viernes, 31 de enero de 2014

@CondeDuqueMAD Avance: Miradas de Asturias. Allumar. De José Manuel Ballester.

Centro Cultural Conde Duque
Sala 3
Calle Conde Duque 9-11
Del 14 de febrero al 20 de abril de 2014.
Entrada gratuita
Más información en www.condeduquemadrid.es y en www.josemanuelballester.com

Aboño 1, 2012 José Manuel Ballester. Serie Allumar Miradas de Asturias | Mecenazgo | Fundación Mª Cristina Masaveu Peterson. 

Las hermosas fotografías de José Manuel Ballester para el proyecto Miradas de Asturias. Allumar mantienen intactas todas sus cualidades creativas, descubriendo los paisajes industriales y las naturalezas de la región con ese romanticismo tan lúcido que le define, y que ha permanecido vivo en su larga trayectoria, inspirando una poética íntima. Así, entre los años 2010 y 2013 Ballester ha realizado en Asturias más de 5000 fotografías, recorriendo casi todos los rincones de la región y deteniéndose con especial mimo en torno a la zona central y el eje de las tres grandes ciudades, donde hace siglo y medio que conviven la naturaleza y la industria en diversos espacios fabriles.

José Manuel Ballester no es un artista de arquitecturas, aunque la mayoría de sus obras suelen inspirarse en ellas. En cada composición, el autor patenta presencias que ya no están, o que se han ido, o que aún no han llegado. Aunque el trabajo se inició hace tres años en torno al proceso constructivo del Centro Niemeyer de Avilés, otros entornos industriales han ido ganando protagonismo en este proyecto que, finalmente, ha titulado Allumar, palabra en lengua asturiana que se define como “iluminar, dar luz o maravillar”, entre otros significados.

#Tabacalera Taller de autoempleo para artistas visuales. Cómo vivir del arte.

Tabacalera - Promoción del Arte.
Sala Ideas
Calle Embajadores 51
Del 12 al 14 de febrero de 2014.
Gratuito previa inscripción previa.
Toda la información aquí


Estos talleres nacen con el objetivo de dotar de instrumentos a los participantes para que puedan explotar sus capacidades, permitiéndoles gestionar de manera más eficiente su creatividad, facilitando así su introducción en el tejido cultural.

Con el desarrollo de este tipo de talleres, se pretende también promover iniciativas centradas en el sector de las artes visuales y, en especial, a los creadores ya que, por su propia idiosincrasia, puede resultar más apropiado proponer modelos de autoempleo que favorezcan su trabajo como profesionales independientes, frente a otras formas tradicionales.

A quién va dirigido:

A jóvenes artistas que afronten su primera inserción en el mercado laboral, artistas que quieran comenzar a vivir del mundo del arte abandonando otros trabajos como medio de subsistencia y en general artistas que estén interesados en mejorar su capacitación profesional.

Cómo trabajaremos:

Durante tres días, los artistas tendrán la oportunidad de aprender, de la mano de profesionales, mediante un sistema de formación fundamentalmente práctico, en el que las intervenciones se complementarán con diálogos con los ponentes dirigidos a resolver dudas y facilitar asesoría específica para los participantes.

jueves, 30 de enero de 2014

@ComunidadMadrid Retroalimentación. Se busca comisario.

Sala de Arte Joven - Comunidad de Madrid
Av. de América 13
Del 30 de enero al 16 de marzo de 2014.
Más información aquí y en www.madrid.org

Julián Cruz, Lo que nos queda en el filtro, cuando se filtra un fantasma, 2013
Técnica mixta 65 x65cm

La primera exposición del proyecto con el que ganaron la V edición de la convocatoria ‘Se busca comisario’ se expone hasta el 16 de marzo.

Francesco Giaveri y Tiago de Abreu se estrenan como comisarios de la Sala de Arte Joven.

Bajo el título ‘Retroalimentación’ sucederán tres muestras en las que participará un amplio número de artistas.

La Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid inicia hoy el comisariado de Francesco Giaveri y Tiago de Abreu, ganadores de la V edición de la convocatoria “Se busca comisario”, que organiza anualmente el Gobierno regional. Su propuesta, Retroalimentación, será desarrollada durante los próximos seis meses.

La propuesta expositiva Retroalimentación tiene una estructura compleja, concebida a través de los filtros del diálogo y la repetición. Incluye la participación de un amplio número de artistas, para fomentar un diálogo real entre ellos y, así, trazar un mapa de las energías creadoras presentes en la Comunidad de Madrid.

El primer paso para llevar a cabo este proyecto consistió en confeccionar un listado de artistas que habían expuesto en la Sala de Arte Joven. Giaveri y de Abreu les realizaron una pregunta: Si tuvieras que elegir solamente a un joven artista español cuyo trabajo te interesa ¿a quién elegirías? Los límites marcados para las respuestas fueron: que el artista indicado estuviese activo, que fuera influyente en la Comunidad de Madrid y que tuviese menos de 35 años. Posteriormente, entre los más de 30 artistas surgidos de las respuestas recibidas, los comisarios han seleccionado a los artistas incluidos en las exposiciones del proyecto.

Con estas premisas, el proyecto Retroalimentación se estructura en torno a tres exposiciones (denominadas ‘plataformas expositivas’), con una duración de dos meses cada una de ellas. Se desarrollarán de manera independiente y con artistas diferentes, en los tres espacios de los que dispone la Sala de Arte Joven.

En cada exposición, la planta principal albergará el contenido concebido por los propios comisarios del proyecto, con obras de tres artistas. Mientras, en la sala de la primera planta, hará las veces de comisario un artista significativo en la escena madrileña. Y, por último, en la sala anexa a la planta principal, un artista invitado intervendrá con obras site-specific (realizadas específicamente para ese espacio) y, como zona de consulta para el público, se pondrán a disposición del público las publicaciones de todos los artistas implicados en el proyecto.

Primera exposición

Para la primera exposición, los comisarios Francisco Giaveri y Tiago de Abreu Pinto han incluido obras inéditas de José Díaz, Nuria Fuster y Julia Spínola expuestas en la sala de planta baja.

En la primera planta, el artista/comisario Carlos Fernández-Pello propone el trabajo de los artistas Nora Barón y Julián Cruz. Sus obras pictóricas y sus proyecciones de vídeo, establecen un dialogo fructífero con las obras de la exposición de los artistas de la planta baja.

Y en la sala anexa a la principal, Miren Doiz realizará una obra que dialogará tanto con las publicaciones que se presentan en este espacio, como con los demás artistas que forman parte de esta primera exposición de Retroalimentación.

#CEART Buscando la felicidad, de Elena Fernández Prada.

Centro Cultural Tomás y Valiente (CEART).
Sala B
Calle Leganés 51
Fuenlabrada - Madrid
Del 30 de enero al 9 de marzo de 2014.
Entrada gratuita
Más información en www.elenafernandezprada.com

"Infierno", oleo sobre tabla. 165 x 122 cm. 2013.

No me resulta nada fácil escribir sobre de la obra de Elena Fernández Prada. No me resulta nada fácil y sin embargo siento desde un principio una gran atracción por todas y cada uno de los trabajos que ha desarrollado en su aún corta pero intensa trayectoria como artista.

Mi primer contacto con su trabajo se produjo hacia 2006 cuando siendo director del M.U.S.A.C., me enfrenté a valorar un dossier que había presentado para las becas que entonces desde allí convocábamos como ayuda a la producción de proyectos nuevos.

"Buscando la felicidad", Sin título. 2005.
Tinta y acuarela sobre papel, 29 x 42 cm.


En el dossier aparecían sus primeras series, todas ellasresultas a través del dibujo. Eran los años en los que esta técnica había resurgido dentro de la esfera de lo artístico y en la que se empezaba a desistir de la falsa idea de entenderla solo como una herramienta secundaria a expensas de la pintura. Por tanto, el dossier que tenía enfrente era el de una recién licenciada en Bellas Artes que desarrollaba una obra únicamente con una técnica que en esos momentos era la tendencia predominante en la escena artística internacional.

En principio, uno suele pensar que está ante alguien que se apunta al carro de moda y tiende a desestimar lo que tiene enfrente. Sin embargo, no ocurrió nada parecido y el dossier fue de mano en mano de todos los componentes del jurado que finalmente acabó -incluido yo mismo- seducido por lo que residía más allá de la técnica. Una peculiar línea de tinta que era coloreada con acuarela era la sencilla base técnica con la que la artista presentaba escenas como las de unos escaparates descontextualizados en los que unos maniquís aparecían encapsulados, otras en las que un hombre ante un espejo se vestía o desvestía de unas ropas femeninas u otras que representaban un barullo de prendas en los que se intuía a una figura humana oculta. De esa misma época es la serie “Buscando la felicidad”, ahora reinterpretada a través de una animación, y título de esta exposición. En este caso un personaje aparecía en diferentes posturas cegado por un flotador, símbolo inequívoco de seguridad.

Finalmente otra serie mostraba a modo de viñetas unas figuras femeninas semidesnudas con una fuerte carga erótica que iban acompañadas del nombre del diario local y una fecha concreta. ¿Estábamos ante una obra que hablaba de las apariencias en relación a nuestra vestimenta? ¿Era un discurso sobre identidad? ¿Sobre el consumo? ¿Sobre la vida cotidiana? Posiblemente eran todas y no eran ninguna de una manera evidente, pero el trabajo fue juzgado positivamente por el buen equilibrio que parecía mantener entre su lenguaje y su forma, destacando el buen uso de esa técnica que pese a estar ya demasiado “a la moda” ofrecía lo que podría ser el inicio de un amplio trabajo en el que poder desarrollar un verdadero discurso, que es al fin y al cabo lo que siempre vamos buscando al topar con un nuevo artista.

Los años han pasado y la obra de Elena sigue creciendo y dejando tantas puertas abiertas como en un principio parecía tener y es posiblemente esta forma tan libre de trabajar lo que le otorga una dimensión propia que la separa de eso que un principio uno suele buscar en una obra que está empezando a definirse, lo que yo he llamado en el párrafo anterior “discurso” o lo que entendemos en este caso como una línea del desarrollo de una idea concreta que la defina con un carácter diferencial.

Fruto de aquella beca fue un trabajo titulado “Vivienda Rural” en la que la misma técnica de dibujo y acuarela era la herramienta para poner en pie unas inmensas torres de casas individuales apiladas en un equilibrio improbable pero factible en el dibujo. Las casas, aquí superpuestas unas sobre otras, eran fruto de la observación a través del viaje por su propio entorno gallego en el que el feísmo arquitectónico domina un paisaje cada vez más alejado del imaginario bucólico. Casas apiladas formando un nuevo modelo de rascacielos en la que lo individual sobrevive pero en la que todo parece ser provisional e incluso efímero.

En este trabajo aparecerá algo que ya intuíamos en las series anteriores y que ahora se convierte en una constante en toda su obra futura: la acumulación, la mirada fragmentada en varias realidades, la estructuración, en suma, una especie de archivo (y lo digo sin comillas) poético de cosas que confluyen de diferentes formas. Así, a la amalgama de viviendas le sucederá la confluencia de otros seres, en este caso los insectos de Surinam que aparecerán todos apilados compartiendo el espacio de lo que sería una especie de gran bouquet en el que todos están dispuestos como seres visuales con la clara intención de producir un efecto caótico de belleza que posa para ser diseccionada por el que la va a contemplar. De una forma similar un árbol imaginario sostiene todos los pájaros que el naturista Audubon observó y pintó en el siglo XVIII en América. Así ahora, estamos ante una nueva forma de compilación con alusiones directas a la pintura antigua barroca tan propensa a seducir a través de estas representaciones de la naturaleza con base en los tratados científicos. Finalmente, para cerrar este acercamiento a lo animal, otras bolas de insectos, que ella llama “Apilaciones”, tratan de llevar al máximo nivel el preciosismo inherente en estas figuras presentes en la naturaleza y que nosotros tendemos a confundir con lo exótico y lejano.

Esa forma de apilar de nuevo adquiere un nuevo matiz en el momento que ya directamente la autora observa la pintura renacentista y flamenca. En este caso se lanza al reto de intentar mezclar los paisajes de Patinir, Boticcelli o Brueguel el Viejo, introduciendo incluso una figura que en diferentes movimientos pero en un mismo espacio, y con una escalera como ayuda, parece estar construyendo un Franquenstein de la idea de paisaje de ese momento. Una obra imposible con muchos huecos por cubrir que sin embargo ya aparece perfectamente resuelta en “Infierno” en la que los mismos sueños del averno de los pintores de esa misma época ahora ya consiguen estar ensamblados en la configuración de un cuadro, por primera vez ya desde la técnica pictórica del óleo: un collage visual que nos introduce una nueva visión sobre un mundo ya asumido en nuestro imaginario cultural y que aquí se nos muestra unitario y compacto. Los “Cielos de Grafito”, obra efímera, que realizó en la pared de su primera individual en La New Gallery en Madrid, no hacen más que ampliar esta nueva vía de trabajo que sin duda tendrá nuevos capítulos en un futuro reciente en su trayectoria.

Su última obra, titulada “Muertes Violentas” pone de nuevo de manifiesto ese sentido acumulativo y archivístico poético al que ya me he referido. En este caso a través de la representación de diferentes tipos de muertes aparecidas tanto en la historia del arte como en otros medios visuales contemporáneos, Elena Fernandez Prada recurre una vez más al dibujo para ofrecer una catalogación fría de la riqueza de matices de la muerte en nuestro mundo. Una tras otra, las diversas formas de morir de una manera no natural nos hablan de la complejidad del comportamiento humano desde una tipología de dibujo que nos hace recordar a la estética de los manuales industriales, a la de los folletos de los aviones o a las ilustraciones de los catecismos católicos y otros libros de texto de la infancia, todos ellos dibujos con una intención didáctica.

Tras este sencillo recorrido por toda su obra, vuelvo a recalcar que me resulta difícil escribir sobre ella y sin embargo, repito de nuevo, siento una gran fascinación que se acrecienta según más me acerco. Y es que posiblemente estamos ante una obra que no precisa de un discurso unitario debido a que el umbral en el que se sitúa no es el que marca la pauta contemporánea consumista y voraz que nos obliga a clasificar todo aquello que observamos. La riqueza de esta obra estriba en esa libertad que reside en la resolución de cada una de las ideas que la artista pone en marcha con sus propias herramientas y, por otra parte, en su confianza plena en el placer contemplativo en el que la artista indudablemente cree.

Rafael Doctor Roncero

miércoles, 29 de enero de 2014

#Thyssen #Cranach Hércules en la corte de Onfalia, de Hans Cranach.

Museo Thyssen-Bornemisza
Hall
Pº del Prado 8
Del 28 de enero al 2 de marzo de 2014.
Más información en www.museothyssen.org



El hall del Museo acoge hasta el 2 de marzo la presentación del cuadro Hércules en la corte de Onfalia (1537) tras el proceso de restauración y estudio técnico al que ha sido sometido durante los últimos meses, subvencionado por el Programa de Patrimonio del Ministerio de Relaciones Exteriores de Alemania. Junto a la obra restaurada, se presentan también imágenes del antes y el después de los trabajos, así como un video con los detalles de la intervención, análisis de materiales, Rayos‐X, reflectografía infrarroja y fotografías ultravioleta y de alta resolución.



Tras el estudio científico previo, el tratamiento realizado ha consistido principalmente en la limpieza del cuadro, eliminando la capa de barniz que había amarilleado con el paso del tiempo, así como la corrección de antiguos retoques y repintes, y la consolidación del soporte y de la capa pictórica.




El resultado permite contemplar ahora la tabla totalmente renovada, tal y como fue concebida por su autor, con una mayor sensación de profundidad y con el rico colorido y los delicados matices que permanecían ocultos bajo las capas alteradas. Hans Cranach (Wittenberg, c. 1513 ‐ Bolonia, 1537), hijo de Lucas Cranach el Viejo, fue un artista meticuloso e interesado siempre por los detalles y la precisión de las pinceladas, casi dibujadas en sus obras; un estilo y una maestría que, gracias a esta intervención, vuelven a apreciarse en toda su plenitud.

Patrocinado por la Embajada de la República Federal de Alemania en Madrid.

Bottaris, de Kimsooja. La Fábrica Galería.

La Fábrica Galería
Calle Alameda 9
Del 4 de febrero al 6 de abril de 2014
Más información en www.lafabrica.com/es/galeria y en www.kimsooja.com



Kimsooja es una reconocida artista en el panorama artístico internacional. Entre sus numerosas exposiciones individuales se encuentra Magasin 3, Estocolmo, 2006; Conditions of Humanity (Condiciones de la humanidad), 2003-2004; en el Musée D'art Contemporain de Lyon, en el Museum Kunst Palast de Düsseldorf y en PAC Milan, A Laundry Woman (Una mujer lavandería), 2002; en el Kunsthalle de Viena, y A Needle Woman (Una mujer aguja), 2001, en el MoMA de Nueva York. Ha realizado varios proyectos para emplazamientos concretos. Los más recientes son To Breathe: A mirror woman (Respirar: Una mujer espejo), 2006, en el Palacio de Cristal, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid y To Breathe / Respirare, en La Fenice Theater, junto con una exposición individual en la Fondazione Bevilacqua la Masa en Venecia.

#Fúcares #BledayRosa Prontuario, de Bleda y Rosa.

Galería Fúcares Madrid
Calle Doctor Fourquet 28
Del 1 de febrero al 29 de marzo de 2014.
Más información en www.fucares.com y en www.bledayrosa.com


PRONTUARIO. Notas en torno a la Guerra y la Revolución

Un profundo cambio se fue instalando en el pensamiento de hace ahora algo más de dos siglos. Importantes transformaciones sociales, políticas, filosóficas y culturales fueron dando paso a una nueva forma de entender el mundo, a una ruptura con el antiguo régimen hasta entonces anclado en supuestos asumidos e inamovibles. Se asentó el pensamiento Ilustrado y surgieron los procesos revolucionarios. Pero cada revolución, a pesar de estar condicionada por su propio contexto -por sus particularidades contra las que luchar- tuvo como tarea común la búsqueda de la igualdad y la libertad, aunque para ello recurriera a la guerra y la violencia.

La Guerra de la Independencia en España, también se nutrió de aquellos ideales liberales, de los alzamientos populares, de las revueltas y de la necesidad de establecer un nuevo orden político. Tratando de acercarnos a este momento histórico, abordamos en un grupo de carpetas -concebidas y ordenadas a modo de episodios- el período que se extiende desde 1805 a 1814, haciendo para ello un compendio o prontuario de anotaciones y referencias que giran en torno al levantamiento, guerra y revolución de España.

Esta particular forma de reunir, confrontar o poner en diálogo distintos elementos inscritos en la historia, nos permite activar desde el presente -a través de la confluencia y la tensión entre texto e imagen- nuevas lecturas o narrativas. En último término, este trabajo propone también una reflexión sobre la multiplicidad de significados que contiene y despliega el propio concepto de historia: sobre el estado de las cosas, sobre su narración y sobre el conocimiento del pasado.

martes, 28 de enero de 2014

Avance: #BNE Visite España. La memoria rescatada.

Biblioteca Nacional de España
Sala Hipóstila
Pº de Recoletos 20-22
Del 20 de febrero al 18 de mayo de 2014
Entrada gratuita
Más información en www.bne.es

Exposición Internacional Barcelona, 1929. Colección BNE.
La Biblioteca Nacional de España y el Museo Nacional del Romanticismo organizan con la colaboración de Turespaña y la Fundación Amigos de la BNE la exposición Visite España. La memoria rescatada que está dedicada a los orígenes del turismo en España. La muestra se celebrará simultáneamente en ambas instituciones del 20 de febrero al 18 de mayo de 2014.

El pintor William Turner Dannat. Colección Museo Romanticismo.

En la Sala Hipóstila de la BNE se mostrarán cerca de doscientas obras entre carteles, libros, fotografías y documentos muchos de ellos inéditos procedentes de las colecciones de la propia BNE y del Museo Nacional del Romanticismo, pero también de otras instituciones y particulares que tienen gran interés para comprender la trayectoria de la industria turística en la España de la primera mitad del siglo XX.

Sevilla / Comité de Iniciativas y Turismo de Sevilla, 1928. Colección BNE.

El turismo está muy relacionado con la historia, literatura, arte, economía, etc., y tiene gran importancia en el desarrollo de nuestro país. La exposición se articula en torno a cinco secciones principales que ponen de relieve las consideraciones más relevantes en cuanto a los inicios del turismo en España. El primer punto está dedicado a los antecedentes del turismo y los momentos previos a su institucionalización. Así, la literatura de viajes se considera fundamental para entender la visión que se tenía de España y sus gentes, país que recibió la visita de ilustres personajes a pesar de no estar incluido en el llamado Grand Tour. Junto con estos artísticos ejemplares, aparecen las primeras guías y mapas. También se muestran las aportaciones de mujeres viajeras que dejaron interesantes escritos. En el segundo apartado se muestran los primeros intentos de institucionalización y propaganda, así como el relevante papel de los Sindicatos de Turismo, que surgieron en 1908 y continuaron su labor de forma independiente durante muchas décadas. El tercer apartado se centra en la Comisaría Regia de Turismo, como punto de arranque de la visión turística a gran escala. Se tratan sus principales iniciativas mostrando materiales de diversa índole que ayudan a comprender esta poco conocida institución.

Álbum fotográfico de una familia aristocrática en viajes, fiestas, recepciones, visitas a ciudades, países. . Grupo de niños en la playa. Colección BNE,.

En la sección cuarta se profundiza en la labor del Patronato Nacional de Turismo, en las diferentes épocas y etapas que atraviesa. Desde las Exposiciones Internacionales hasta la Guerra Civil y las rutas que en torno a ella se crean. En el último apartado se pone cara a esos primeros turistas, verdaderos protagonistas a quienes se dirigían todas las iniciativas anteriores, con la selección de algunas imágenes, muchas de ellas tomadas ya por fotógrafos amateur, que nos permiten conocer de primera mano aspectos cotidianos del turismo.

lunes, 27 de enero de 2014

"Diccionario de fotógrafos españoles".


La Fábrica en colaboración con Acción Cultural Española (AC/E) edita el primer gran Diccionario de fotógrafos españoles.

Dirigido por Oliva María Rubio, este extenso volumen recoge la obra de más de 500 autores y está ilustrado con más de 1.000 imágenes.

La selección de fotógrafos ha sido realizada con la asesoría de un heterogéneo plantel de expertos formado por historiadores, comisarios, conservadores, investigadores y fotógrafos.

El libro recorre la historia de la fotografía española en su conjunto huyendo del centralismo.

En él tienen cabida el pictorialismo tardío, la fotografía de la Guerra Civil, la renovación de las décadas de los 50 y 60, el auge del documentalismo, el ensayo fotográfico y la fotografía de ficción en los 70 y 80, así como el trabajo de jóvenes promesas contemporáneas.

Gracias al apoyo del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, el Diccionario de fotógrafos españoles contará con una versión online de descarga gratuita.

El Diccionario de fotógrafos españoles se presentará en La Fábrica (C/ Alameda 9) el próximo jueves 30 de enero a las 20.00 h. Contará con la presencia de Oliva María Rubio y algunos de los autores cuya obra se incluye en el volumen.

660 páginas | 21 x 28,5 cm | Español e Inglés (dos versiones) PVP 65 €

Más información: www.lafabrica.com

domingo, 26 de enero de 2014

Avance: #expo_cohen #MapfreCultura #SalaAzca Lynne Cohen.

Fundación Mafpre
Sala Azca
C.C. Modas Shopping
Av. General Perón 40
Del 19 de febrero al 11 de mayo de 2014.
Entrada gratuita
Más información en www.lynne-cohen.com y en www.fundacionmapfre.org
Minisite de esta exposición.

Lynne Cohen Spa, 2000
© Lynne Cohen, Cortesía Olga Korper Gallery, Toronto

“Las imágenes son una especie de arqueología de enseres y mobiliario. […] Casi se puede adivinar por los olores asociados a los lugares. Las primeras obras evocan olores de ceniceros repletos de colillas, botellas de cerveza vacías, Freón, pelo de perro húmedo y ambientador. Las obras posteriores evocan olores de cloro, metal, cables eléctricos, gasolina, contrachapado y formaldehído. […] Las primeras obras son más divertidas, más confusas, más simétricas, más cálidas y menos amenazadoras; la obra posterior es más fría, más pulcra y más inquietante”. 

Lynne Cohen



Lynne Cohen (Racine, Wisconsin, 1944) es una artista Canadiense -se nacionalizó en 1980- que lleva casi medio siglo en la vanguardia de la práctica fotográfica. Su obra nos muestra los interiores de diversos lugares cuya tipología ha ido variando con el transcurso de los años; desde espacios íntimos como las salas de estar de sus vecinos, pasando por salones de baile, clubes privados, aulas y spas, hasta espacios de acceso restringido como instalaciones militares, laboratorios o campos de tiro. En todos ellos vemos los rastros de la presencia humana, ya sea la perfecta simetría en la colocación de elementos ornamentales como en Living Room, Racine, Wisconsin (1971), o las manchas de las balas de pintura en Untitled (Balloons) (2007). Sin embargo, la artista nunca fotografía personas.

Cohen prefiere que el espectador no tenga indicio alguno que condicione su lectura de la obra, que sea esa ausencia precisamente la que permita imaginar las historias y vivencias de los habitantes invisibles de estos lugares. Por esta razón Cohen también fué reticente a la hora de fechar y titular la obra, pretende así evitar que esa información condicione el relato que el espectador pueda construir.

Los lugares objeto de su estudio también son muy ambiguos; habitaciones que parecen museos, salas de espera que parecen instalaciones, spas que parecen morgues u hospitales, simuladores que parecen juguetes e interiores que parecen exteriores. Todo ello contribuye a crear un ambiente casi espectral, un nerviosismo palpable, una amenaza, como si estuviera a punto de ocurrir algo. Quizá ya haya ocurrido. A pesar de la evidente teatralidad que encontramos en su obra, Lynne Cohen fotografía los espacios tal y como están, sin tocar nada, y nunca sabe lo que se va a encontrar a priori. La artista relata que esa es parte de la emoción cuando busca localizaciones: la sorpresa de encontrarse una escena maravillosa detrás de una puerta que a primera vista puede parecer mundana.

Cohen empezó trabajando en un formato más pequeño que el actual, y en blanco y negro. El giro al gran formato y al color permite a la artista mostrarnos más detalles. Esto invita al espectador a “entrar” en la escena, a ser parte de ella, a palpar los materiales y las texturas y notar los olores que, según la artista, emanan los lugares que fotografía.

A través de 86 obras, esta exposición narra la evolución de la mirada singular de Lynne Cohen y ofrece al espectador una inmejorable oportunidad para visitar los espacios que esta artista ha fotografiado durante su dilatada carrera. La temática del camuflaje, la mimesis, la decepción y el control -ya sea a través de los muebles de aglomerado, las moquetas que parecen césped, los papeles pintados, las cámaras de vigilancia o los mismos espacios- está presente desde el principio.

sábado, 25 de enero de 2014

#BlancaBerlín #GonzálezPalma Mobius, de Luis González Palma.

Blanca Berlín Galería
Calle Limón 28 - Plaza Guardias de Corps (frente al Conde Duque).
Desde el 29 de enero hasta el 23 de marzo de 2014.
Más información en www.blancaberlingaleria.com y en www.gonzalezpalma.com


Dentro de la diversidad de propuestas artísticas llevadas a cabo en América Latina es posible distinguir con claridad dos lenguajes que podrían considerarse diametralmente opuestos. Uno de ellos, que proviene de los años treinta, haría referencia a una visión estereotipada vinculada a los conflictos sociales, a los espacios naturales conectados con el realismo mágico, a la nostalgia de un pasado perdido y al exotismo. Y la visión antagónica, la cual se generó a través de los movimientos abstractos, concretos y neoconcretos que se dieron en el sur del continente a mediados de 1940-50, especialmente en Argentina, Brasil, Uruguay y Venezuela. Eran movimientos que aspiraban a la racionalidad y a la búsqueda del progreso desde la modernización a través del uso de la geometría y la ciencia. Tenían como fin borrar toda huella de subjetividad, eliminando cualquier gesto de emotividad o experiencia narrativa que partiera de la figuración.

En Mobius se trata de generar una “conciliación” simbólica entre ambas vertientes artísticas, activando tensiones y creando relaciones entre estas dos formas tan diferentes de presentar y representar la realidad. González Palma persigue en este proyecto la creación de obras ambiguas e indeterminadas, abiertas a nuevos argumentos y posibilidades. Se abren así dos diálogos inéditos, el que se produce con la intervención de la pintura abstracta sobre sus fotografías, y el que se establece entre sus fotografías y la geometría, con la utilización como soporte de un material experimental, el papel de arroz tenguchi, que con el paso del tiempo va generando pliegues y volutas de carácter geométrico.

En ambos casos, Luis González Palma utiliza retratos cargados de emoción, intensidad subjetiva y fuerte carácter lírico, componiendo una imagen fotográfica que entra en confrontación con la pintura abstracta, cargada de evidentes referencias al concretismo y neoconcretismo latinoamericano centrado en la racionalidad absoluta de la geometría y la ciencia.

El fin de esta experiencia creativa es la de generar nuevos sentidos y asociaciones visuales que prefiguren otras sensibilidades, aportando una relectura de la historia visual de las ideas desde ese lado del mundo, desde su historia y sus contradicciones.

Avance: Foroba Yelen: luz colectiva para Mali rural.

Museo Nacional de Antropología
Calle Alfonso XII 68
Del 14 de febrero al 4 de mayo de 2014.
Más información en http://mnantropologia.mcu.es y en www.studiomatteoferroni.com

Niños jugando bajo la luz de una farola. by Matteo Ferroni ©2012

La exposición “Foroba Yelen: Luz colectiva para Mali rural”, se basa en el proyecto del mismo nombre, comenzado por el arquitecto Matteo Ferroni en 2010 y que partió de la realización de un estudio geográfico y antropológico en las zonas rurales de Mali, con el soporte de la Fundación eLand. Como respuesta a la importancia que tiene la noche en estas zonas para realizar numerosas actividades durante la misma y a la escasez de luz para llevarlas a cabo, Matteo Ferroni continuó el proyecto con el diseño y realización de una sencilla farola en 2011, a la que le siguieron otras muchas y en otras poblaciones del entorno, gracias a la iniciativa de la Asociación ADM Faso Gnietaa, creada por los jóvenes de la comunidad para difundir las farolas en la zona.

Estas farolas, cuya acogida por los pueblos de la zona ha sido muy buena, están realizadas con material reciclado, usando como base una bicicleta, lo que permite que la luz sea portatil y que ilumine allí donde se desarrolle una actividad nocturna y no un sitio fijo. Con la creación de estas luces se ha puesto en manos de cada comunidad un bien colectivo, gestionado por todo el grupo y en beneficio de todos, para la realización de actividades durante la noche como los trabajos en el molino, recolección de agua, alfabetización, comercio en carretera, partos, vacunación de animales, artesanía, además de rituales como bodas, funerales y entierros. Un proyecto este, llamado por los pobladores de la zona Foroba Yelen (luz Colectiva) o Wotoroyelene (el carro de la Luz), cuya importancia radica en haberse convertido en una herramienta común al servicio del trabajo, la educación y los rituales.

A través de esta exposición, en la que se podrán ver algunas de las farolas diseñadas para el proyecto, fotografías que reflejan las actividades nocturnas realizadas en estas poblaciones y las notas antroplógicas realizadas por Matteo Ferroni durante su trabajo en Mali, se pretende dar a conocer este interesante proyecto comunitario, premiado con una mención especial al City to City Barcelona FAD Award, así como poner de manifiesto el gran impacto cultural, económico y social que ha supuesto para las poblaciones donde han sido implantadas las farolas.

jueves, 23 de enero de 2014

#TecnoRevolución @EspacioFTef TecnoRevolución: la era de las tecnologías convergentes.

Espacio Fundación Telefónica
Planta 3
Calle Fuencarral 3
Del 31de enero al 11 de mayo de 2014.
Entrada gratuita
Más información sobre horario y actividades paralelas a la exposición aquí.


El próximo día 30 de enero a partir de las 20:00 te invitamos a la inauguración de nuestra nueva exposición TecnoRevolución. Una experiencia que no te puedes perder.

En la historia de la humanidad son innumerables los aportes con los que la ciencia y la tecnología han contribuido al progreso y al desarrollo social. En la última década, estos avances se han multiplicado de manera exponencial y esto se debe principalmente a la “mayor iniciativa de investigación del siglo XXI”: la convergencia tecnológica.

La evolución e interrelación de cuatro tecnologías –nanotecnología, biotecnología,tecnologías de la información y la comunicación (TIC) y ciencias cognitivas– está provocando una auténtica revolución en campos tan distintos como la construcción, el transporte, la agricultura, la medicina, la educación y el arte; una revolución cuyo alcance seguramente va mucho más allá de lo que podemos llegar a imaginar hoy. Ha empezado la era de las tecnologías convergentes. La gran interacción entre las cuatro disciplinas hace que cada una de ellas esté en contacto con las otras tres: cooperan, comparten y se complementan.

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El oído interno, de Roberto Desiré

Galería Edurne
Av. de la Constitución 52
El Escorial - Madrid
Inauguración: 25 de enero a las 20:00 horas
Más información en www.galeriaedurne.com y en www.robertodesire.com



miércoles, 22 de enero de 2014

#Matador #Revista El volumen P de Matador apuesta por la España del futuro.


En 2022 Matador publicará su último número. La revista hace un viaje en el tiempo y se asoma a lo que será la España del futuro indagando en sus valores fundamentales, lo mejor de su sociedad y sus ideas

La revista arranca con un ensayo de Javier Gomá titulado El fin de la excepcionalidad española. A partir de ahí presenta tres bloques de contenidos que giran en torno a las generaciones del futuro, los valores del país y las propuestas para salir a flote

El filósofo Valerio Rocco, la pianista Judith Jáuregui, los arquitectos Langarita y Navarro, la escritora Laura Fernández, el cocinero Ángel León, la diseñadora Pepa Salazar, la artista Núria Güell, el estudiante y emprendedor Aleix Ràmia, la investigadora Teresa Gonzalo y el diseñador interfaz Sergio Álvarez Leiva son los Matadores, jóvenes que en 2022 tendrán el futuro en sus manos

Algunos de los valores que hacen único al país, como la historia, el territorio, la familia, la sociedad y la pasión, se ilustran con trabajos fotográficos de Sebastian Schutyser, Andrés Pachón, Ricky Dávila, Gonzalo Juanes, Ricardo Cases y Rafael Lozano-Hemmer

Las propuestas sobre cultura corresponden a Juan Barja, José Antonio Marina se encarga de la educación, Antonio Lucio del medio ambiente, Javier López Iglesias de la salud, José Manuel Sánchez Ron de la ciencia y Gumersindo Lafuente de la comunicación

Antoni Muntadas y Juan Herreros conversan sobre ciudad y espacio público, un tema que se amplía con un extenso estudio de los arquitectos Carbajo Hermanos y un ensayo de la socióloga Saskia Sassen

El Cuaderno de Artista, realizado en colaboración con Fundación Banco Santander, está dedicado a Juan Muñoz y recoge 19 dibujos realizados en 1992 basados en un cuento de Joseph Conrad

El vino Juan Muñoz es un tinto único de la bodega alavesa Nuestra Señora de Remelluri, cosecha de 2009, del que solo se han producido 4.200 botellas numeradas

La música de este volumen ha sido creada por De la Puríssima

Ya a la venta. 164 páginas. 30x40 cm. P.V.P. 70 €

Más información en www.revistamatador.com - www.lafabrica.com

@mataderomadrid #EstherPizarro Avance: Un jardín japonés: Topogragrías del vacío, de Esther Pizarro.

Matadero Madrid
Nave 16
Pº de la Chopera 14 - Plaza de Legazpi
Del 31 de enero al 20 de abril de 2014
Entrada gratuita
Más información en www.mataderomadrid.org y en www.estherpizarro.es

© Esther Pizarro. Foto (detalle): Markus Schrol

Matadero Madrid se suma de nuevo a la celebración del año dual España-Japón 2013/2014, con este proyecto expositivo de Esther Pizarro comisariado por Menene Gras Balaguer.

Un jardín japonés es un espacio que invita a la contemplación imitando la naturaleza que trata de reproducir en miniatura, pero a la vez compartiendo códigos estéticos con la caligrafía, el arte y la tradición. Todos los componentes que forman parte del jardín japonés importan un simbolismo y unas normas que informan sobre el significado de la disposición de todos y cada uno de ellos, como si fueran los elementos de una escritura gráfica con una identidad cultural definida. Este proyecto que producen Matadero Madrid y Casa Asia delimita el espacio del jardín sobre la planta territorial que ocupa el país. Es un jardín seco rodeado de un mar de sal, en el que las ocho regiones se han convertido en islas, al abrir caminos entre ellas para que el público pueda desplazarse como por el interior de un organismo vivo, a imagen de la Naturaleza en cada una de sus representaciones.

Se trata de una instalación única que se podrá ver en la Nave 16 de Matadero y que se inaugura el próximo 31 de enero de 2014 a las 20 horas.

martes, 21 de enero de 2014

Presentación XVII Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña.

Espacio CentroCentro
Planta 5 - Espacio RAW
Plaza de Cibeles 1
Del 22 de enero al 2 de febrero de 2014.
Entrada gratuita
Más información en www.centrocentro.org , www.medicosdelmundo.org/premioluisvaltuena

Serie ganadora: Aleppo, de Niclas Hammarströn

Niclas Hammarström, gana el XVII Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña por sus imágenes sobre la guerra civil siria.

Hammarström, recientemente liberado tras su secuestro el pasado mes de noviembre en Siria, se presentó un mes antes al galardón convocado por Médicos del Mundo precisamente con esta serie de imágenes de Alepo tomadas en 2012.

Imágenes sobre las víctimas de conflictos bélicos, la exclusión social y las migraciones han sido las protagonistas de los trabajos presentados a esta XVII edición del Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña. Un certamen que anualmente convoca Médicos del Mundo y que en esta ocasión ha recibido 200 candidaturas y más de 1.600 imágenes, procedentes de 26 países. Hammarström se alzó con el XVII Premio Luis Valtueña precisamente con una serie de imágenes sobre el conflicto sirio, tomadas en 2012. El jurado, que decide los galardones visionando las imágenes sin conocer su autoría, escogió la obra de este fotoperiodista sueco ignorando su paradero. Una vez confirmada su feliz liberación, Médicos del Mundo puede finalmente desvelar el nombre del ganador, que ya fue comunicado con anterioridad tanto a su familia como a la embajada sueca en España.


Finalista 1 :Fabio Cuttica.
Serie La senda tenebrosa, la odisea de los inmigrantes a través de México.


La serie de imágenes ganadoras, titulada “Aleppo”, muestra precisamente el trabajo de su autor en esta ciudad siria, muy azotada por la guerra. Las consecuencias quedan reflejadas en cada una de estas instantáneas, donde la muerte y la destrucción son las protagonistas. Un niño que se asoma tras las cortinas de un hospital para observar a los heridos; una familia que se aleja por las calles vacías y destruidas; un chaval que recoge casquillos de munición para venderlos como metal, el rostro impasible de una niña herida de metralla, son algunas de las escenas que recogen las imágenes premiadas.


Finalista 2 : Wai Hnin Tan.
Serie La casa de la buena vida.

El fotógrafo recién liberado de su cautiverio también vio reconocido su trabajo profesional al recibir el segundo premio World Press Photo 2012, en la categoría Spot News, por su trabajo sobre el asesinato multitudinario en la isla noruega de Utoya.


Finalista 3 : Mingo Venero.
Serie Silenciosa espera.

Además del ganador, se seleccionaron tres trabajos finalistas, protagonizados por retratos sobre las migraciones –los del mexicano Fabio Cuttica y el español Mingo Venero- y por los rostros de la exclusión social, que ha capturado la birmana Wai Hnin Tun. Una imagen de esta última fotógrafa ha merecido también la mención especial “María Moreno” a la fotografía que refleja más elementos positivos. Este certamen, que anualmente convoca Médicos del Mundo, ha recibido en esta edición 200 candidaturas y más de 1.600 imágenes, procedentes de 26 países.

Mención Especial "María Moreno"
Serie La buena vida, de Wai Tnin Tun
De izquierda a derecha, en un posado-robado en el mirador del Palacio Cibeles para la presentación de la exposición.
Mingo Venero, Wai Tnin Tun y Fabio Cuttica.

Por primera vez en la historia del certamen, todas las obras finalistas pertenecen a una serie completa de 10 imágenes cada una. Las series podrán ser vistas en una exposición colectiva que se inaugurará el próximo 21 de enero de 2014, en el espacio cultural CentroCentro, situado en el Palacio de Cibeles de Madrid, y estará abierta al público hasta el 2 de febrero de 2014.

#degas @Fundacioncanal Avance: Edgar Degas. Impresionistas en privado.

Fundación Canal
Calle Mateo Inurria 2
Del 12 de febrero al 4 de mayo de 2014.
Entrada gratuita
Más información sobre horario, visitas guiadas y talleres en www.fundacioncanal.com


La exposición "Degas. Impresionistas en Privado" muestra la faceta más íntima y el entorno más privado del gran maestro del impresionismo y de su círculo.

La Fundación Canal presenta una sorprendente colección de obras sobre papel realizadas por Edgard Degas cuyo tema central es el entorno inmediato del artista. Su familia, sus amigos, sus conocidos… fueron constantemente retratados por Degas, tanto para realizar estudios sobre la naturaleza humana –una de sus grandes inquietudes- como para llevar a cabo pruebas técnicas de experimentación artística.

La exposición presenta, además, una faceta más desconocida aunque no por ello menos fascinante de Degas, quien experimentó en profundidad con la fotografía y con el grabado -sus célebres monotipos- sus dos herramientas preferidas para la experimentación plástica aplicada a su obra pictórica.

Edgar Degas y Walter Barns.
La apoteosis de Degas, 1885.

Por último, la exposición cuenta con una singular aportación de grandes artistas de la época: una selección de más de cuarenta obras muy poco o nunca vistas realizadas por miembros de su círculo de amistades como Cézanne, Ingres, Moreau o Toulouse-Lautrec, para los que el maestro posa y que aportan una interesante información sobre un genio de personalidad muy controvertida.

Más de 100 obras entre dibujos, grabados, fotografías, monotipos, una escultura y una carta que arrojan una luz sobre un artista que tanto éxito alcanzó en muchas disciplinas artísticas, pero del que tan poco sabemos de su vida privada.

@efti_fotografia Avance: Historias de familia, de Valme Toledo

Escuela de Fotografía EFTI
Espacio OFF
Calle Fuenterrabía 4, 6 y 13
Del 24 de enero al 6 de marzo de 2014
Más información en http://efti.es y en www.valmedetoledo.com


Historias de Familia recrea las historias que a veces no se cuentan. Cuenta la historia de esas familias donde los individuos están solos, los problemas se pasan por alto, los matrimonios no se escuchan y los hermanos no se gustan; de esas familias donde los padres que ya no se aguantan siguen juntos, donde los hijos quieren irse lejos o los hermanos ni siquiera se conocen; de los padres que no quieren ver en lo que su hijo se ha convertido o los que están cansados; de la mujer que prefiere no contar lo que está pasando porque, siempre se ha dicho, los trapos sucios se lavan en casa. Cada imagen puede ser un grito reprimido, de esos que no deben traspasar el muro de tu casa, no sea que los vecinos lo escuchen.

Valme ha presentado sus imágenes en una treintena de exposiciones individuales y colectivas de Madrid, Barcelona (España), Roma (Italia), Ámsterdam, Zeddam, Doetinchem (Holanda), Londres (Inglaterra), Peruggia (Italia), Buenos Aires (Argentina). Ha sido nominada y premiada en importantes premios entre los que destacan Daily Awards y Real Sociedad Fotográfica de Londres y “Young Artist” de Sotheby´s (Inglaterra), Ministerio de Cultura (España), 4th Annual Photography Master´s Cup, Pilsner Urquell, Awards World Wide Art (EEUU) y Chianciano International Awards (Italia).Cuenta con publicaciones y reseñas de su obra en Telva, Habitania, Arquitectural Digest, ABC o El Mundo.

lunes, 20 de enero de 2014

@efti_fotografia Avance: Benching: vida de banco, de Carlos de Andrés.

Escuela de Fotografía EFTI
Sala EFTI
Calle Fuenterrabía 4, 6 y 13
Del 24 de enero al 6 de marzo de 2014
Más información en http://efti.es y en Carlos de Andrés


Este proyecto fotográfico producido como reportaje documental durante dos años, pretende introducirnos en nuestra propia sociología cultural cómo pueblo, a través de la mirada tranquila y despreocupada del parpadeo que se produce desde los Bancos.

El Banco también viaja, pero con los ojos del que se sienta en él. "Párate. Siéntate al Sol y se Rey de ti mismo". Fernando Pessoa nos legó está sentada filosófica desde un Banco. Ver, amar, charlar, imaginar, escuchar, comer, observar, dormir, cotillear, descansar, sentir, leer, ligar, opinar, beber, pensar, relajarse, criticar, asombrarse o mirar, lo hace quien se sienta. Quizá sea España el paraíso del Banco y donde mejor se refleja la vida cotidiana de la sociedad. El clima -al fin y al cabo- nos hace todo.

Sus próximos proyectos están dirigidos a la publicación de un libro-manual sobre la Edición en Fotografía con la editora After Photo, por un lado, y la búsqueda de editorial fotográfica para la exposición y libro sobre La Juventud española: Una Generación, realizado como reportaje documental, en técnica de blanco y negro, durante más de 25 años en la España de más progreso económico, democrático y de libertad de la historia. Actualmente, imparte talleres de Edición Fotográfica en la especialidad de Fotoperiodismo y Documentalismo en la Escuela EFTI de Madrid.

sábado, 18 de enero de 2014

Olafur Eliasson | Galería Elvira González.

Galería Elvira González
Calle General Castaños 3
Desde el 17 de febrero de 2014.
Más información en www.olafureliasson.net  y en www.elviragonzalez.es

Glass stacks, 2014 (detalle). 11 esferas de cristal, ø 20 cm cada una

El próximo 21 de febrero Olafur Eliasson inaugurará su segunda exposición en Galería Elvira González. La muestra recogerá sus trabajos más recientes en los que el artista danés explora las vías de la percepción humana, la luz y la naturaleza.

Olafur Eliasson (Copenhague, 1967) estudió en la Real Academia de las Artes de Copenhague entre 1989 y 1995. Actualmente Eliasson vive y trabaja en Berlín y Copenhague. En 1995 el artista fundó en la capital alemana el Studio Olafur Eliasson, que cuenta actualmente con un equipo de cerca de cincuenta personas entre artesanos, arquitectos e historiadores del arte. Como profesor de la Universität der Künste de Berlín, Olafur Eliasson ha puesto en marcha el Institut für Raumexperimente (Instituto de Experimentación Espacial), un modelo innovador de educación artística que funciona desde 2009.

Eliasson representó a Dinamarca en la Bienal de Venecia de 2003 y ha expuesto su trabajo en numerosos museos internacionales como la Pinacoteca do Estado de São Paulo, el San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), el Museum of Modern Art (MoMA) y el P.S.1. Contemporary Art Center de Nueva York, el Museum of Contemporary Art de Sidney, el Musée d’Art Moderne de París o el Hara Museum of Contemporary Art de Tokio, entre otros. Uno de sus proyectos más recientes ha sido Three to now; Part of The Divine Comedy, llevado a cabo con Tomás Saraceno y Ai Weiwei para la Harvard University Graduate School of Design.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como la del museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, The Museum of Contemporary Art (MOCA) de Los Ángeles o la Tate Modern en Londres, donde se expuso una de sus obras más trascendentales The weather Project y donde, más recientemente ha realizado la exposición Olafur Eliasson: Little Sun at Tate Modern.

viernes, 17 de enero de 2014

@CENTROCENTRO5CS XVII Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña.

Espacio CentroCentro
Planta 5
Plaza de Cibeles 1
Entrada gratuita
Del 21 de enero al 2 de febrero de 2014.
Más información en www.centrocentro.orgwww.medicosdelmundo.org/premioluisvaltuena

Serie "Aleppo", de Niclas Hammrström

Imágenes sobre las víctimas de conflictos bélicos, la exclusión social y las migraciones han sido las protagonistas de los trabajos presentados a esta XVII edición del Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña. Un certamen que anualmente convoca Médicos del Mundo y que en esta ocasión ha recibido 200 candidaturas y más de 1.600 imágenes, procedentes de 26 países. Hammarström se alzó con el XVII Premio Luis Valtueña precisamente con una serie de imágenes sobre el conflicto sirio, tomadas en 2012. El jurado, que decide los galardones visionando las imágenes sin conocer su autoría, escogió la obra de este fotoperiodista sueco ignorando su paradero. Una vez confirmada su feliz liberación, Médicos del Mundo puede finalmente desvelar el nombre del ganador, que ya fue comunicado con anterioridad tanto a su familia como a la embajada sueca en España.

La serie de imágenes ganadoras, titulada “Aleppo”, muestra precisamente el trabajo de su autor en esta ciudad siria, muy azotada por la guerra. Las consecuencias quedan reflejadas en cada una de estas instantáneas, donde la muerte y la destrucción son las protagonistas. Un niño que se asoma tras las cortinas de un hospital para observar a los heridos; una familia que se aleja por las calles vacías y destruidas; un chaval que recoge casquillos de munición para venderlos como metal, el rostro impasible de una niña herida de metralla, son algunas de las escenas que recogen las imágenes premiadas.

El fotógrafo recién liberado de su cautiverio también vio reconocido su trabajo profesional al recibir el segundo premio World Press Photo 2012, en la categoría Spot News, por su trabajo sobre el asesinato multitudinario en la isla noruega de Utoya.

Además del ganador, se seleccionaron tres trabajos finalistas, protagonizados por retratos sobre las migraciones –los del mexicano Fabio Cuttica y el español Mingo Venero- y por los rostros de la exclusión social, que ha capturado la birmana Wai Hnin Tun. Una imagen de esta última fotógrafa ha merecido también la mención especial “María Moreno” a la fotografía que refleja más elementos positivos. Este certamen, que anualmente convoca Médicos del Mundo, ha recibido en esta edición 200 candidaturas y más de 1.600 imágenes, procedentes de 26 países.

Por primera vez en la historia del certamen, todas las obras finalistas pertenecen a una serie completa de 10 imágenes cada una. Las series podrán ser vistas en una exposición colectiva que se inaugurará el próximo 21 de enero de 2014, en el espacio cultural CentroCentro, situado en el Palacio de Cibeles de Madrid, y estará abierta al público hasta el 2 de febrero de 2014.

jueves, 16 de enero de 2014

Presentación: Génesis. De Sebastião Salgado.

CaixaForum 
Pº del Prado 36
Del 17 de enero al 4 de mayo de 2014.
Más información sobre entradas, horario y actividades paralelas a la exposición aquí

Léila Wanick Salgado (comisario de la exposición); Sebastiao Salgado.

CaixaForum Madrid descubre el proyecto de este fotógrafo brasileño que durante ocho años ha explorado la belleza de la naturaleza en todo el mundo.


Vista de la confluencia de los ríos Colorado y el Pequeño Colorado del territorio navajo. El Gran Cañón Parque Nacional comienza después de este cruce. Arizona. EE.UU. Abril, mayo y junio de 2010. © Sebastião Salgado/Amazonas


Génesis es un mosaico increíble donde la naturaleza se expresa en toda su grandeza. Después de casi tres décadas de reflexión sobre los dramas y tragedias de la humanidad, el reconocido fotógrafo brasileño Sebastião Salgado inició en 2004 este proyecto, de ocho años de duración, centrado en la naturaleza de nuestro planeta. «Una oda visual a la majestuosidad y fragilidad de la Tierra; una advertencia de todo lo que corremos el riesgo de perder», en palabras del propio Salgado. El primer destino de Génesis fue, en el año 2004, las islas Galápagos. Desde entonces y hasta 2012, Salgado realizó un total de 32 viajes para llevar a cabo este recorrido por el mundo virgen, con paradas en la Antártida, Madagascar, Botsuana, el parque de Virunga en la triple frontera entre el Congo, Ruanda y Uganda, Alaska, la meseta del Colorado en Estados Unidos, Siberia y la selva del Amazonas, entre otras. La exposición, que se presenta por primera vez en España en CaixaForum Madrid en el marco de una itineración internacional, está formada por 245 fotografías en blanco y negro y muestra paisajes, animales y personas que han sido capaces de escapar de la influencia del mundo moderno en regiones polares, bosques y sabanas tropicales, desiertos abrasadores, montañas dominadas por glaciares e islas solitarias.






Génesis: un homenaje sin precedentes al esplendor de la naturaleza.

A finales de 1990, tras varias décadas de trabajo en todo el mundo fotografiando las grandes transformaciones demográficas y culturales de nuestro tiempo, Sebastião Salgado regresó a su lugar natal, una finca ganadera en el valle del río Doce, en el estado de Minas Gerais, en Brasil. Las tierras antes fértiles, rodeadas de vegetación tropical, con una exuberante diversidad de especies vegetales y animales, habían sido víctimas de un proceso de deforestación y erosión. La naturaleza parecía agotada. Su esposa, Lélia Wanick, tuvo la idea de replantar un bosque con las mismas especies autóctonas, recreando el ecosistema que Salgado había conocido de niño. Poco a poco los animales fueron regresando, hasta conseguir un completo renacer, y en la actualidad la finca es un espacio protegido.


Esta experiencia se encuentra en la base del nuevo proyecto fotográfico de Sebastião Salgado: Génesis. En un principio, fue concebido como denuncia de la desaparición de espacios únicos del planeta, pero las vivencias cotidianas de la finca del valle del río Doce llevaron a Salgado a cambiar el signo de su investigación. A lo largo de ocho años, en treinta y dos viajes a lugares remotos de todo el planeta, ha localizado paisajes terrestres y marítimos, ecosistemas y comunidades humanas que se han mantenido intactas. El resultado es un canto a la majestuosidad y fragilidad de la Tierra, así como una advertencia de lo que puede perderse por la acción humana. Génesis une impresionantes imágenes de paisajes y vida salvaje junto a retratos íntimos de comunidades humanas que siguen viviendo según sus tradiciones ancestrales. Salgado captura algunas de las localizaciones más remotas del planeta, mostrando un mundo natural donde el impacto humano ha sido mínimo. Así, la muestra permite descubrir extraordinarias imágenes de gigantescos desiertos y tierras heladas de la Antártida, bosques tropicales y templados, cordilleras de imponente presencia, etc.


El propio fotógrafo, en el prólogo de la obra que ha editado Taschen como resumen de esta ambiciosa iniciativa, lo explica así: «Mis proyectos anteriores fueron periplos a través de las tribulaciones de la humanidad. Este, sin embargo, fue mi homenaje al esplendor de la naturaleza. Al viajar a pie, en embarcaciones, avionetas o globos, mientras fotografiaba volcanes, icebergs, desiertos y junglas contemplé un mundo que no ha cambiado en milenios. Además, con los animales en su hábitat natural, desde pingüinos, leones marinos y ballenas del Antártico y el Atlántico Sur hasta leones, ñúes y elefantes de África, sentí que era un privilegio contemplar los ciclos de la vida en continua repetición».


Salgado finalizó este proyecto en 2012, y desde el año pasado la muestra ha iniciado una larga itineración mundial que ya ha recorrido Brasil, Reino Unido, Canadá, Francia e Italia. Génesis aterriza ahora en España, donde podrá verse por primera vez en CaixaForum Madrid hasta el próximo 4 de mayo. La exposición, comisariada por Lélia Wanick Salgado, está formada por 245 fotografías en un épico blanco y negro que son el testimonio de una larga coexistencia de los humanos con la naturaleza, y una oda visual a un mundo que debemos proteger.


Génesis se estructura en cinco apartados, representando cada uno de ellos una extensa región con varios ecosistemas y colectivos humanos: «La Antártida y los confines del sur», Georgia del Sur, las Malvinas, el archipiélago de Diego Ramírez y las islas Sándwich; «Los santuarios», las islas Galápagos, Indonesia, Papuasia y la isla de Siberut, en Sumatra, y los ecosistemas de Madagascar; «África», del delta del Okavango en Botsuana y el parque de Virunga en la triple frontera entre el Congo, Ruanda y Uganda, al desierto del Kalahari, las áreas meridionales de Etiopía y los desiertos de Argelia y Libia; «Las tierras del norte», paisajes de Alaska y de la meseta del Colorado en Estados Unidos, el Parque Nacional de Kluane en la isla de Baffin (Canadá) y las regiones septentrionales de Rusia, el norte de Siberia y la península de Kamchatka; «La Amazonia y el pantanal», la confluencia de los ríos Negro y Solimões en Manaos, los parques nacionales de Canaima (Venezuela) y de Xingú (Brasil), y el Pantanal, el mayor humedal del mundo, a caballo entre Brasil, Bolivia y Paraguay.

#havana7historias @HavanaClub_ES “Havana 7. Historias que cuentan”

Teatro Calderón
Calle Atocha 18
Martes 28 de enero de 2014 a las 20 horas
Más información en http://www.youtube.com/havana7historias



“Havana 7. Historias que cuentan” homenajea al Periodismo de Investigación en su sexto encuentro.

En un momento en el que el rigor periodístico se ve amenazado por problemas como los bajos presupuestos o los excesos de la inmediatez informativa, Havana 7. Historias que cuentan rinde tributo a lo que se conoce como Periodismo de Investigación, que engloba a ese perfil de periodistas que, con sus reportajes, mantienen vigorosa la labor investigativa que se supone intrínseca a su profesión, comprometidos con su vocación de Cuarto Poder.

Así, el próximo 28 de enero, en la sexta edición de este proyecto del ron Havana Club 7 Años que homenajea al Periodismo y la Comunicación en sus distintas ramas, se reunirán en el escenario del Teatro Calderón cuatro profesionales del corte descrito, con décadas de experiencia a sus espaldas buscando verdades con reportajes de temáticas social y política, en los que a menudo han arriesgando su vida y con los que han desatado, en ocasiones, procesos judiciales.

Los periodistas Hernán Zin (Canal +), Alberto Pozas (Interviú), Xaquín López (TVE) y Eric Frattini (autor de libros como Los cuervos del Vaticano), repasarán su trayectoria, compartirán sus vibrantes anécdotas profesionales y proyectarán en una gran pantalla extractos de algunos de sus reportajes (en el caso de Hernán Zin, se ofrecerán unos minutos de su aclamado documental La guerra contra las mujeres). Presentando el acto y moderando el encuentro estará Samanta Villar, una de las abanderadas de los nuevos formatos televisivos que se dedican a la investigación.

Además, en el evento se celebrará el 30 aniversario del emblemático programa En portada de Televisión Española, un espacio decano del Periodismo de Investigación en nuestro país que ha marcado un estilo de narración informativa. Intervendrá en la charla parte de su equipo, que lidera José Antonio Guardiola, y se proyectará en exclusiva un extracto del documental El reportaje perfecto, que analiza trabajos históricos de este programa y recoge una charla entre tres de sus míticas firmas colaboradoras, Rosa María Calaf, Javier Reverte y Alfonso Armada, que culmina con las reflexiones del Nobel de Literatura Mario Vargas Llosa sobre cómo contar historias.

Y por supuesto, para redondear la noche, no faltarán, como es habitual en estos eventos, una banda de jazz actuando en directo y una carta de perfect serves elaborados con ron Havana 7 e inspirados en los ponentes.

Una noche para reivindicar el buen periodismo y a los buenos periodistas, a los que tienen carácter y un estilo propio, a los que se comprometen con la transparencia informativa. Una noche para rendir tributo a su labor y sus apasionantes historias profesionales. Porque hay historias que merecen ser contadas.

miércoles, 15 de enero de 2014

@Ivorypressn #LosCarpinteros Bazar. Los Carpinteros.

Galería Ivorypress
Calle Comandante Zorita 48
Del 18 de febrero al 3 de mayo de 2014.
Más información en www.ivorypress.com y en www.loscarpinteros.net

La cosa está de pinga, 2013 | Los Carpinteros | Cortesía Ivorypress y Los Carpinteros

El próximo 18 de febrero Ivorypress inaugurará Bazar, la segunda exposición de Los Carpinteros en la galería. En esta ocasión se presentan una serie de piezas de pequeño y mediano formato así como tres vídeos que denotan un cambio importante en la línea de trabajo de estos artistas cubanos. Preocupaciones en torno a la figura humana —ya sea de orden fisiológico, ideológico o de consumo— son expuestas desde una perspectiva antropológica, señalando procesos orgánicos y simbólicos en los que subyacen cuestiones de temporalidad, estética y banalización cultural y social.

La proyección de tres films conforma el eje vertebrador de Bazar, la primera muestra de Los Carpinteros basada fundamentalmente en piezas de vídeo. Una de estas obras se titula Conga Irreversible y documenta la performance del mismo nombre realizada por el dúo de artistas en 2012 durante la XI Bienal de La Habana. Un centenar de colaboradores, además de las miles de personas que transitaban por el céntrico Paseo del Prado, espacio por el que desfilaban las primeras comparsas que dieron origen a esta celebración popular en Cuba, participan en el vídeo. La obra invierte el sentido de la coreografía y de la música, al tiempo que suprime la eclosión de colores vivos característicos de una comparsa tradicional, cuya naturaleza festiva y colectiva se erige en herramienta de comunicación cultural.

Otra de las piezas en vídeo es Pellejo. Rodado en un escenario real, es una proyección en blanco y negro que muestra las transformaciones físicas que sufre el cuerpo humano en el tiempo a través de un solo acto sexual y en el que sucede un progresivo proceso de envejecimiento. Polaris, el tercero de los vídeos, describe la travesía de un músico con sus tambores a cuestas ascendiendo los Pirineos. También grabada en un escenario real es, esencialmente, una pieza sonora que explora grandes zonas de silencios, donde la noción de peregrinaje asume el protagonismo como ritual abstracto y personal.

En otra línea de trabajo, con el formato publicitario como precedente, Los Carpinteros reproducen en tres vallas de mediano formato las frases: La cosa está de pinga, Odio como suenan las maracas y Me cago en el corazón de tu madre. Apropiándose de los mecanismos de los anuncios, estas tres expresiones procedentes del argot popular cubano son reubicadas en un nuevo contexto: un espacio al que acceden todos los públicos, evadiendo cualquiera de los “filtros” que las campañas de publicidad utilizan para acceder a un público determinado, con un lenguaje y unos intereses muy específicos.

En esta misma línea, Los Carpinteros expondrán en Ivorypress dos retratos que dan continuidad a trabajos anteriores de dibujos cortados en aluminio y retroiluminados, técnica empleada para la propaganda política en algunas regiones de Latinoamérica y que destaca la significación y legado del personaje retratado. A través de tiras de luz LED —que evocan el retrato del Che Guevara en la Plaza de la Revolución de La Habana—, Los Carpinteros retratan a dos personajes actuales cuya actividad encierra una proyección anticapitalista y de inconformidad social: Noam Chomsky y Santiago Sierra. Ambos retratos abordan un concepto tan tradicional como el del héroe, cuyas valoraciones varían dependiendo de quien enjuicie.

El gran Rasta, 2013 | Los Carpinteros | Cortesía Ivorypress y Los Carpinteros


En este mismo contexto se sitúa El gran Rasta que asume un protagonismo distintivo en la muestra. La pieza refleja el paso de un centenar de años a través del pelo que nace de un color y se va decolorando, con lo que consigue advertir sobre un pasado y un presente de rebeldía y descontento cívico.

Otra de las propuestas que forman parte de Bazar es un conjunto de obras que, a modo de pequeños ensayos, recrean objetos de consumo común. Es el caso de Calzado con agujero, una alegoría del desgaste en forma de un zapato en el que, ante los efectos del uso repetido, surge una forma geométrica perfecta en la zona donde habitualmente suele aparecer un agujero.

En series como Galletas, reproducciones en porcelana a tamaño real de conocidas variedades de este tipo de dulce, la marca comercial ha sido sustituida por una palabra escogida entre las más reiteradas en la prensa española durante 2013. Una instalación compuesta por una veintena de galletas asume el compromiso de simultanear su condición de objeto decorativo y apariencia real apetecible, con palabras que resumen la tensión del vocabulario periodístico español.

Los Carpinteros
Marco Castillo (Camagüey, Cuba, 1971) y Dagoberto Rodríguez (Caibarién, Las Villas, Cuba, 1969) formaron a principios de la década de 1990 el grupo Los Carpinteros junto a Alexandre Arrechea (Trinidad, Las Villas, Cuba, 1970), quien en 2003 emprendió su carrera en solitario y Los Carpinteros continuaron su evolución convertidos en dúo. El grupo comenzó su trabajo empleando materiales reciclados — especialmente madera—, y trabajándolos con técnicas artesanales; de ahí su nombre artístico. Centraron su proceso creativo en la conceptualización de la actividad constructiva en sí misma, hasta convertirla en sujeto de su trabajo.

Su obra ha sido expuesta en prestigiosos museos y centros de arte internacionales como el Faena Art Center de Buenos Aires (Argentina), el Kunstmuseum de Thun (Suiza) o el Kunstverein de Hannover (Alemania), así como otros espacios españoles entre los que destacan Matadero Madrid o Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma de Mallorca. Su proyección internacional se constata con la presencia de sus obras en colecciones públicas y privadas como el Centro Galego de Arte Contemporáneo (CGAC) en Santiago de Compostela, el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC) en Badajoz, la TATE Gallery de Londres, el Centre Georges Pompidou de París, el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York o la Colección Daros Latinoamericana de Zúrich, entre otras.