pared, hojas de papel rellenas con rotuladores de colores, o signos de neón deletreando palabras o frases. Ha creado protuberancias en la pared, ha hecho correr a atletas la longitud de la Tate Britain, así como apagar y encender las luces de las salas de varios museos de arte internacionales.
En la exposición Martin Creed mostrará una selección de obras de sus últimos 15 años. Desde sus primeros trabajos hechos al principio de su carrera, como Work No 88: A sheet of A4 paper crumpled into a ball (Una hoja de papel A4 arrugado en una bola), a nuevas ideas adaptadas al espacio expositivo de la Sala Alcalá 31.

Almanaque autómata. Veru Iché y Jaime Compairé.

Blanca Berlín Galería Fotográfica.
Calle Limón 28 - Plaza Guardias de Corps (frente al Conde-Duque).
Del 1 de diciembre de 2011 al 28 de enero de 2012.
Horario: lunes a sábado de 10.30 a 14.30 y de 17 a 21 horas.
Más información en la web de la galería.

El Almanaque Autómata
No es primavera en el Corte Inglés. Jamás lo ha sido. En temporadas bisiestas, las criaturas permanecen emboscadas en el jardín. Como el lantano, el paladio, el niobio o el ununquadio, aparentemente no existen pero encierran dentro de sí determinados mecanismos que les imprimen movimiento. Pasen y vean.

Jaime Compairé. Octubre, 2011

Jaime Compairé:

“En el mes de enero de 1955 decido ser pintor. Recuerdo el dato con precisión, porque el calendario de la Unión Española de Explosivos de ese año estaba dedicado a Velázquez, y enero era el cuadro de la Vieja friendo huevos. Me pareció magia que alguien hubiera reparado en que un cuchillo apoyado sobre el borde de un plato pudiera proyectar una sombra tan curva. En febrero, flipé en colores con la barba del segundo herrero empezando por la derecha de la Fragua de Vulcano. Ya no sólo quería ser pintor sino que quería ser don Diego de Silva Velázquez. La vocación me duró hasta marzo cuando, al pasar la hoja, descubrí dos gotas resbalando por la cántara del Aguador de Sevilla. Eso, mucho más que mágico, era sobrenatural. Yo nunca podría pintar como un ser de otro planeta, así que pensé en dedicarme a cualquier otra de las bellas artes como, por ejemplo, ¿la escultura?.

Fotografía © Jaime Compairé. "El paseante de perros, 2011".

El cuerpo desplazado de su eje, los pliegues del ropaje, el vestido ceñido por el viento al torso...estoy en una sala del Louvre frente a la Victoria de Samotracia, conocida también como la Victoria alada, una escultura del periodo helenístico realizada en mármol hacia el 190 a.C. que representa a la hermosa Niké, mitad fuego, mitad agua, hija del titán Palante y del río Éstige. No se sabe quién fue su autor aunque por una inscripción en la que figura el nombre de Rodios, puede que se trate de un artista de la isla de Rodas, en el Egeo oriental. Como yo no nací en Rodas sino más bien al sur de los Pirineos, descarto absolutamente que el autor sea yo, lo cual me convierte en un creador irrelevante, de errática trayectoria y muy desautorizado para aspirar a nada remotamente comparable a tanta belleza. Así que decido hacerme francotirador".


Verónica Iché:

"Vamos a imaginar que escribo desde un lugar remoto donde las cosas no suceden de la forma en la que estamos acostumbrados y, en este lugar, una vez al mes regalan cuadernos por la calle para que escribamos nuestros sueños. Muchos de estos cuadernos ya escritos se encuentran por las aceras, en los cubos de la basura, en museos, baños públicos, cajas fuertes, etcétera...

Fotografía © Veru Iché. "Olga. Serie Girlies, 2011".

Encontré uno que decía "Los seres que habían decidido convertirse en otros seres se desnudaron con humildad. Tan puros, bellos, casi santos, casi vírgenes, volaron hasta las ramas de los pocos árboles que quedaban en pie y desde allí, junto a los pájaros y otras alimañas preciosas, observaron la guerra en la que se debatía la miseria y lloraron por todo y por la cercana nada, lloraron incansables. Para muchos ese llanto fue una provocación".

A partir de los textos encontrados y propios de la literatura de los sueños confecciono las escenas de mis fotos, que suelo trasladar a escenarios naturales.

Trabajo también con la recreación del recuerdo. Por ello, siempre intento que la gente me cuente historias, sobre todo la gente mayor. A medida que pasa el tiempo, el recuerdo se hace parte del sueño o ambos se alimentan del mismo plato. La mente inventa todo el tiempo, acomoda, transforma y ésto es lo interesante para mí, descubrir cómo este ejercicio transforma la realidad.

En este lugar remoto donde vivo ahora, la mentira no es una atrocidad, se vive como algo creativo, no es castigada porque se usa con fines libertarios.
Las fotos que confecciono son un intento de rescatar estos inventos de la mente y coleccionarlos como un tesoro. Cada una es un extracto que contiene la información más salvaje de mis mentiras".

domingo, 27 de noviembre de 2011

"Seré un hombre por tí", de Asís Alcalá.

IES Puerta Bonita
Padre Amigó 5
Desde el 2 de diciembre de 2011.
Más información en www.asis-alcala.com y en asisphotoblog.wordpress.com


El próximo viernes 2 de diciembre inauguro una muestra de mi trabajo, “Seré un hombre por tí”, en el I.E.S. Puerta Bonita, a las 19:00 horas. La dirección, Padre Amigó, 5. Madrid.

Dicha exposición recoge una muestra de mis últimos trabajos, donde muestro, como es habitual, tanto retratos como desnudos de modelos amateurs o con intenciones de ser profesional, de artistas de circo, cantantes, performers, estudiantes de flamenco, tatuadoras, etc.

Quiero agradecerlas el hecho de confiar en mi persona para desnudarse físicamente y en algunos casos emocionalmente, delante de un fotógrafo al que no conocían de nada, que contactó con ellas por internet y además trabajando mediante TFCD.

Las imágenes están tomadas con cámaras EOS 5D y 20D y con una Olympus E3, siendo impresas con una Epson 2400R sobre papel Canson Infinity Baryta y Lumijet White Velvet, lo que en fino serían “pingmentos encapsulados en resina sobre…”

sábado, 26 de noviembre de 2011

La caja secreta de Snowhite.

Museo ABC de Dibujo e Ilustración
Calle Amaniel 29-31
Del 30 de noviembre de 2011 al 8 de enero de 2012.
Más información en la web del museo.

A finales del siglo xx, en el jardín de la Mansión Hawthorn, se encontró una caja de la que escaparon los secretos y los sueños de la pequeña Snowhite, hija de Lord Hawthorn y de su primera esposa. Snowhite había desaparecido misteriosamente en su temprana juventud pero los recuerdos recuperados ayudarían a reconstruir su corta y dolorosa vida.


El Museo ABC presenta la exposición La caja secreta de Snowhite basada en el libro homónimo de Ana Juan. La autora adapta libremente el cuento Blancanieves de los hermanos Grimm en Snowhite (Ediciones de Ponent, 2001) y en La Caja Secreta de Snowhite (No Time, 2010).


En 2010, Ana Juan funda junto a Manolo Gordillo la editorial No Time cuyo primer proyecto es la recopilación de todos los diseños e ideas que habían sido el germen del libro Snowhite para producir La caja secreta de Snowhite. Una caja de madera de edición limitada que contiene objetos personales de la protagonista y un cuaderno de bocetos donde se puede seguir el proceso creativo del libro. En ellos, la artista recupera el espíritu narrativo primigenio y relata una historia cruel basada en unos personajes profundamente malvados. La madrastra es retorcida y desconfiada, los enanos son unos empresarios déspotas y el príncipe se beneficia vilmente de la soledad de la protagonista. Ana Juan indaga en el territorio de lo ominoso, cuestionando el mensaje del cuento original, para alzar una manifestación sobre la soledad de la mujer y la incapacidad de regir el propio destino.

Esta exposición tiene un montaje interactivo en el que, partiendo de la excusa del hallazgo de la caja secreta, se abre al público el universo de la pequeña Snowhite. Los personajes adquieren formas tridimensionales a través de juegos artísticos de mecanismos tradicionales y sencillos que retoman los elementos ópticos, cinéticos, trampantojos o artificios del pasado. Juegos tradicionales que permiten llevar muy lejos nuestra imaginación.


Ana Juan (Valencia, 1961) inició su carrera ilustrando revistas que caracterizaron la época de la transición, como Madriz, La Luna o El Víbora. Más tarde empezó a colaborar con los periódicos nacionales El País y El Mundo, y con publicaciones internacionales como Elle, Woman, Time Magazine o Boston Globe. Además, ha publicado numerosos libros ilustrados como Snowhite, Demeter y Wackfield convirtiéndose en un referente en el mundo de la ilustración. Hoy es colaboradora de The New Yorker para el que ha ilustrado múltiples portadas, siendo la última en memoria de las víctimas del 11-S en su décimo aniversario. Ha sido galardonada con innumerables premios en el mundo de la ilustración y el diseño gráfico, entre los que podemos citar el Premio Nacional de Ilustración en 2010 o la medalla de oro de la Society of Newspaper Design.

La composición y el trabajo con la luz. Por Antonio López Díaz. ¡¡Últimas plazas!!.

Escuela Man Ray de Fotografía
Calle Virgen de Belen 16
Más información en la web de la escuela y en www.antoniolopezdiaz.com
Fecha: Sábado 3 de diciembre de 2011, de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 18:00 horas.
Alumnos: 15 máximo
Precio: 70 euros.


En el taller se valorarán las ventajas e inconvenientes de los diferentes sistemas de medición. Aprenderemos a interpretar la lectura del fotómetro de nuestra cámara para conseguir una exposición correcta. Trabajaremos con diferentes tipos de encuadres para hacer nuestras imágenes más atractivas y conseguir una lectura más coherente.

Una composición adecuada es imprescindible para obtener una buena fotografía. En este primer apartado del taller estudiaremos los fundamentos básicos para conseguir óptimos encuadres.
- La regla de los tercios. - El primer termino. - Composición simétrica. - Centro de interés.
- Perspectiva y líneas de fuga.

De poco nos sirve captar un momento único si la imagen resultante carece de una exposición adecuada.
- Sistemas de operación Obturación/Diafragma: - Manual.
- Prioridades.
- Programa. - Histograma. Interpretación.
- Compensación de la exposición. - Ahorquillado.

Nota: Cada alumno deberá traer una selección de sus fotografías para realizar un visionado y poder asesorarle en cómo mejorar sus tomas.

La trayectoria de la galerista Elvira González reconocida con la Medalla al Mérito en el Trabajo.


Elvira González Frax

La galerista Elvira González Frax ha sido reconocida por el Ministerio de Trabajo e Inmigración con la Medalla al Mérito en el Trabajo, en su categoría de plata. Este galardón premia la labor de más de cuatro décadas en el mundo del arte de esta profesional, que forma parte de una generación de mujeres españolas pioneras, que abrieron camino en el sector de las galerías de arte en nuestro país.

El premio llega doce años después de que, en 1999, le concedieran a Elvira González la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

Nacida en Madrid en 1937, inició su trayectoria laboral como bailarina, primero en la compañía de su madre Elvira Lucena, luego como primera bailarina del ballet del Teatro de La Zarzuela, para después continuar su carrera viajando por todo el mundo con la compañía de Pilar López.

En 1963 tras casarse con el pintor Fernando Mignoni, Elvira González se trasladó a vivir a París y abandonó el mundo del baile.

En 1966 regresó a Madrid y fundó con Fernando Mignoni la Galería Theo. Durante más de 25 años –entre 1967 y 1993–, Elvira González fue codirectora de esta sala pionera, que se convertiría pronto en un referente para el arte moderno y contemporáneo en nuestro país.

La Galería Theo acogió las primeras exposiciones en España de algunos de los artistas más importantes del siglo XX como Auguste Rodin, Juan Gris, Pablo Gargallo, Julio González, Lucio Fontana, Joseph Albers o Francis Bacon, además de recuperar todas la figuras de la Escuela de París. Valiente en su apuesta por el arte contemporáneo, Theo llegó a sufrir en 1971 un atentado, con motivo de la primera exposición de la Suite Vollard de Pablo Picasso.

En 1994 –a raíz de su separación del pintor Fernando Mignoni–, Elvira González fundó su propia galería. Desde entonces el enorme trabajo de la galerista madrileña continuó, con la misma pauta marcada por la Galería Theo acogiendo muestras de reconocidos nombres como Mark Rothko, Julio González, Adolph Gottlieb, Esteban Vicente o Donald Judd.

Ya en el siglo XXI, la incorporación de su hijo Fernando y de sus dos hijas Elvira e Isabel como directoras de la galería, aporta artistas nuevos enriqueciendo la nómina con la que ya contaba la Galería Elvira González. Nombres como Elena del Rivero, Olafur Eliasson, Lee Ufan o Robert Mapplethorpe han contribuido a la continuidad de la galería, reafirmándola como un referente del galerismo en España.

Shoji Ito: olor ya sin piel.

Galería Amador de los Ríos
Calle Fernando el Santo 24
Horario: Lunes a viernes de 11:00 a 14:00 y de 16:30 a 20:30 horas.
Hasta el 16 de diciembre de 2011.
Más información en la web de la galería

"Dicen que el grado de civilización es proporcional al grado de limpieza de la epidermis. Si el hombre posee alma, ésta debe residir en la piel".

Kôbô abe -La mujer en la arena-

"La señora Kasuga se sonrojó violentamente cuando su imaginación la llevó hacia otro aspecto del asunto. Al recibir una perla en el cuerpo de uno, no cabe duda de que – quizás un poco disminuido su brillo por los jugos gástricos- en uno o dos días es fácil recuperarla".

Yukio Mishma -La perla-

Shoji-Ito © Agua Técnica Mixta /cartón 37x47 cm

Junichiro Tanizaki, en El Elogio de la sombra, el más célebre de sus textos para el lector occidental, desarrolló toda una teoría estética acerca del valor y de las propiedades que a la hora de determinar la belleza en su cultura poseen esos casi imperceptibles matices que rompen el blanco mas puro imaginable con las distintas pátinas, capas de polvo, grasa o suciedad, mateados por el uso, etc., depositados sobre la superficie de los objetos, y muy especialmente en la piel del propio cuerpo humano.

Tanizaki despliega allí una sensibilidad exacerbada que recoge el aprecio japonés por los reflejos profundos y algo velados, bien distintos de nuestros asépticos brillos, superficiales y dicen que gélidos, a los cuales resulta bastante ajeno aquello que el autor denomina de manera sintética efectos del tiempo, que en verdad no son otra cosa, como él mismo reconoce en algún momento, que, sencillamente, el brillo producido por la suciedad de las manos.

Shoji-Ito © Fondo de bosque Técnica Mixta /cartón 93x48 cm

El brillo producido por la suciedad de las manos...la imagen es tan pregnante que no puede pasar desapercibida, y sin duda no ha sido elegida al azar: con ella Tanizaki viene a divertirnos no sólo de los mecanismos que ponen en funcionamiento su estética (contrariamente a los occidentales que se esfuerzan por eliminar radicalmente todo lo que sea suciedad, los extremo-orientales la conservan valiosamente y tal cual, para convertirla en un ingrediente de lo bello), o de las consecuencias derivadas de allí, no por extrañas ya entonces menos previsibles (la vista de un objeto brillante nos produce cierto malestar), sino que incluso nos va a servir de llave para acceder a toda una ambiciosa lectura alegórica de su tan particular fenomenología, cuando al final nos confiesa: me gustaría ampliar el alero de ese edificio llamado “literatura”, oscurecer sus paredes, hundir en la sombra lo que resulta demasiados visible y despojar su interior de cualquier adorno superfluo. Podríamos haber empezado por ahí; esa tardía confesión deja alguna molesta secuela.

Shoji-Ito © Pino anciano Técnica Mixta/acuarela 97x145 cm

Donde el autor entrecomilla “literatura” nosotros deberíamos leer “pintura”. Entonces, desde nuestra perspectiva occidental, cuyos modelos de representación se asientan sobre una identificación de la imagen como ausencia (la fábula de Plinio el Viejo acerca del origen de la pintura a manos de la hija del alfarero Butades, recorriendo la sombra de su
amado antes de su partida, es, en este sentido, emblemática), ¿qué oportunidad tenemos de llegar a apreciar realmente un trabajo como el de Shoji Ito? Tal como refiera Tanizaki en una anécdota de su libro, y que alguna amiga nipona me ha certificado e incluso matizado ampliándola al sentido del olfato, algunas damas japonesas llevaban trajes de noche tan buenos como los de las extranjeras y a veces su tez era más clara que la suya, pero bastaba que una de las japonesas se mezclase a un grupo, para que, con una simple mirada, se la distinguiera desde lejos. Me explico: por muy blanca que sea una japonesa sobre su blancura hay como un ligero velo. ¡Fascinante! Aletheia... desvelamiento o, en su etimología loca: sin latencia. Pero quizá bastara con recordar a Goethe, que vio con claridad que allí donde la luz es más brillante las sombras son más profundas. Que así sea. Y gocen sin sonrojarse de estas magníficas pinturas, del exótico perfume de su epidermis.

Oscar Alonso Molina (Madrid, Mayo de 2001).

viernes, 25 de noviembre de 2011

Japón, el paraíso de los personaJes animados.

Museo ABC de Dibujo e Ilustración
Calle Amaniel 29-31
Del 30 de noviembre de 2011 al 8 de enero de 2012.
Más información en la web del museo.

Un día en la vida del Japón, el paraíso de los personaJes animados. Quien haya viajado alguna vez a Japón, probablemente haya tenido la impactante experiencia de encontrar figuras de manga y anime en cada esquina de las ciudades. No solamente en zonas como Akihabara y Harajuku, conocida hasta en el extranjero por ser lugares sagrados para los personajes, sino también en supermercados y tiendas de recuerdos de cualquier pequeña ciudad del país se pueden encontrar incontables objetos estampados con imágenes de Hello Kitty y Pokemon. Masas de adultos desfilan para ver las películas producidas por Studio Ghibli y no es extraño cómo los fans acudan al montaje de personajes de la serie Mobile Suit Gundam..


Una encuesta de 2004 realizada a 1.210 personas (hombres y mujeres con edades comprendidas entre 3 y 69 años) llevada a cabo por el Bandai Character Research Center (Centro de Investigación de Personajes de Bandai) concluyó que el 79% de las personas encuestadas poseía productos relacionados con personajes y además el 90% de los encuestados admitió que había personajes que le gustaban. No cabe duda de que Japón es único en el mundo en su inusual afición por dichos personajes.

Los sesenta años de historia de Japón tras el fin de la Segunda Guerra Mundial pueden también describirse como la historia de la afición japonesa por las mascotas, ya que siempre han estado estrechamente relacionadas con una determinada etapa de la sociedad japonesa: desde los inicios del manga hasta la televisión y los juegos, y más recientemente, internet e instituciones públicas, aunque el medio en que surgen estas mascotas cambia a menudo.

La existencia de productos comerciales es incluso más importante. Junto con objetos de consumo como peluches o artículos de escritorio, estos productos abarcan un gran abanico de objetos diversos, desde accesorios de moda y de uso doméstico, hasta anuncios y servicios. Con el tiempo, su extensión y diversidad han aumentado hasta incluir todos los aspectos de la vida japonesa. Otro hecho relevante ha sido su atracción de niños a adultos, del uso familiar al personal y de cubrir las necesidades del ocio a las psicológicas y afectivas.

La afición de los japoneses por los personajes animados puede también ser interpretada en términos de sensibilidad estética tradicional. Takashi Murakami, uno de los artistas japoneses contemporáneos más conocidos, ha sugerido en su teoría Superflat, que el anime y la plasmación de figuras en dos dimensiones con un exceso de espacio abierto y con falta de profundidad es una extensión de las técnicas pictóricas japonesas como el ukiyo-e . Además, Kaichiro Morikawa, que acaparó gran atención gracias a su exposición Otaku:Personality=Space=Cities en la Bienal de Venecia, afirmó que ‘moe’ [literalmente ‘florecimiento’ pero en argot japonés se refiere al fetichismo], la gracia o el atractivo de una mascota por el hecho de resultar mona, rivaliza con los tradicionales wabi-sabi [término que describe los objetos caracterizados por su simpleza rústica] como uno de los valores estéticos más importantes de la cultura japonesa. Las raíces de este amor por los personajes se encuentran, por tanto en una sensibilidad estética tradicional y única que resulta de la receptividad y afición por la bidimensionalidad, la abreviación, el simbolismo y la simplificación. Es curioso pensar que en realidad podría haber una base común histórica entre la sensibilidad de la época Edo, durante la cual se daba gran importancia a las formas planas y poco profundas del ukiyo-e, y la de los japoneses contemporáneos que ven a los personajes del anime y del manga como entidades completamente reales.

¿Por qué a los japoneses les gustan tanto estos personajes y qué buscan exactamente en ellos? En la encuesta anteriormente citada se preguntaba sobre el efecto que producía en ellos el hecho de tener artículos relacionados con los personajes y la respuesta más común fue ‘tranquilidad’. En otras palabras: rodearse de mascotas relaja a las personas. Antes, la familia y los niños procuraban este efecto. Pero, en la sociedad contemporánea, a menudo se percibe que existe una falta de comunicación y confianza, la conexión emocional entre las personas se ha debilitado y mantenerla es difícil. Como resultado, las personas han desarrollado lazos emocionales fuertes con los personajes. De hecho, las mascotas han llegado a ser indispensables y han forjado un vínculo poderoso con la psique japonesa a modo de sustituto de la familia y los amigos. Muhyo kyara es un concepto popular en el mundo de las figuras. En general, las mascotas americanas provienen de dibujos animados y tienen rasgos faciales que expresan emociones fuertes. En cambio, las mascotas japonesas, en particular las de ficción como Hello Kitty, carecen de expresividad. Este tipo de figuras se conoce como personajes muhyo (inexpresivos).

Si se pregunta a una niña por qué le gusta Hello Kitty, probablemente contestará algo como ‘Kitty comparte mi pena cuando estoy triste pero también comparte mi alegría cuando estoy feliz’. En otras palabras, como el personaje no tiene expresividad, cada persona puede atribuirle una emoción arbitraria y proyectarse en ella. La falta de expresividad que caracteriza la naturaleza de los personajes japoneses está estrechamente relacionada con la mentalidad japonesa.

Como explicación acerca del vínculo afectivo y la tranquilidad que los personajes transmiten se podrían citar las creencias religiosas japonesas. Así, el mundo de las mascotas podría compararse con el de los diversos dioses de la cultura japonesa. Comparar la variedad de los animales y entidades naturales a nuestro alrededor con nuestros propios sentimientos permite a la gente establecer conexiones espirituales. Este tipo de visión de la tradición religiosa encaja perfectamente con el deseo japonés contemporáneo de forjar un vínculo espiritual con los personajes. Pese a no ser conscientes de ello, los japoneses al interiorizar mascotas tienden a sentir un poder misterioso análogo al de muchos dioses de su cultura. Esto a su vez puede explicar el motivo por el cual las figuras brindan más afecto y prometen vínculos más fuertes que las personas reales como la familia o los amigos, y de ahí que les hagan sus ofrendas. Con esto en mente, podemos ver los personajes que cuelgan de los teléfonos móviles y de las mochilas de las niñas japonesas como una especie de amuleto y el hecho de que forren sus habitaciones con productos relacionados con ello les da una sensación de bienestar que no resulta tan extraña.

Esta luna de miel con los personajes ha evolucionado por diferentes medios. En este punto, cada gobierno local y las instituciones públicas tienen una mascota representativa. Y la existencia simbólica de éstas a veces sobrepasa en visibilidad a los propios líderes locales. Las mascotas acaban desempeñando el papel de figuras sociales y públicas.

Disfrazarse de personajes anime en lugares como Akihabara y Harajuku es cada vez más frecuente y la línea divisoria entre el ser y el disfraz se está diluyendo. Los jóvenes sienten más apego por el cuerpo virtual de las figuras que por el suyo propio, esta luna de miel con los personajes animados parece estar alterando la sensibilidad japonesa con respecto al cuerpo. Y debido al auge de la realidad virtual en los entornos on-line, el estado de la identidad personal está también experimentando cambios. El ‘yo virtual’ que vive en la red como un personaje está empezando a sobrepasar al ‘yo’ que existe en el mundo real, en lo que podría considerarse como una manera perversa de desarrollar una nueva identidad. Otra evolución interesante es la popularidad de la Japan Expo que ha fomentado un interés global por la cultura japonesa de los personajes. Todas estas circunstancias se han tenido en cuenta a la hora de organizar la exposición que nos ocupa. En la primera sección, se examinan los cambios en la sociedad y las mascotas que han ido surgiendo en cada periodo. De ello se desprende que el estilo de vida en Japón y los personajes japoneses están estrechamente relacionados con la historia del país después de la guerra. La segunda sección muestra una fiel reproducción de la habitación de una adolescente repleta de objetos relacionados con una figura mostrando el fuerte vínculo entre los japoneses y estos seres virtuales. Es el claro ejemplo de alguien que ‘no pude vivir sin mascotas.’ Finalmente, en la sección titulada ‘El futuro de los personajes’ se presentan ejemplos de nuevas versiones que cada vez son más populares. En el futuro, este tipo de creaciones pueden llegar a ser el centro de la cultura de las mascotas. En conclusión, lo que se pretende es que a través de esta exposición el visitante pueda comprender mejor esa relación tan estrecha y tan extremadamente futurista que los japoneses mantienen con los personajes animados.

AIHARA HIROYUKI Presidente de Character Research Institute Co. Ltd

Aral. El mar perdido. Un documental de Isabel Coixet.

Roca Madrid Gallery
Calle José Abascal 57
Hasta el 21 de enero de 2012.
Más información en la web de la galería y en www.isabelcoixet.com. Podeis ver el documental aquí.


Madrid Roca Gallery acoge la exposición titulada: “Aral, el mar perdido”, a partir del documental homónimo de la directora catalana Isabel Coixet. La muestra, promovida por la fundación We are water , perteneciente a la empresa de saneamientos, consta del mencionado documental de media hora de duración y de una instalación con fotografías de Jordi Azategui y diversos gráficos explicativos, diseñada por el arquitecto-paisajista japonés Makoto Fukuda.
El proyecto, que se podrá visitar de forma gratuita hasta el 21 de enero de 2012 en este espacio multidisciplinar de Roca, pretende ser testimonio de una de las grandes tragedias ecológicas del siglo XX.

Para más información: Madrid Roca Gallery (C/José Abascal, 57. Madrid). Visitas guiadas gratuitas a la exposición. De lunes a sábado a las 11:30 h, 13:00 h, 14:30 h, 17:00 h, 18:30 h y 19:30 h. Inscripciones: 91 442 30 34. info.madridgallery@roca.net
La directora presentó su documental en el marco del Festival de Cine de San Sebastián , en septiembre de 2010. Por entonces, Coixet señaló que para ella, el Mar de Aral “hasta hace poco era una mancha azul cobalto en el mapa que estaba colgado en la pared de clase en los viejos colegios. Una mancha que empezó a hacerse más pequeña. Más pequeña. Más pequeña. Hasta que un día fue sólo una sombra de lo que fue”.

Las cifras y datos de la tragedia las podrá conocer el espectador en el vídeo de Coixet. En Internet también es factible encontrar mucho material sobre la desecación del mar de Aral y sus consecuencias ecológicas, económicas y sanitarias. Son bastante socorridos los datos procedentes de la correspondiente entrada de Wikipedia, incluyendo la breve lista de las posibles soluciones:

Mejora de la calidad de los canales de irrigación.
Instalación de plantas de desalinización.
Imposición de tasas a los campesinos por el uso del agua de los ríos.
Introducción de especies de algodón alternativas, cuyo cultivo requiera menor cantidad de agua.
Trasvase de agua de los glaciares de Siberia para reemplazar el agua perdida en el Aral.
Utilización de menos productos químicos en el proceso del algodón.

Desde hace unos siete años se vienen emprendiendo acciones para recuperar la masa de agua del Aral, a partir de una serie de proyectos emprendidos por los gobiernos de Kazajistán y Uzbekistán. En agosto de 2008, el gobierno de Kazajstán anunció que el plan de rescate del mar de Aral de 260 millones de dólares, financiado por el Banco Mundial, estaba dando sus frutos. El Mar Norte de Aral había aumentado su superficie en un 30% y su profundidad en 30 metros. Peces, aves acuáticas y reptiles empezaban a repoblar la zona, e incluso se estaba empezando a explotar la pesca comercial . Esto era posible por la construcción del denominado dique Kokaral para recuperar la porción norte del mar de Aral, donde residen la mayor parte de la población costera. Sin embargo, se suele omitir que el sur, mucho más desertificado, está siendo dejado a su suerte en Uzbekistán.

Cabe señalar, además, que el think tank paquistani SDPI (Sustainable Development Policy Institute) ha desarrollado un grupo de trabajo específico para salvar el Mar de Aral, promoviendo la gestión global y transfonteriza del proyecto. Este grupo adquirió una experiencia extra durante las graves inundaciones padecidas por Pakistán en julio de 2010 lo cual le ha llevado a realizar evaluaciones del estado del medio ambiente en Asia Central y el posible impacto sobre el clima de Pakistán y la región en su conjunto. La formación del grupo de trabajo del SDPI también refleja la aplicación de la Estrategia Internacional para la Reducción de Desastres (EIRD), una metodología estratégica para lograr una reducción sustancial de los desastres hidrológicos.

El proceso de desecación del Mar de Aral es uno de los mayores desastres ecológicos de la historia. Entre 1954 y 1960, el gobierno de la antigua URSS, con la intención de cultivar algodón en la región, ordenó la construcción de un canal de 500 km de longitud que tomaría un tercio del agua del río Amu Daria para una enorme extensión de tierra irrigada. La necesidad cada vez mayor de agua, debida a la mala gestión de su transporte y a la falta de previsión y eficiencia del riego, supuso tomar agua de más ríos que desembocaban en el Mar de Aral.
Por ello, en los años ochenta, el agua que llegaba a puerto era tan sólo un 10% del caudal de 1960 y el Mar de Aral empezó un proceso de desecación. En consecuencia, el Mar de Aral ocupa actualmente la mitad de su superficie original y su volumen se ha visto reducido a una cuarta parte, el 95% de los embalses y humedales cercanos se han convertido en desiertos y más de 50 lagos de los deltas, con una superficie de 60.000 hectáreas, se han secado.
Documental dirigido por Isabel Coixet y narrado por Ben Kingsley.

Ruslan Galazov. Melancolía, cómo no...

Galería Amador de los Ríos
Calle Fernando el Santo 24
Horario: Lunes a viernes de 11:00 a 14:00 y de 16:30 a 20:30 horas.
Hasta el 16 de diciembre de 2011.
Más información en la web de la galería y en www.ruslangalasov.com

Ruslan Galazov © Familia y toro. 2000 Óleo/ lienzo 160x140 cm


"Para los hombres fatales, todos los acontecimientos, incluso los más tristes, y quizás 'sobre todo éstos', son necesarios al desarrollo de esas fuerzas ocultas que hay en ellos".

Giorgio de Chirico

Ruslan Galazov © Un hombre. 2002 Óleo/ tabla. 50x40 cm


Del convulso panorama artístico ruso durante las dos o tres primeras décadas del siglo pasado nos llegan noticias contradictorias y sorprendentes -algunas ciertamente maravillosas-; señales casi todas ellas de una auténtica vitalidad espiritual que agitó por un tiempo la idiosincrásica indolencia y melancolía de ese país.

Eran tiempos heroicos, se dice ahora, para unas artes y una literatura que sin perder de vista sus propias tradiciones folklóricas entraban en contacto con las manifestaciones más innovadoras de Francia y Alemania, esforzándose por conjugar ambas dicciones de manera original, esto es: auténtica, asumida. Algo que no siempre se consiguió sin caer en cierto impulso mimético o, en el peor de los casos, un lamentable solecismo que no sostiene nuestra mirada décadas después sin cierto arrobo. Pero cuando el encuentro se produjo de la manera más feliz, sincrética, amalgamándose ambos hasta llegar a formar un todo sin fisuras donde los modos de la leyenda, el pasado nacional y sus costumbres y estilos se fundían con la quimera del futuro que los revolucionarios imaginaban al alcance de todos pero inalcanzable, el resultado no deja de deslumbrarnos aún hoy.

Ruslan Galazov © Mujer tumbada Óleo sobre lienzo 100x82 cm


Luces y sombras, tenebroso decir de las imágenes... trasfondo jánico de lo que hoy reunimos bajo la idea de La Modernidad, y cuyo desarrollo en el terreno del arte vio en Rusia/URSS la encarnación emblemática de su destino fatal, como bien se pude rastrear a partir de la sucesión de propuestas antagónicas que, por regla general, sostuvieron la esperanza de ordenar los mundos de la vida a imagen y semejanza de ese ambiguo y maleable modelo que podría llegar a ofrecer el arte conducido. Es lo que Jean Clair ha visto de una forma tan sesgada, pero no sin cierta razón, cuando escribe: "Acabar con Viena y construir una autopista por encima de su Gran Canal, quemar los museos y sus obras maestras, llevar a juicio a los grandes escritores, excomulgar a sus pares: los proyectos de la modernidad en arte rebosaban de proezas que provocan aún hoy la incredulidad y el regocijo de los estudiantes. Los desastres espirituales que los heraldos de la vanguardia habrían podido cometer si se hubieran hecho con el poder, se asemejaría a los cometidos unos años más tarde por la modernidad en política."

Ruslan Galazov © El baño Óleo sobre lienzo 65x55 cm


Lo cierto es que los acontecimientos se sucedían a una velocidad irresistible y apenas había tiempo para pensar: en 1912 Larionov, Goncharova, Malevich y Tatlin
rechazando las influencias "occidentales" (es decir, fauvista y expresionista), despejaban el camino para su Cubo-futurismo, Rayonismo y Suprematismo; tan sólo cuatro años más tarde la Asociación de Artistas de la Rusia Revolucionaria (AKhRR) rechazó el arte abstracto, anticipando los principios básicos del Realismo Socialista; en 1917, empapados de un entusiasmo generalizado en el cual los artistas abrazaban la idea de un arte popular partícipe activo en la reconstrucción social revolucionaria, Gabo, Pevsner, Sytenberg, Barnoff-Rossiné, entre otros muchos, regresan de Occidente; en 1921 los mismos Gabo y Pevsner, junto a Chagall y Kandinsky abandonan el país; en 1932, por decreto del Comité Central del Partido Comunista de la Unión, se disuelven todas las organizaciones literarias y artísticas, fundándose una única Unión de Escritores (solución parecida se propondría para las artes, aunque ésta no se llevó a cabo hasta 1957)...

Ruslan Galazov © Camino. 2000 Óleo sobre tabla 50x40 cm


Valga este excurso porque ante estos cuadros de Ruslan Galasov con que ahora les dejo no he podido dejar de preguntarme la historia que cuentan silenciosamente y que sospecho responsable de su tristeza latente. Esa mixtura habitual en él de paisaje y naturaleza muerta, amasados ambos con una pasta densa y llenas de oscuridades; lo mismo que esas cabecitas a lo Modigliani, ligeramente ladeadas en una postura de abandono o ensimismamiento, sus miradas soñadoras, su mínima sonrisa que está a punto de ser otra cosa..., desasosegantes. "La melancolía es mi alegría / y la inquietud mi descanso", decía Miguel Ángel.

Óscar Alonso Molina (Madrid, mayo de 2003)

Visita a Contraluz, de Juan Gatti.


Ayer me pasé por Canal para ver esta exposición, que es de las que tengo señalada en rojo en el calendario desde que me enteré de su programación. Aquí tenéis más información sobre fechas, horarios y demás.

Pedro Almodóvar, le iba a utilizar de "bicho", pero le pedí que posara. Detrás del él, algunos de los trabajos más internacionales de Gatti, Oscars aparte, claro.

Como suele ser habitual en esta sala, la exposición se reparte por todas sus plantas, finalizando con una proyección en el depósito.
En la planta baja están sus trabajos más conocidos, que no sé cómo han sido capaces de meter tantísimo material sólo en ese espacio.


Dibujos, fotografías de moda en gran formato, series de retratos en blanco y negro, carteles... incluso hay una zona dedicada a productos en los que utilizaron sus diseños. Una recopilación de todo su trabajo en los últimos 30 años.


Esta parte de la exposición es la que más tiempo os va a llevar, porque no hay rincón en el que no te toque detenerte un rato. No sé la de vueltas que he dado para no dejarme nada sin ver.


Aunque de esta parte destacaría todo, sus retratos en blanco y negro y las series de dibujos merecen una mención especial, sobre todo por "actuales".



En el resto de plantas de la sala nos muestra su último trabajo, que su vez, da título a la exposición: Contraluz.


Como se aprecia en las imágenes, son fotografías enormes en blanco y negro a las que puedes acercarte cuanto quieras; fijaos sino en los ojos de los gorriones.


Esta parte ocupa tres plantas en una oscuridad casi total. Contrasta mucho con el colorido de sus otras obras, y la sensación que tienes es de ser muy pequeño y estar dentro de la obra en sí.

Después de ver la exposición salí hacia Casa de América, donde los días 24 y 25 de noviembre se están celebrando una serie de charlas con el título "La literatura en las cosas".

De izquierda a derecha: Xavier Velasco, Sara Brito, Daniel Samper Pizano y Jorge Drexler."Letra y música".

He llegado a tiempo de asistir a las dos últimas: "Escribir para el futuro: La literatura en medios electrónicos y redes sociales" y a "Letra y música: La literatura en la música.

Por si os interesa, os dejo el programa para hoy. La entrada es gratuita hasta completar aforo.

Disfrutad del fin de semana.

jueves, 24 de noviembre de 2011

Jesús Max "Back from paradise".

Galería Evelyn Botella
Calle Mejía Lequerica 12 1º D
Horarios: martes - viernes, 11 - 14h y 16,30 - 20,30h - sábado, 12-14h y 18 - 21h
Inauguración 24 de noviembre de 2011 a las 19:30 horas.
Más información en la web de la galería y en www.jesusmax.com


"The pink blanket" 61 x 91,5 cm. Óleo sobre gessobord, 2011. © Jesús Max

La nueva exposición de Jesús Max en la Galería Evelyn Botella, con el título Back From Paradise, está formada por dos series de pinturas sucesivas, bien diferenciadas, realizadas durante los tres últimos años.

La primera de ellas son pinturas de objetos donde aparecen instrumentos de laboratorio y otros artefactos ubicados en fondos abstractos, o bien paisajes más o menos improbables. Las imágenes funcionan como paradojas conceptuales y hay un gran énfasis en el color.

La otra serie, más numerosa e inmediatamente posterior, la forman retratos de personas de su entorno, con un marcado carácter alegórico. Algunos de los personajes retratados habitan fragmentos de paisajes de Patinir, Rafael o Poussin, donde las proporciones anatómicas de los modelos están alteradas contradiciendo el aparente realismo de las figuras. Ojos flotantes y criaturas diversas se superponen o comparten el escenario con los personajes retratados, creando en ocasiones una atmósfera de cuento de hadas.

A pesar de las diferencias aparentes, las dos series tienen elementos en común: el interés por lo oculto, el tono tragicómico y la referencia velada al Paraíso (o más bien a su precariedad).

El espíritu de esta exposición es el de una colección de pintura de gabinete alejado de monumentalismos. La intención es establecer un diálogo con el espectador, realzando el misterio de las piezas, sustituyendo el tamaño por la intensidad. El título, como no podía ser menos, ofrece varias pistas, ya sea en el sentido literal del viaje transatlántico (ida y vuelta, del artista y la obra), como en el metafórico (el jardín bíblico, la infancia, el amor).

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Jesús Max’s latest exhibition in our Gallery – Back from paradise – consists of two different and consecutive series of paintings made during the last three years.

The former set are paintings of objects where laboratory instruments and other artefacts appear on abstract surfaces or unlikely landscapes. With a great emphasis put on colour, these images work as a conceptual paradox.

The latter set is more numerous and was produced immediately after. It’s formed by portraits of people from the artist environment with a pronounced allegorical nature. Some of the portrayed characters inhabit fragments of Patinir, Rafael or Poussin’s, landscapes where the anatomic proportions are altered in conflict with the apparent realism of the figures. Floating eyes and various types of creatures share the scene with the depicted characters creating sometimes a fairy-tale atmosphere.

Despite of the obvious differences, both series have common elements: the interest for the hidden, the tragicomedy tone and the veiled reference to Paradise (or rather its scarcity).

The spirit of this exhibition is that of a cabinet painting collection but far away from monumentalism. The intention is to establish a dialogue with the beholder, bringing out the mystery of the artworks, replacing size for intensity. The title, as one would expect, offers several clues, both literally referring to the transatlantic voyage – back and forth – of the artist and his works, and the metaphorical one to the garden of Eden, childhood and love.

Galería Evelyn Botella - Noviembre de 2011

The 75 Best LIFE Photos.

Pulsa sobre la imagen para acceder a la galería.

Inmigrantas. Esa palabra no existe.

Galería Fúcares
Calle Conde de Xiquena 12 1º Izquierda.
Del 26 de noviembre de 2011 al 11 de febrero de 2012.
Más información en la web de la galería.


Pilar Beltrán, Pep Dardanyá, Paloma G. Doctor, Miguel Orts y Marta Soul.

La Galería Fúcares presenta en su espacio de Almagro la exposición "Inmigrantas. esa palabra no existe”, un proyecto comisariado por Mira Bernabeu.

Escribir algo sobre inmigración a esta alturas es difícil; difícil decir, gritar y denunciar todas y cada unas de las injusticias que sufre el inmigrante. En este país en el que vivimos (España) donde el inmigrante ya no quiere recordar que fue uno de ellos, los artistas contemporáneos continúan reflexionando sobre la situación del inmigrante que llega a España, pero pocos son los que reflexionan sobre el inmigrante español en el extranjero, bien en la actualidad o en el pasado tan reciente aun. Aunque una misma cosa nunca es exactamente igual si la observas en diferentes lugares; La situación del inmigrante se suele parecer allá donde quieras mirar; siempre parece ser una imagen triste y dramática, donde la víctima parece a la vez resignada y rabiosa con su situación. Quizás la culpa la tengan los medios de com unicación que alimentan constantemente nuestras mentes, para disfrute de nuestra superioridad y compasión. Muy pocas veces, salvo en esta ocasión, Vamos a poder ver lo contrario a esta cara dramática y prepotente.

MIGUEL ORTS. "Manhattan St. Staten Island. NY", 2008
C-Print en Hahnemühle sobre aluminio lacado. 33 x 26 cm. Edición 1/10

De ahí que en esta exposición haya decidido recopilar aquellos trabajos de artistas que reflexionando sobre todos estos conflictos nos muestran la otra cara de la moneda. Artistas que reflexionan tanto sobre la imagen que el propio inmigrante tiene de él mismo como sobre la imagen que tenemos los que no lo somos; sobre sus espacios de vivienda y reflexión, sus limitaciones espaciales y de actuación o las nuevas segundas generaciones de inmigrantes que por fin enriquecen este país.

Solamente quiero agradecer a todos los artistas que participan en este pequeño proyecto que he titulado Inmigrantas, ya que sin ellos el inmigrante siempre aparecería representado de la misma manera y en el mismo contexto: trágico e indigno.

Mira Bernabeu