jueves, 31 de enero de 2013

@Ivorypress Siderian Tides, de Daniel Lergon.

Ivorypress Gallery
Calle Comandante Zorita 48
Del 12 de febrero al 16 de marzo de 2013.
Más información en www.ivorypress.com y en Daniel Lergon en Tumblr

Untitled | Daniel Lergon, 2012 | Cortesía de Ivorypress

Ivorypress presenta Siderian Tides, la primera exposición individual en España del artista alemán Daniel Lergon (Bonn, 1978). La muestra recoge sus últimos trabajos, en los que refleja sus estudios sobre el color, la interacción de la luz sobre diversas superficies y los efectos ópticos.

Desde que comenzó su formación en la Universität der Künste (UdK) de Berlín con el profesor Lothar Baumgarten, la pintura de Daniel Lergon ha abordado el diálogo entre la luz y los materiales. Sus piezas reflejan un concepto pictórico propio, fundamentado en la investigación de la interacción entre la luz y la superficie, a partir de la cual se origina el color.

Untitled | Daniel Lergon, 2012 | Cortesía de Ivorypress

El título de la exposición, Siderian Tides (Mareas sidéricas), alude al Sideriense, un período geológico que comenzó hace 2500 millones de años, cuando tuvo lugar la llamada “Gran Oxidación” que hizo posible la composición química actual de los océanos y la atmósfera. En dicho periodo también se generó la glaciación Huroniana, una de las mayores que ha sufrido el planeta.

El hierro y el hielo fueron, por tanto, las claves de dicho periodo y son también esenciales en las pinturas de Lergon que podrán verse en Ivorypress Space. En palabras del artista, estas piezas implican “una metáfora de la dualidad de la luz y la materia: el color se genera mediante la combinación de los efectos lumínico-ópticos de la pintura y el barniz transparente aplicado sobre un tejido retrorreflectante, así como por la acción del agua sobre materiales como, por ejemplo, el hierro”. En ambos casos, lo que se utiliza son medios y soportes pictóricos transparentes, no pigmentos coloreados. De este modo, la dualidad, que oscila de la herrumbre al blanco semejando una marea, se repite como las olas del mar.

A diferencia de la pintura realizada según las técnicas clásicas, que aplican una paleta de colores sobre una base neutra, Lergon utiliza una superficie de tela de diferentes cualidades ópticas y físicas. En el caso de la aplicación de laca y barnices transparentes sobre tejido retrorreflectante, la reflexión y la refracción de la luz producen un amplio abanico de efectos lumínicos que varían dependiendo de la posición del espectador. Se produce así una transformación de la imagen inducida y se altera su percepción, de manera diferente a las pinturas en las que el agua actúa sobre el hierro. Daniel Lergon combina estos subtextos científicos y este despliegue óptico con un enigmático lenguaje pictórico. El resultado es inclasificable y bascula entre dichas dualidades, un rasgo característico de su producción.

Con la presentación de Daniel Lergon, Ivorypress Space consolida su apuesta por artistas internacionales emergentes dentro de su programación anual.

@BNE_biblioteca Durero grabador. Del Gótico al Renacimiento.

Biblioteca Nacional de España
Sala Recoletos
Pº de Recoletos 20-22
Del 7 de febrero al 5 de mayo de 2013.
Más información en www.bne.es


La exposición Durero grabador. Del Gótico al Renacimiento, comisariada por Concha Huidobro (Jefa de la Sección de Grabados del Servicio de Dibujos y Grabados de la Biblioteca Nacional de España) y que podrá contemplarse entre el 7 de febrero y el 5 de mayo en la sala Recoletos de la BNE, representa una muestra del genio creativo de uno de los grandes artistas de los siglos XV y XVI. Consta de 116 estampas sueltas y seis libros, pertenecientes a la Biblioteca, y está dividida en cuatro secciones, en la primera de las cuales se muestra un panorama del grabado alemán de la época de Durero, con piezas de artistas de las escuelas de Nuremberg, Ausburgo, Basilea, Estrasburgo y Sajonia, entre otras, junto con las del grupo de los Pequeños Maestros.

Así pues, se cuelgan obras de Hans Golbein, Lucas Cranach, Hans Baldung Grien, Albretch Altdorfer, los hermanos Baham, Georg Pencz, Heinrich Aldegrever o Hans Burgkmair. En este apartado se puede percibir la calidad de los grabados de estos artistas, que contribuyeron con su obra a que esta época fuera considerada la edad de oro del grabado alemán.

El resto de secciones están dedicadas enteramente a los grabados de Alberto Durero, con un total de noventa y tres obras, que se muestran de forma cronológica. Según indica la comisaria, “todos los fondos de esta muestra, las ciento dieciséis estampas y los seis libros, pertenecen a la BNE, y en ella están sus mejores grabados. Básicamente, las mejores obras de Durero, se conservan en la Biblioteca. Entre ellas, las series religiosas, El Apocalipsis, La Pasión, La vida de la Virgen, las dos pasiones pequeñas... las tenemos completas. Por ejemplo, del Apocalipsis, se expondrán la portada y cinco estampas, y cuatro de la Virgen, otras cuatro de la Pasión grande, y ocho de las dos “pasiones” pequeñas. Entre los libros, podemos destacar la portada del incunable de San Jerónimo, que se cree que es el primer grabado de Durero. Nuestra colección es la más importante de España, y una de las mejores del mundo. Quizás las más importantes sean la que se conservan en el British, en la Biblioteca Nacional de Francia, en Nuremberg y Berlín”.

Belleza y religión

De su primera época (1490-1498) están las estampas que realizó para el gran libro El Apocalipsis. En la segunda (1499-1514), el artista siente una gran preocupación por las proporciones del cuerpo humano y la búsqueda de la belleza, que da como resultado el magnífico buril Adán y Eva. También, series religiosas como La pasión grande, La vida de la Virgen, La Pasión pequeña, y piezas tan importantes como El caballero, la muerte y el diablo, La Melancolía y San Jerónimo.

De entre las anteriores, La Melancolía es la que mayor cantidad de literatura ha generado, bien por su belleza expositiva, como por su compleja iconografía, su mesaje misterioso o su excelente manejo del buríl. La última parte de la exposición (que comprende la etapa de 1515-1528), se centra, por un lado, en los trabajos que Durero hizo para el emperador Maximiliano, en lo que ha venido a denominarse el periodo decorativo, y van desde El arco triunfal al Gran carro triunfal. También se exhibirán su retrato, su famoso Rinoceronte, varios de sus pocos aguafuertes, otros retratos y sus últimas obras religiosas. Igualmente, pueden contemplarse tratados de arte ilustrados con xilografías.

A Durero siempre le obsesionó la idea de la muerte, pero no dejó de afirmarse en la vida. Su fama como magnífico grabador fue internacional, sus novedosas soluciones técnicas, su cuidado por el detalle, revolucionaron el mundo del grabado.

La exposición Durero grabador. Del Gótico al Renacimiento está coorganizada por la BNE y la Fundación CajaCanarias.

Ya esta abierto el período de inscripción para participar en OPEN STUDIO 2013.


Ya esta abierto el período de inscripción para participar en OPEN STUDIO 2013. Descarga a continuación las normas y solicitud de participación. Envía la solicitud cumplimentada y firmada, junto con la información requerida a artistas@openstudio.es

Solicitud de Participación

Normas de Participación

Toda la información en http://openstudio.es

Simenón Saiz Ruiz "J’est un Je” (Final) y “Flores, risas, poder” (Comienzo).

Galería Fúcares
Calle Doctor Fourquet 28
Del 2 de febrero al 26 de marzo de 2013.
Más información en www.fucares.com

“Personaje nº 10”, 2013. Óleo sobre lino. 35 x 33 cm

“J’EST UN JE” (FINAL) Y “FLORES, RISAS, PODER” (COMIENZO).

“No hay más luz de flores / Cubríos de moho, los cielos / (No hablo para los enemigos / Sino a vosotros, amigos) / …. / Sellada con el lacre / La victoria está madura / Ahora nos da todo igual / ¡El Sol degollado yace a nuestros pies! / … / -Hemos arrancado el Sol con sus raíces frescas / Huelen a aritmética, grasientas, / Aquí está, ¡miradlo!”[1]

Miremos. Si Alberti decía que una pintura debería representar personas de toda edad y condición, en mi exposición habrá cuadros que abarquen toda la gama de posibilidades en cuanto a la naturaleza de sus imágenes. Las habrá pintadas a partir de documentos reales (imágenes televisivas) y pintadas a partir de documentos ficticios (otros cuadros), habrá imágenes tomadas directamente de la realidad -todas estas imágenes a su manera son a su vez documentos que registran dentro de los códigos propios de la pintura, algo real-, e imágenes que sólo son ellas mismas. Faltará una imagen ficticia.

La ausencia tiene que ser palpable, sentirse presente. Porque quiero hablar de lo real, no de simulaciones. Soy consciente de la importante mezcla de ficción y no ficción en la producción artística de los últimos años, que nos fuerza a tomar una posición al respecto. Mi posición es que la interpretación de la realidad ya constituye una ficción. Puede hablar sobre un mundo real o de fantasía. La imaginación nos entretiene, pero lo que necesitamos cambiar es el mundo real. Éste es posible que lo ficcionalicemos parcialmente para hacérnoslo más habitable y así lo utilicemos para que no veamos cómo está constituido y sobre todo para que no saber cómo puede cambiarse.

En la sala dos series, una que concluye y otra que comienza. Son los tiempos con sus propias oleadas de transformaciones los que fuerzan los cambios. No voy a extenderme sobre los efectos de la crisis económica, la pérdida de credibilidad por no decir legitimidad de la política y la sensación de dictadura del capital. Las dos series se funden en la exposición y de su diálogo espero que nazca algo propio.

Con las imágenes de las víctimas de las guerras de los Balcanes llevo trabajando desde antes de 1996. Su fin es una decisión arbitraria. No lo sería si ya no dispusiese en mi archivo de la época de ninguna imagen más susceptible de ser pintada. Estará, en cualquier caso, el cuadro que siempre imagine como cierre. En él apenas se distingue a una persona en medio de las ruinas de una ciudad entre cuyos escombros apenas se adivinan restos humanos. Desearía que como dice Foster de Warhol, esa conjunción no sólo haga patente la representación de lo traumático sino que produzca su efecto en el espectador. Las imágenes de esta serie son muy dramáticas, aunque la pintura busca evitar que el espectador las rechace por ello. Ocurrían no muy lejos, pero en otro lugar.

La que comienza consta de conjuntos heterogéneos de imágenes, aún formándose. Ahora el drama, de otra naturaleza, está aquí. Por eso las imágenes, por el contrario, pretenden expresar la felicidad y el júbilo del hombre y la mujer cuando consiguen vivir con dignidad. La alegría que, por su propia existencia, puede ejercer una función crítica, siempre que su ámbito sea el de lo político.

Hay cuadros, pues, de gente riendo.

La combinación de una víctima de un conflicto bélico y de alguien riendo que además posa en una vestimenta que podemos intuir como militar, puede hacer saltar chispas. Son intencionadas. Aunque espero que no provoquen fuegos de emociones incontroladas. La ira contra los personajes riendo, o contra el autor, estaría mal dirigida, porque estas personas no se ríen de las víctimas ni tienen nada que ver con su asesinato. Ríen simplemente porque son seres con sentimientos y emociones. Y es la risa compartida del espacio público no la del espectáculo consumido privadamente.

Ríen dos grupos distintos. En uno, gente real, sacada de las imágenes que se han publicado en la red de las manifestaciones durante la primavera árabe en Egipto. Tienen una razón muy concreta para la alegría que expresan que mira al futuro. En otro, personajes de ficción nos llegan del pasado. Están tomados de un cuadro del pintor soviético Yury Mikhalovich Neprintsev (1909-1996), Descanso tras la batalla, del que existen tres versiones. La de 1955, del Museo Tretyakov, es de la que me he servido. El cuadro a su vez está basado en otra ficción, el poema Vassili Tyorkin de Aleksandr Tvardowsky (1910-1975), sobre un soldado ruso durante la Segunda Guerra Mundial. De ambos poco más conozco. Mi relación con el cuadro se desprende exclusivamente de lo que se ve en una reproducción.

Unos y otros están para dejar testimonio de que incluso dentro del drama y la tragedia, son seres humanos. En las flores se manifiesta el carácter exuberante de la existencia. El tercer hilo que compone la nueva serie es una combinación de un cuadro de un jardín lleno de flores, pintado a partir de apuntes tomados in situ en una ciudad polaca situada en el trayecto entre Varsovia y Cracovia, con una proyección de diapositivas de ese mismo trayecto. No es la primera vez que he trabajado con la yuxtaposición de pintura con imagen fotográfica proyectada, que me parece tan evidente que no comprendo cómo no es usada más a menudo por los artistas o por mí mismo. Hace casi veinte años presenté una proyección múltiple de imágenes que también fueron tomados en ruta, junto con copias de autorretratos de Rubens y de S. A nguisola. Un amigo me dijo que cuando vio mi copia de Rubens pensó que me había vuelto loco. Y otro me preguntó que por qué no había pagado a alguien para pintar las copias. Sacaron a la luz razones de por qué alguien pinta. El pintor pinta precisamente para volverse loco, esto es, para hacer lo que nadie espera de él, y porque le gusta hacerlo. Pintar un jardín lleno de flores es también una locura.

Para la flor exuberante no hay culpa acompañando a lo que hace para existir. Pero el hombre cae a un lado o al otro, con el verdugo y la culpa o con la víctima y el desamparo. Podemos intentar que haya vida sin verdugos y víctimas. Que haya vida, en definitiva.

Poco puede hacer la pintura. Pero quizás algo pueda. Las flores crecen cerca de las vías férreas que transportaban las víctimas desde los guetos a los campos de exterminio. Esta fuerza de crecer a pesar de lo que hay alrededor podría entenderse como indiferencia. Pero quizás también puede entenderse como la lucha por existir con dignidad, en toda su fragilidad y desamparo.

Quizás seamos afortunados de que sigue habiendo flores, poesía y pintura después de Auswichtz

OH! , Susanne S.D. Thelmitz.

Galería Arana Poveda
Calle Lope de Vega 22
Del 8 de febrero al 4 de abril de 2013.
Más información en www.aranapoveda.com y en www.susannethemlitz.net


Susanne S.D. Themlitz (Lisboa, 1968). Vive y trabaja entre Colonia y Lisboa. Desde 1992 ha expuesto con regularidad en innumerables museos e instituciones museos de Portugal, Alemania, Francia y España tales como el MAS (Santander), Calouste Gulbekian (Lisboa) ,Museo do Chiado (Lisboa), Hans-Peter-Zimmer Foundation (Düsseldorf) y en las galerías Vera Cortés (Lisboa), Angeles Baños (Badajoz), Steiner Gallery (Berlin), Carla Stützer Gallery (Cologne), Luis Serpa (Lisboa) entre otras. Ha participado en ferias como: ARCO (desde el año 1998), Slick Art Fair, ArtBo, ArtRio, ArteLisboa, ScopeBasel, Art13 London.

Su obra se encuentra en colecciones como Cámara Municipal de Almada (Portugal), Ar,Co(Lisboa, Portugal), Banco Espírito Santo (BES / Portugal), Museo BordalloPinheiro( Portugal), Caixa Geral de Depósitos/ Culturgest (Portugal), Fundación Carmona e Costa(Portugal),Museo Iberamericano de Arte Contemporáneo (Badajoz, España), Fundación Fernando María Centenera (España), Fundación Fronteira&Alorna (Portugal),Fundación Ilídio Pinho(Portugal), Lisbon City Hall (Portugal), Museo de Arte Contemporáneo(Funchal, Portugal), Museo de Arte Contemporáneo Santander (España),FundaciónPLMJ (Portugal), Cámara municipal de Lisboa(Portugal), Cámara municipal de Ponte de Sôr(Portugal), Fundación Calouste Gulbenkian (Portugal), Museo Amadeo de Souza – Cardoso (Portugal), Museo de Arte Contemporáneo Funchal (Portugal), Museo de Arte Contemporáneo Elvas MACE (Portugal), Museo de Arte Contemporáneo MEIAC (España), Museo de Serralves (Portugal) y Hospital S. Francisco de Xavier (Portugal).

“OH!” es su primera exposición individual en ARANAPOVEDA tras la exposición Colectiva “Otras flores del mal” en Abril-Mayo de 2012 comisariada por Óscar Alonso Molina

La exposición individual OH!, refleja la potencia de su dibujo para configurar espacios íntimos e inmediatos a partir de historias entrecortadas que poseen un carácter onírico. Detrás del trasfondo orgánico se entiende algo más allá de lo vivo que nos habla del cuerpo, de las pasiones. La naturaleza, se transforma toda ella, en alegoría, infiltrando cierto nerviosismo e incertidumbre a lo que tradicionalmente conocemos como género paisajístico.

Las esculturas y los dibujos de Susanne S.D. Themlitz nos transportan a mundos paralelos y paisajes extensos apoyándose, algunas de las citaciones de la Historia del Arte. Son momentos desconcertantes, universos completos, paisajes vertiginosos, habitados y conectados por elementos más o menos extraños. Son líneas de diseño ligadas a espacios, abismos y vacíos

Autorretrato: el nuevo libro de Alberto García-Alix.



ALBERTO GARCÍA-ALIX

AUTORRETRATO

La Fábrica publica Autorretrato, un libro con muchas imágenes inéditas que pretende acercarnos a una parte clave de la obra de Alberto García-Alix, marcada por el carácter autobiográfico y por el esfuerzo constante de mirarse, de encontrarse consigo mismo a través del ejercicio fotográfico.

Autorretrato con chaleco. Alberto García-Alix.
Del libro Autorretrato, editado por La Fábrica


Alberto García-Alix (León, 1956) es uno de los intérpretes más importantes de la fotografía internacional contemporánea. A través de su obra fotográfica, audiovisual y escrita, el autor nos introduce en una dimensión emocional y autorreferencial que convierte todo su trabajo, mirado en conjunto, en un gran autorretrato expandido.

La Virreina Centre de la Imatge acoge la exposición Autorretrato, la primera gran monográfica dedicada a Alberto García-Alix en Barcelona, a partir del 7 de febrero de 2013.

Consigue tu ejemplar por solo 44 euros.

PUEDES VER Y COMPRAR EL LIBRO AQUÍ

miércoles, 30 de enero de 2013

Un par de joyitas... Libros de fotografía.


Hoy quiero recomendaros un par de libros que a su vez son o fueron catálogos de exposiciones de fotografía.
El primero es Nubes de un cielo que no cambia, exposición que pudimos ver hace unos años en Casa de América y que contiene fotografías de Ricky Dávila y poemas de Dufay Bustamante.
El otro libro es ¿En qué podemos creer y dónde?. Fotografías del oeste americano, de Robert Adams, que, como ya sabréis a estas alturas, tiene una expo retrospectiva en el MNCARS.

Frágil, de Alfonso Zubiaga. Fotografía.

Galería Pepe Pisa
Calle Gabriel Lobo 14
Del 6 de febrero al 6 de marzo de 2013.
Más información en www.pepepisa.com y en www.zubiaga.com

Serie Frágil
Fotografía © Alfonso Zuibiaga

Este último proyecto fotográfico empezó con un viaje a Groenlandia. Durante el tiempo en que recorrí el sur de la isla, prácticamente no vi nubes. Todos los días veinte horas de un radiante sol en un cielo despejado. Mis expectativas fotográficas no eran las esperadas. Tal vez de una manera platónica esperaba un clima hostil, frío, más intenso, que se ajustase más a un territorio cinco veces mayor que España con la mayor parte de su superficie cubierta de una gran capa de hielo de hasta tres kilómetros de grosor. Bajo el sol radiante, este paisaje sin límites me transmitía una tremenda sensación de fragilidad.

La fotografía del paisaje pretende captar la esencia del lugar, transmitir la fragilidad y el carácter esencialmente temporal de sus hielos, fragmentándolos en elementos flotantes sobre la misma imagen, fragmentos de espacio y de tiempo.

Encapsular la imagen en resina de poliéster, ha constituido un esfuerzo de investigación para llegar a controlar totalmente el proceso de producción de la pieza final. Un trabajo artesanal con un material imprevisible me ha permitido evolucionar de una forma coherente el desarrollo de mis últimos trabajos y reflejar la condena a muerte de estos hielos con el paso del tiempo. La finalidad es proponer al espectador una lectura mas compleja del espacio al hacer surgir algo de la tensión que se crea entre el espacio construido, poniendo en evidencia estos fragmentos de la imagen, y el espacio real, dejando entrever siempre la realidad lo suficiente para su comprensión. En definitiva, buscar un lenguaje plástico personal y distinto.

Utilizo la fotografía como un recurso capaz de transformar la visión directa o natural del mundo.

Una de las constantes estéticas de mis últimos trabajos es la deconstrucción de la imagen, el instante fotográfico, para una posterior reconstrucción digital o artesanal como en este proyecto. Surge una nueva imagen con más profundidad de espacio que se superpone al espacio real creando una nueva visión. Mostrando la realidad de manera imprevista. Buscando coherencia y sentido al conjunto de mis últimos trabajos que rompen con el aplastamiento y la compresión de un único plano.

Desarrollo y controlo todas las fases de producción, desde la copia fotográfica hasta el resultado final por que al realizarlo, convivo y reflexiono de manera más profunda con cada una de mis obras, algo fundamental en la evolución de mi trabajo. En él, la investigación y el deseo de renovación de la percepción plástica , espacial y temporal, juega un papel principal en la búsqueda de nuevas formas de representar y transformar la realidad mostrando el mundo de una forma distinta.

Entiendo que la obra artística está muy ligada a las preocupaciones sociales y políticas en las que vivimos. Nuestro frágil planeta ha sufrido dramáticos cambios en los últimos cincuenta años, el calentamiento global y el clima extremo provocados por la emisión de gases están acelerando desaparición de los casquetes polares sin que se llegue a ningún acuerdo global para limitarlos. Groenlandia está en la primera línea de este constante deterioro, el retroceso progresivo de sus glaciares y hielos es visible y se está acelerando .

@FundaciolaCaixa Maestros del caos. Artistas y chamanes.

CaixaForum
Pº del Prado 36
Del 6 de febrero al 19 de mayo de 2013.
Más información en www.agendacentrosobrasociallacaixa.es

Máscara de Rangda Bali, Indonesia, 1900-1950

“Maestros del caos” es una exposición que nos habla de las fuerzas contrarias y sus intermediarios que, desde la antigüedad y hasta el arte contemporáneo, se disputan el mundo. Son muchas las tradiciones que reflejan la inevitable e interminable lucha entre el orden y el caos y ponen de manifiesto que la tensión entre estas fuerzas es indispensable para el equilibrio del universo y su continuidad. Las obras que pueden contemplarse en esta exposición muestran el lugar determinante que el caos ocupa en muchas culturas y como las figuras del desorden se encuentran en el panteón de nuestras creencias. Las secciones de la exposición nos presentan los mitos que lo explican y los ritos practicados y nos conducen de lo sagrado a lo profano, como un viaje de exploración. Paralelamente a los ritos de dimensión religiosa y sagrada, las fiestas son el otro medio, más profano, que permite el desenfreno de las pulsiones transgresivas a través del fenómeno de la catarsis. Bacanales, carnavales y aquelarres constituyen momentos de inversión social en los que lo burlesco y la risa son las respuestas profanas al orden establecido. Objetos, trajes y representaciones procedentes de grandes colecciones antropológicas y etnográficas se exhibirán al lado de piezas e instalaciones de artistas contemporáneos. Su presencia pone de manifiesto que las cuestiones ancestrales que se exploran en la muestra inspiran todavía a los grandes artistas de hoy, cuyos trabajos abordan los temas inherentes a la conciencia humana.

martes, 29 de enero de 2013

@FundaciolaCaixa Justicia alimentaria. Sembrando esperanza. De Pep Bonet.

Caixa Forum Madrid
Pº del Prado 36
Del 30 de enero al  19 de mayo de 2013.
Más información en http://obrasocial.lacaixa.es

Noor
Fotografía © Pep Bonet

La exposición, realizada con la colaboración de la FAO y de Intermón Oxfam, pretende mostrar la problemática de la distribución y el acceso a los alimentos a escala global.

Noor
Fotografía © Pep Bonet


A través de fotografías de Pep Bonet realizadas en comunidades rurales de Bolivia y Tanzania, y de audiovisuales con testimonios, se da voz a los pequeños productores de los países en desarrollo, quienes padecen especialmente la pobreza y el hambre y a la vez son una solución necesaria para el futuro de la alimentación en el planeta. Sus historias muestran lo mucho que se puede hacer con poco: organizarse para exigir precios más justos; construir almacenes que permitan conservar el grano; diversificar los cultivos aprovechando variedades locales; mejorar las técnicas de riego, etc.

El Programa de cooperación internacional de la Obra Social ”la Caixa”

Noor
Fotografía © Pep Bonet


En la Obra Social ”la Caixa” tenemos el compromiso de ayudar a erradicar la pobreza en los países de renta baja de África, América Latina y Asia. En este sentido, apoyamos proyectos de desarrollo socioeconómico orientados a asegurar la soberanía alimentaria y mejorar sustancialmente las condiciones de vida de las poblaciones más vulnerables de los países en desarrollo. Desde 1997 se han impulsado 473 proyectos en 62 países. Desde el 2009, también centramos los esfuerzos en la lucha contra la malnutrición infantil, y promovemos acciones de protección y asistencia a víctimas de catástrofes naturales o conflictos armados, prestando especial atención a las crisis humanitarias causadas por la falta de acceso a los alimentos, como las recientes del Cuerno de África o del Sahel.

Sediments.

Centro Cultural Conde Duque
Sala 2
Calle Conde Duque 11
Del 30 de enero al 3 de marzo de 2013.
Más información en www.esmadrid.com/condeduque

Arte balear contemporáneo en Conde Duque


- La exposición Sediments es una producción del Govern de les Illes Balears a través del Institut d'Estudis Baleàrics, con la colaboración de la Direcció General de Cultura i Joventut y del Área de Las Artes, del Ayuntamiento de Madrid .

- Sediments reúne la obra de cinco artistas de las Islas Baleares: Joan-Ramon Bonet, Pep Canyelles, Gerard Matas, Ángel San Martín y Vicenç Torres. 

- Con esta exposición -compuesta por 41 obras (pintura, escultura y fotografía)- el Institut d'Estudis Baleàrics cumple con uno de sus principales objetivos: la difusión y el fomento de la cultura balear en el resto de España y en el extranjero.

Conde Duque acogerá, desde mañana y hasta el próximo 3 de marzo, la exposición Sediments. La muestra, organizada por el Institut d'Estudis Baleàrics, reúne un total de 41 obras de pintura, escultura y fotografía de algunos de los más destacados artistas baleares. Joan-Ramon Bonet, Pep Canyelles, Gerard Matas, Ángel San Martín y Vicenç Torres han querido con esta muestra "trascender" a lo que comúnmente se denomina una muestra colectiva, para ofrecer una reflexión mas profunda sobre su obra, su trayectoria y sus diferentes concepciones en torno al arte y el ser humano.

Sobre los artistas

Pep Canyelles (Palma 1949), definitivamente escultor, ha afinado todavía más en la investigación de la delicada belleza de herramientas y objetos asociados con la fuerza. De la herrería familiar donde ha nacido buena parte de su obra escultórica, ahora salva del desguace piezas y herramientas para mostrar su poesía, para enseñar que el descubrimiento de esta poesía en los enseres cotidianos es también fruto de la creatividad, este antídoto contra los efectos devastadores del tiempo. Gerard Matas (Palma 1945) retoma la aventura de sus mecanismos fantásticos que mostró en 1979, atenuando el carácter lúdico para centrarse más en su solidez, en su serena y silenciosa materialidad. Aquellos mecanismos han sufrido una mutación que los ha hecho parecidos a los humanos. Engendran un misterio inquietante que crecerá en nuestra memoria: ¿son parecidos a los humanos, sólo? La serenidad y el silencio de su solidez guardan, aun así, una gran desazón, contra el cual no encontraremos cobijo.

Àngel San Martín (Palma 1945), con la necesidad de añadir el "hacer" al "pintar", logra un punto de clarividencia empapada de lirismo que marca un hito en su trayectoria. En estas obras queda patente cómo, efectivamente, la madurez excluye el debilitamiento de la creatividad y/o la evasión del riesgo que caracterizan la decadencia.

De su rico universo creado a lo largo de los años, Vicenç Torres (Palma 1950) plantea interrogantes sirviéndose de unos elementos, figuras o signos, y propone a través de ellos un viaje al futuro, acaso con la secreta intención de evaluar su comportamiento en otro contexto.

Y, documentando la obra de estos cuatro pintores, el fotógrafo Joan-Ramon Bonet (Palma 1944) se fue empapando del espíritu de la aventura. En la investigación de aquellos elementos en los cuales se sostenía la filosofía del grupo, se encontró él mismo, también en la cumbre de la madurez y en condiciones de cotejar el futuro a partir de aquello que el propio pasado le ofrece como más valioso. Joan-Ramon Bonet nos ha enseñado a mirar durante cerca de cuarenta años; con él hemos aprendido que las cosas visibles sólo son una parte de lo que registra la fotografía.

Institut d'Estudis Baleàrics

El Institut d'Estudis Baleàrics es un consorcio con carácter de ente público, que está formado por la Administración de la Comunidad Autónoma de las Islas Baleares, la Universidad de las Islas Baleares, el Consell Insular de Mallorca, el Consell Insular de Menorca, el Consell Insular d'Eivissa y el Consell Insular de Formentera.

Entre los objetivos principales del IEB figuran la difusión y promoción de todo tipo de actividades culturales relacionadas con las Islas Baleares, así como la programación y el fomento de proyectos artísticos que potencian el intercambio y la relación entre Mallorca, Menorca, Ibiza y Formentera y entre las Islas Baleares y el exterior.

@efti_fotografia “La isla” , de Tiago da Cruz

Escuela de Fotografía EFTI
Sala EFTI
Calle Fuenterrabia 4, 6 y 13
Del 2 de febrero al 23 de marzo de 2013.
Más información en www.efti.es y en www.tiagodacruz.com

Fotografía © Tiago da Cruz

En este trabajo, Tiago da Cruz nos presente una serie de personajes, relacionados en dípticos con su entorno, un entorno de la ciudad y la noche habitada por islas que se disfrazan de gente cuando llega el día.

“En la ciudad las horas que marcan los relojes cobran sentido cuando anochece. La calle única se despuebla. Las ventanas se iluminan. Son faros que guían la noche hasta los rincones en los que habita el sueño. La noche a veces se extravía y algunos no duermen. Los que no duermen tatúan dibujos geométricos sobre hombros blancos, encienden ordenadores para apagar soledades, juegan con las letras, se pintan los labios de rojo bordeando aros metálicos o apuran cigarros en la puerta de un bar”.

lunes, 28 de enero de 2013

Hermanas a medias. Estefanía Martín y Sandra Paula Fernández.

Galería Liebre
Av. General Perón 8
Del 31 de enero al 3 de marzo de 2013.
Más información en www.galerialiebre.eshttp://estefaniamartins.blogspot.com.eshttp://sandrapaulafernandez.wordpress.com


Colaboración entre dos de nuestras artistas, Estefanía Martín y Sandra Paula Fernández. Una propuesta diferente y arriesgada dentro del Festival Miradas de Mujeres.

@cbamadrid Proyecto fake. Elmyr de Hory.

Círculo de Bellas Artes
Sala Goya
Calla Alcalá 42
Del 6 de febrero al 12 de mayo de 2013.
Más información en www.circulobellasartes.com

Elmyr de Hory al estilo de Monet. Colección particular
Elmyr de Hory fue uno de los grandes falsificadores de obras de arte de la historia. Se dice de él que llegó a pintar más de mil cuadros, que fueron expuestos en museos de todo el mundo, bajo la firma de Picasso, Modigliani o Degas, entre otros. Nacido en Hungría, a lo largo de su trayectoria empleó diversos nombres en su afán por no dejar huella (Dory Boutin, Elmyr von Houry, Herzog, L. E. Raynal, Louis Nassau…). Hory residió 16 años en Ibiza, donde acabó sus días tras una vida llena de engaños, lujo y experiencias insólitas.
La exposición que presentamos en torno a su obra, de la que reunimos por primera vez óleos y acuarelas, nos plantea una reflexión sobre el concepto de autoría en la creación artística, el carácter de lo verdadero y lo falso en el arte, su magia, sus contradicciones, sus miserias y grandeza.
La trayectoria vital y artística de Hory fue glosada en el libro ¡Fraude! La historia de Elmyr de Hory, el pintor más discutido de nuestro tiempo, escrito por Clifford Irving, amigo suyo y también célebre estafador. Las andanzas de ambos personajes atrajeron la atención de Orson Welles, quien les dedicó el documental F for Fake, una historia de y sobre engaños en la que él mismo dentro del filme –tal como lo hizo en la vida real–, les acompaña en la reflexión sobre la realidad y la falsedad en el mundo de la creación artística.
La producción artística de Hory, su biografía escrita por Irving y el documental de Orson Welles son tres piezas que, juntas y por separado, plantean cuestiones fundamentales sobre la obra de arte y sobre el concepto de autoría. El plagio es considerado, desde hace tiempo, una forma de cultura, y ha dado lugar a amplios y complejos debates sobre la inspiración, la creación, la apropiación y la autenticidad. Planteamos así una reflexión sobre las verdades y mentiras del arte, dentro de un mundo que, mágico y mítico, no es ajeno al negocio y el interés.
Paralelamente a la muestra, el CBA ha producido una pieza documental basada en ambos discursos -fraude artístico y fraude narrativo-, que podrá visionarse en la misma sala de la exposición.
Comisaria: Dolores Durán
HORARIO
de martes a sábados de 11:00 > 14:00 y de 17:00 > 21:00 domingos y festivos de 11:00 > 14:00 lunes cerrado

@efti_fotografia “365”, de Laura Madrazo.

Escuela de Fotografía EFTI
Sala EFTI
Calle Fuenterrabia 4, 6 y 13
Del 2 de febrero al 23 de marzo de 2013.
Más información en www.efti.es , fanpage de Laura Madrazo en Facebook

Fotografía © Laura Madrazo
En Junio de 2010, Laura Madrazo comienza este proyecto, con la idea de realizar un autorretrato diario con un estilo y un planteamiento diferente cada día. En un año, aborda diariamente una imagen, plasmando los sentimientos y emociones que siente en cada uno de esos momentos y creando nuevos mundos donde todo es posible. Reivindica en sus pensamientos los temas más importantes de nuestra sociedad, como el maltrato, la pobreza, la política, etc.

En la actualidad, su proyecto cuenta con más de un millón de visitas en internet y se ha presentado en numerosas ciudades españolas.

La Movida. Exposición colectiva.

Galería Amador de los Ríos
Calle Fernando el Santo 24
Del 11 al 28 de febrero de 2013.
Más información en www.galeriaamadordelosrios.com

"Cuore Enamorato. 1989" Dis Berlin
Técnica: Pintura/papel Medidas: 69x50 cm

Carlos Franco 
Luis Gordillo 
Manolo Quejido 
Guillermo Pérez Villalta 
Dis Berlin 
Carlos Forns Bada 
Javier Utray 
Chema Cobo 
Carlos Alcolea 
Herminio Molero 
Jaime Aledo 
Luis Pérez Minguez 
Sigfrido Martín Begué 
Pablo Pérez-Mínguez 
Alfonso Albacete 
Juan Antonio Aguirre 
Ouka Leele

"El hacedor de imágenes", Ouka Leele
Técnica: Copia cibachrome Medidas: 20x25 cm

"Que tiempo tan feliz. 1976"
Fotografía Luis Pérez Mínguez

domingo, 27 de enero de 2013

Retratos: Miguel Trillo, Amparo Garrido, Carlos Pérez Siquier y Pierre Gonnord.

Paseo Valdelasfuentes (junto a la estación Valdelasfuentes).
Alcobendas - Madrid
Hasta el 30 de junio de 2013.

La ciudad se llena de imágenes para celebrar el XX Aniversario de la Colección Alcobendas.

De forma generalizada la idea universal sobre el retrato fotográfico, se circunscribe a una imagen en primer plano o plano medio de una persona, pero al contemplar la exposición El Retrato en la Colección Alcobendas descubrimos que no es así. Las obras seleccionadas de cuatro de los autores presentes en nuestra colección nos llevan a nuevas maneras de entender el retrato contemporáneo.

Pierre Gonnord con su realismo impecable, Amparo Garrido y sus sagaces perros, la ironía colorista de Carlos Pérez Siquier y las tribus urbanas de Miguel Trillo descubren una manera diferente y fascinante de entender el retrato.











sábado, 26 de enero de 2013

Ouka Leele en Alcobendas. FotoPost.

Ayuntamiento de Alcobendas - Colección Alcobendas 20 Aniversario.
Bulevar Salvador Allende
Alcobendas - Madrid
Del 28 de enero a de junio de 2013.
Más información en la web sobre la colección , en www.alcobendas.org y en la fanpage de Ouka Leele



Como os adelanté hace unas semanas,  el próximo lunes se inaugurará oficialmente en el bulevar Salvador Allende de Alcobendas esta exposición. Las fotos las han montado hoy, así que si no queréis esperar u os queda cerca este fin de semana, ya podéis dar un paseo por el bulevar y de paso ir a algunas de las exposiciones que ya hay inauguradas dentro del XX Aniversario de la Colección Alcobendas.

Os dejo algunas fotos, unas están tomadas a primera hora de la mañana y otras a medio día, de ahí que varíe tanto el azul.












La serie en blanco y negro he tenido que fotografiarla con un contraluz muy fuerte y no han quedado muy allá. Tuve suerte y la única nube que había en el cielo tapó durante unos segundos el sol primaveral que hemos tenido hoy en Madrid. Ya sé que con un flash se resuelve este problema, pero mi cámara no lo lleva incorporado. Aunque dejo bastantes menos, la serie en blanco y negro tiene el mismo número de fotografías que la de color.









También he pasado por la otra expo que hay en la calle, en el paseo Valdelasfuentes. Más adelante subiré algunas fotos.

@BNE_biblioteca Exposición El despertar de la escritura femenina en lengua castellana.

Biblioteca Nacional de España
Sala de las Musas
Pº de Recoletos 20-22
Desde el 30 de enero 2013.
Más información en www.bne.es

De Teresa de Jesús a María de Zayas: los difíciles comienzos de las pioneras.




En la exposición El despertar de la escritura femenina en lengua castellana, comisariada por Clara Janés y que se inaugurará el 30 de enero en la Sala de las Musas del Museo de la Biblioteca Nacional de España, se ve florecer la literatura femenina en los conventos, tanto en la prosa (Santa teresa de Jesús), como en la poesía (Sor María de la Antigua) o el teatro (Sor Marcela de San Felix), pero también gracias a mujeres que se presentan a certámenes literarios o suman sus escritos a libros colectivos realizados con motivo de homenajes o celebraciones. En este apartado, se encuentran pioneras como Isabel de Villena, Florencia Pinar, Luisa Sigea, María de Zayas, Luisa de Carvajal, Ana Caro, Olivia Sabuco, Juliana Morella, Isabel Rebeca Correa o Cristobalina Fernández de Alarcón.

Ya en el siglo XV, algunas escritoras vieron sus textos publicados. Unas habían renunciado al mundo, como fue el caso de la abadesa Isabel de Villena, hija natural del Marqués de Villena, que empleó en sus textos el latín y el valenciano. Otra, Florencia Pinar, vio uno de sus romances recogido por Hernando del Castillo en su Cancionero General. Por su parte, Luisa Sigea fue víctima de la impostura literaria, pues Nicolás Chorier firmó con su nombre un libro de carácter erótico y de mal gusto, titulado La academia de las damas.

Teresa de Cepeda y Ahumada, a la que se conocería con el paso de los años como Santa Teresa de Jesús, dejó una inmensa obra, y su personalidad y fuerza creadora quedaron reflejadas, no solo en sus escritos, sino también en el rigor y la altura que supo infundir a las religiosas que estaban a su lado. Al no ser bien vista por la Inquisición, quemaron sus obras, y algunas de sus discípulas, como es el caso de Sor Ana de San Bartolomé y Sor Ana de Jesús, tuvieron que salir de España y refugiarse en otros países. De y sobre, Santa Teresa, se pueden contemplar en la exposición de la BNE, obras como Libro llamado Camino de perfección que escribió para sus monjas la madre Teresa de Jesús, Conceptos del Amor de Dios, Carta de Santa Teresa de Jesús a doña Isabel Osorio y Los libros de la madre Teresa de Jesús, fundadora de los monasterios de monjas y frailes carmelitas descalzos de la primera regla.

La mujer y la educación




Sor Juana Inés de la Cruz y María de Zayas destacaron por su defensa a ultranza del derecho de la mujer a la educación. La segunda, en el prólogo de su libro Novelas amorosas y ejemplares (considerado el Decamerón español) expresa con cierta ironía su preocupación ante el posible menosprecio de sus escritos, por deberse a una pluma femenina. Mientras que Sor Juana escribía poemas y destacaba por su gran inteligencia. Tras publicar su Carta Atenagórica, fue considerada poco devota por las jerarquías eclesiásticas, que le llevaron a juicio, y acabó por abjurar y declararse la peor de todas, viéndose obligada a abandonar la vida pública y a no editar sus escritos.

Otra literata, Olivia Sabuco, mereció los apelativos que le dieron sus contemporáneos: honor de España y musa décima, otorgado éste último por el mismísimo Lope de Vega. Fue la descubridora del líquido raquídeo y recogió su saber en el libro Nueva filosofía de la naturaleza del hombre, no conocida ni alcanzada de los grandes filósofos antiguos. Cristobalina Fernández de Alarcón ganó numerosos certámenes literarios, lo que le trajo la antipatía y la envidia de Góngora y Quevedo, pero también la admiración de Lope.

En el campo teatral destacó Ana Caro, quien recibió numerosos encargos literarios por parte de la nobleza sevillana y madrileña del siglo XVI. Lope de Vega rindió homenaje en algunos de sus escritos a la literatura femenina. Como muestra, en su Laurel de Apolo, aparecen desde Safo y Pola Argentaria, a Cristobalina Fernández de Alarcón, Juliana Morell, Santa Teresa de Jesús, María de Zayas, Amarilis, Vittoria Colona y Laura Tercina.

La comisaria de esta exposición, Clara Janés, deja patente que “las primeras escritoras españolas lo tuvieron muy difícil para salir adelante, porque vivían en una sociedad machista”, pero, afortunadamente, sus obras han llegado hasta nosotros para que las juzgue la historia como se merecen.

viernes, 25 de enero de 2013

@mataderomadrid Inauguración - Candela, por Los Carpinteros. Instalación.

Matadero de Madrid
Abierto X Obras
Pº de la Chopera 14 - Plaza de Legazpi 8
Del 26 de enero al 21 de abril de 2013.
Más información en www.mataderomadrid.org y en www.loscarpinteros.net

Algunas fotos de la inauguración. Tengo que pasarme otro día, con tanta gente no quedan bien.


Candela by Los Carpinteros
Instalación en Abierto X Obras - Matadero
Fotografía © Francisco Posse

Candela by Los Carpinteros 
Instalación en Abierto X Obras - Matadero
Fotografía © Francisco Posse

Candela by Los Carpinteros 
Instalación en Abierto X Obras - Matadero
Fotografía © Francisco Posse

Candela by Los Carpinteros 
Instalación en Abierto X Obras - Matadero
Fotografía © Francisco Posse

Candela by Los Carpinteros 
Instalación en Abierto X Obras - Matadero
Fotografía © Francisco Posse