lunes, 30 de junio de 2014

#PHE14 Aitor Lara, Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos 2014 por la serie Pobreza infantil en España.

PHotoEspaña y la revista de fotografía documental OjodePez hacen público el ganador del VII Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos, con el que reconocen un trabajo de fotografía documental que destaque los valores de solidaridad, ética, justicia o esfuerzo.

Pobreza infantil en España © Aitor Lara

El ganador de la séptima edición del premio es el fotógrafo español Aitor Lara por su serie Pobreza infantil en España. El proyecto ha sido realizado en diferentes barrios populares y centros sociales infantiles de Sevilla y Madrid para ilustrar el borrador sobre pobreza infantil en España presentado por Save the Children en 2014.

El trabajo está premiado con 2.000 euros, será objeto de una exposición itinerante en los centros FNAC de España y Portugal entre septiembre de 2014 y junio de 2015, y formará parte del número que OjodePez dedica cada otoño al certamen y que se publicará en septiembre.

Pobreza infantil en España © Aitor Lara

El jurado profesional encargado de conceder el Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos 2014 ha considerado en el fallo del galardón que «el trabajo es consistente y relacionado con la temática del premio y la calidad se destaca por su visión personal y estilo, y el profundo respeto por el tema. La serie se refiere a la situación contemporánea en España y refleja el momento crítico del país de una manera no estereotipada examinado los efectos colaterales y no simplemente lo que los titulares de prensa indican».

Este jurado ha estado compuesto por Erik Vroons, de GUP Magazine; Mauro Bedoni, de Colors; Diego Orlando, de Burn Magazine, Carine Dolek, de Fetart andCirculations y Arianna Rinaldo, directora de la revista OjodePez.

Pobreza infantil en España © Aitor Lara

El ganador, Aitor Lara, explica que «las historias reflejadas en las fotografías seleccionadas responden a un problema que afecta hoy a 2.826.549 de niños y niñas en España, el de la pobreza y la exclusión social. Los niños de España son ciudadanos del presente y actores clave del futuro de este país, la sociedad debe tomar conciencia a todos los niveles de la gravedad del asunto. La crisis económica ha expuesto a muchas familias a una disminución de sus ingresos, lo que ha disparado los indicadores de pobreza y de exclusión social. Es una situación severa que se presenta en la vida cotidiana de los niños, convirtiéndose en un obstáculo para el disfrute y el ejercicio de los derechos esenciales (vivienda, alimentación, educación, sanidad, etc) reconocidos en la Convención sobre los Derechos del Niño».

Sobre el autor 
La carrera profesional de Aitor Lara (1974 en Barakaldo, Vizcaya) comenzó en 1999 cuando fue galardonado con el Premio de Fotografía Juana de Aizpuru, mostrando su trabajo en ferias internacionales como ARCO y ParisPhoto. En 2004, recibió la beca de investigación Ruy de Clavijo de Casa Asia para llevar a cabo un proyecto en Uzbekistán. En 2008 recibe el premio Europa Multicultural de Médicos del Mundo. Ha publicado varios libros como Torre de Silencio editado en 2008 por Fundación Tres Culturas, Maestranza sobre la plaza de toros de Sevilla, estas fotografías decoran la fachada del edificio FNAC de Sevilla desde 2009, y Ronda Goyesca, editado por La Fábrica. Además, cuenta con diversas publicaciones enNewsWeek, Financial Times, OjodePez o Vokrug Sveta. En 2012 fue nominado para la beca Magnum Foundation Emergency Fund. Lara aborda cuestiones relacionadas con valores socio-culturales, identidad y anonimato, sugiriendo un modo de interpretar la realidad contemporánea. Ha trabajado en diferentes países profundizando en las dimensiones antropológicas de diferentes cultos religiosos y de algunas minorías sociales.

 Más información en www.phe.es - www.aitorlara.com

domingo, 29 de junio de 2014

@mataderomadrid Sandra Cinto. En silencio / Gran escala.

Matadero de Madrid
Nave 16
Pº de la Chopera 10
Hasta el 31 de agosto de 2014
Entrada gratuita
Más información en www.mataderomadrid.org



Comisariado: David Barro
En Silencio, que es una co-producción de Matadero Madrid y la Fundación Luis Seoane, se podrá ver en A Coruña partir del 16 de octubre.






En Silencio es una instalación site specífica realizada por la artista brasileña Sandra Cinto y comisariada por David Barro para el programa Gran Escala de Matadero Madrid. Un programa que propone a una serie de artistas abordar un espacio de naturaleza industrial y grandes dimensiones, ahora resuelto por Sandra Cinto como un paisaje imaginario, íntimo y rotundo, aunque se estructure desde lo frágil. Si por un lado se reivindica el silencio en una sociedad invadida por el ruido, por otro esa tentativa, silenciada, individual, se resuelve expandida, rotunda, colectiva. La experiencia es física, pero sobre todo psíquica, mental.



El espacio abismal de Matadero se convierte ahora en una habitación dominada por una mesa donde Sandra Cinto, escenifica un sentimiento, el de la dificultad de la creación, de componer, de manifestarse. En Silencio hace que el tiempo se pare como cuando estamos ante una fotografía antigua. Como cuando la música no suena, la creación es un callejón sin salida, igual que cuando una escalera no conduce a ningún lugar o cuando los libros no se pueden abrir.



Sandra Cinto. Nacida en Santo André (Brasil) en 1968, Sandra Cinto vive y trabaja en São Paulo, donde codirige el espacio-taller de artistas Ateliê Fidalga. Además de las habituales muestras en las galerías que la representan, como Casa Triângulo en São Paulo y Tanya Bonakdar en Nueva York, ha realizado exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderna de São Paulo, Seattle Art Museum, Instituto Tomie Ohtake o, actualmente, en el Centro Atlántico de Arte Moderno de las Palmas de Gran Canaria, así como colectivas como las celebradas en Museum of Contemporary Art de Miami, Museum of Contemporary Art de San Diego o el Centre Georges Pompidou. Seleccionada en importantes proyectos editoriales como Vitamin D (Phaidon), su obra se encuentra en colecciones como la Fundación ARCO, Centro Galego de Arte Contemporánea, Museo de Arte Moderna de São Paulo, Centro de Arte

@ALCBDS_CArte #Fotonoche 2014

Centro de Arte Alcobendas
Patio de Encuentro
Calle Mariano Sebastián Izuel 9
Alcobendas - Madrid
Viernes 4 de julio a las 22:30 horas
Más información en www.centrodeartealcobendas.org


Fotonoche pretende la difusión y promoción de la fotografía y de la colección del Centro de Arte Alcobendas. Aprovechando la llegada del verano la muestra fotográfica consiste en una proyección al aire libre en la que se puede contemplar la obra tanto de artistas consagrados como de fotógrafos noveles. Una buena oportunidad para compartir con amigos, profesionales y aficionados una noche mágica.

fotonoche 2014 from CENTRO DE ARTE ALCOBENDAS on Vimeo.



Fotonoche 2014: Javier Arcenillas - Félix Benito - Lorenzo Díaz - Philip-Lorca diCorcia - Joan Fontcuberta - Antonio García - Amparo Garrido - Dionisio González - Jesús Labandeira - Isabel Muñoz - Rafael Navarro - Eduardo Nave - Ruth Peche - Juan José Ruiz - Rafael Sanz Lobato

sábado, 28 de junio de 2014

#ArteTabacalera @NOPHOTOc @PromociondeArte Avance: Retando a la suerte.

Espacio Promoción del Arte
Tabacalera
Sala la Fragua
Calle Embajadores 51
Del 18 de julio al 7 de septiembre de 2014
Entrada gratuita
Más información en www.mcu.es/promoArte - www.nophoto.org



Retando a la suerte, un proyecto de Tania Pardo con el colectivo fotográfico NOPHOTO, está planteado como una cadena curatorial en la que cada comisario elabora una exposición con los doce miembros de NOPHOTO.

Sporting Together. De la serie Together, 2013. Marta Soul. De la caja Pictures at an Exhibition (Después de Modest Mussorgsky), de Martí Manem

Rafael Doctor, Eva González Sancho, Rosa Olivares, Virginia Torrente, Sergio Rubira, Roberto Vidal, Iraida Lombardía, Pablo Flórez, Manuel Segade, Martín Manen, Manuela Villa, Horario Fernández y Estrella de Diego, trece comisarios invitados que trabajan cada uno bajo una temática específica.

El resultado de cada propuesta se presenta en un único formato: trece cajas concebidas como trece exposiciones fotográficas portátiles; cada una contiene 12 imágenes correspondientes a los 12 fotógrafos: Jonás Bel, Iñaki Domingo, Paco Gómez, Jorquera, Carlos Luján, Eduardo Nave, Juan Millás, Eva Sala, Juan Santos, Carlos Sanva, Marta Soul y Juan Valbuena.


Wuhan, 2010. Jorquera. De la caja Juntos, de Tania Pardo

Este trabajo retoma la idea duchampiana de los museos transportables en maletas. Una propuesta para reflexionar sobre las estructuras portátiles o efímeras para la exhibición de arte, ya que pueden mostrarse en cualquier lugar. Retando a la suerte es además una suma de miradas a partir de la creación de relaciones. El trece, un número que simboliza, según algunas culturas, la mala suerte, se convierte aquí en un hecho anecdótico, pues el concepto principal es “suerte”, entendida como una concatenación de sucesos considerados fortuitos o casuales; una idea que también tiene mucho que ver con la propia concepción del mundo visto a través de los ojos del artista.

Se pone también de manifiesto la importancia de la colaboración y el capital afectivo como sistema de trabajo. Pactos tácitos entre unos y otros, un espacio de suma como punto de encuentro entre comisarios y fotógrafos. Un proyecto como experimento e imágenes narradas como resultado.

viernes, 27 de junio de 2014

@ALCBDS_CArte "Introspect", de Johann Ryno de Wet.

Centro de Arte Alcobendas
Calle Mariano Sebastián Izuel 9
Alcobendas - Madrid
Del 3 de julio al 2 de septiembre de 2014
Más información en www.rynodewet.comwww.centrodeartealcobendas.org

The guardian, 2006. Serie No man´s land.
Fotografía © Johann Ryno de Wet

Johann Ryno de Wet (Johannesburgo, 1982) es un artista joven y emergente con una gran proyección internacional que ha expuesto su trabajo en galerías, ferias de arte, y museos de Europa, Sudáfrica y Estados Unidos: revelaciones nacidas del inconsciente en forma de imágenes fantásticas y oníricas, paisajes con los que nos sentimos vagamente familiares. Esta es la obra del talento de Ryno de Wet: un talento que ha sido reconocido por la prestigiosa Aperture Foundation, seleccionando su obra para el ambicioso proyecto “reGeneration. 50 photographers of tomorrow”. Las imágenes de Ryno de Wet son todo un reto para el espectador. Es un creador de mundos distópicos y cinematográficos en los que la “tierra de nadie” cobra un protagonismo central. Ryno de Wet coloniza cada rincón de sus fotografías con dosis masivas de misterio, pánico y perturbación.

El territorio de los sueños continúa siendo fuente inagotable de inspiración y, aún más, hay personas que parecen recorrerlo en plena vigilia. No puede haber otra explicación a sus arriesgadas y quiméricas obras. Ryno de Wet emplea con eficacia técnicas digitales para transformar un punto de partida en uno de llegada que sólo está en su cabeza, en sus “visiones”.

Su obra se encuentra repartida por colecciones privadas de todo el mundo, incluyendo Sudáfrica, España, Bélgica, Reino Unido, Méjico y EEUU. A nivel institucional destaca su presencia en la colección del Centro de Arte Dos de Mayo (Madrid), en el Tucson Museum of Art (Arizona) y en el Musée de l’Elysée (Lausana).

jueves, 26 de junio de 2014

#expo_hcb @mapfreFcultura Presentación: Henri Cartier-Bresson

Fundación Mapfre
Paseo de Recoletos 23
Del 28 de junio al 7 de septiembre de 2014
Entrada gratuita - Reserva aquí tus entradas
Más información en www.fundacionmapfre.org - Magnum Photos - Minisite Mapfre


Después de su éxito en París, Fundación Mapfre y el Centro Pompidou nos traen a Madrid la mayor y más completa retrospectiva realizada hasta la fecha sobre Herni Cartier-Bresson, posiblemente el fotógrafo más completo del siglo XX. Podremos disfrutar de la muestra del 28 de junio al 7 de septiembre, después viajará a Roma y a México. Como es habitual en las salas de Fundación Mapfre, la entrada será gratuita y se harán visitas guiadas.

Clément Chéroux, comisario de la exposición y conservador del Centre Pompidou de París.

La muestra reúne más de 400 obras fotográficas y documentales, además hay que añadirle su producción pictórica, dibujos y pinturas hasta un total de más de 500 piezas expuestas. La mayor parte son copias de época, lo que ayuda a diferenciar y, al mismo tiempo, a ver mejor la evolución del fotógrafo con el paso del tiempo y las diferencias estéticas de unas décadas a otras, algo más difícil de apreciar en copias modernas positivadas todas del mismo modo y a un tamaño similar, aunque las fotografías estén separas por 50 años. Esto mismo también permite apreciar su dominio de la composición a lo largo de toda su trayectoria.



La exposición transcurre de manera temática: el Cartier-Bresson pintor, reportero, surrealista, su afición por el cine, compromiso político y social, el comunismo... para acabar con el Cartier-Bresson dibujante y huidizo de la fama.



Henri Cartier-Bresson es sin duda el mejor narrador de lo acontecido durante la mayor parte del siglo XX, y al mismo tiempo sentó las bases de lo que sería la fotografía documental de la segunda mitad de ese siglo y un referente para la del XXI. Esta parte también está muy bien llevada a lo largo de toda la exposición. "Contar la historia a través de la historia de Cartier-Bresson".Imposible separar al reportero del artista y viceversa, va mucho más allá del famoso "instante decisivo".





Os dejo la nota de prensa, que desgrana mucho mejor de qué va la exposición. Algunas fotografías, y os invito a que la visitéis en cuanto tengáis ocasión, así tendréis ocasión de repetir.


La exposición invita a revisitar la obra de Cartier-Bresson, llamado “ojo del siglo”, por ser un testigo clave de la historia del siglo XX. Por primera vez, se pone de manifiesto toda la riqueza de su obra y la diversidad de su trayectoria como fotógrafo, desde la estética surrealista hasta el foto-reportaje o su estilo intimista de los últimos años. De esta manera, se desgrana el trabajo de este artista mucho más allá del concepto de “instante decisivo” que le hizo famoso. 




El recorrido, a la vez cronológico y temático, se articula en torno a tres ejes: el periodo comprendido entre 1926 y 1935, marcado por su relación con el movimiento surrealista, sus inicios fotográficos y sus grandes viajes por el mundo. Un segundo escenario está dedicado al compromiso político de Henri Cartier-Bresson desde su regreso de los Estados Unidos en 1936 hasta que volvió a Nueva York en 1946. La tercera secuencia arranca con la creación de la agencia Magnum Photos en 1947, y se extiende hasta principios de la década de 1970, momento en que el autor dejó de realizar fotorreportajes. 





La exposición ha sido realizada por el Centre Pompidou de París, en colaboración con la Fundación MAPFRE, con la participación de la Fondation Cartier-Bresson. Las obras proceden de más de veinte colecciones internacionales, entre las que destacan la Fondation Cartier-Bresson de París, el Musée d´art Moderne de la Ville de Paris, la Cinémathèque Française, The Art Institute of Chicago, The Metropolitan Museum of Art de Nueva York, MOMA de Nueva York y el Philadelphia Museum of Art.


Signos ascendentes
La obra fotográfica de Henri Cartier-Bresson es el producto de un conjunto de factores: una clara predisposición artística, un aprendizaje perseverante, algo del espíritu de su tiempo, aspiraciones personales, numerosos encuentros. Su carrera artística comienza en los años veinte, bajo el doble signo de la pintura y la fotografía practicadas como aficionado, para desarrollarse después mediante algunos momentos clave como el viaje a África en 1930-1931. Revela la huella de su amor por el arte, de las horas pasadas leyendo o mirando cuadros en los museos. Quedó profundamente marcada por la enseñanza de André Lhote y el trato con sus amigos norteamericanos: Julien Levy, Caresse y Harry Crosby, Gretchen y Peter Powel. Si con el primero se inicia en los placeres de la composición, es en compañía de los segundos como descubre las fotografías de Eugène Atget y las de la Nueva Visión. El primer Cartier-Bresson es el resultado de estas diversas influencias: una compleja alquimia.

Madrid, España, 1933. Copia realizada en 1946.


La atracción surrealista
A través de René Crevel, a quien conoce en casa de Jacques-Émile Blanche, Cartier-Bresson empieza a frecuentar a los surrealistas hacia 1926. «Demasiado tímido y demasiado joven para tomar la palabra» —como contará más tarde—, asiste, desde una esquina de la mesa, a algunas de las reuniones en torno a André Breton celebradas en los cafés de la Place Blanche. De esos encuentros retendrá determinados motivos emblemáticos del imaginario surrealista: los objetos empaquetados, los cuerpos deformados, los soñadores con los ojos cerrados... Pero lo que más le marca del surrealismo es su actitud: el espíritu subversivo, el gusto por el juego y el lugar otorgado en él al inconsciente, el placer del deambular urbano, la clara predisposición a acoger el azar. Cartier-Bresson será especialmente sensible a los principios de la belleza convulsiva enunciados por Breton y no dejará de ponerlos en práctica a lo largo de los años treinta. Desde ese punto de vista, es sin duda uno de los fotógrafos más propiamente surrealistas de su generación.

Livorno, Toscana, Italia, 1933 Gelatina de plata, copia realizada en los años 80 Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, compra realizada gracias al mecenazgo de Yves Rocher, 2011, Antigua Colección Christian Bouqueret, París © Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos, cortesía Fundación Henri Cartier-Bresson


El compromiso militante
Como casi todos sus amigos surrealistas, Cartier-Bresson compartía muchas de las posturas políticas de los comunistas: un anticolonialismo implacable, un compromiso sin fisuras con los republicanos españoles y la profunda convicción de la necesidad de «cambiar la vida». Tras los violentos disturbios organizados en febrero de 1934 en París por las ligas de extrema derecha, que en ese momento se interpretan como una señal del riesgo de ascenso de los fascismos europeos en Francia, su compromiso político se hace más palpable. En esa época firma varios panfletos de «llamamiento a la lucha» y a la «unidad de acción» de las fuerzas de izquierdas. Durante sus viajes a México y Estados Unidos, en 1934-1935, la mayor parte de las personas con quienes mantiene relación están muy comprometidas con la lucha revolucionaria. A su regreso a París en 1936, Cartier-Bresson se radicaliza: participa asiduamente en las actividades de la Association des Écrivains et Artistes Révolutionnaires (AEAR) y comienza a trabajar para la prensa comunista.

Primeras vacaciones pagadas, orillas del Sena, Francia, 1936 Gelatina de plata, copia realizada en 1946 Colección Fundación Henri Cartier-Bresson, París © Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos, cortesía Fundación Henri Cartier-Bresson


El cine y la guerra
Cartier-Bresson decía del cine que le había «enseñado a ver». A lo largo de su viaje a México, en 1934, es cuando se empieza a manifestar en él el deseo de dirigir películas. El cine le interesa en el contexto de su propio compromiso militante, ya que se dirige a una mayor audiencia que la fotografía y permite, mediante su estructura narrativa, transmitir mejor el mensaje. En 1935, en los Estados Unidos, aprende los fundamentos de la cámara de cine en el seno de una cooperativa de documentalistas que, muy inspirados por las ideas tanto políticas como estéticas de los soviéticos, se congregan en torno a Paul Strand bajo la denominación de «Nykino», contracción de las iniciales de «Nueva York» y de la palabra «cine» en ruso. Con ellos, dirige un primer cortometraje. A su vuelta a París, en 1936, después de haber intentado sin éxito que Georg Wilhem Pabst, primero, y Luis Buñuel, después, le contratasen como ayudante, inicia una colaboración con Jean Renoir que se prolongará hasta la guerra.

En un campo de desplazados, una confidente es reconocida por quien ella había denunciado,  Desasau, Alemania, 1945.

El reportaje gráfico
En febrero de 1947, Cartier-Bresson inaugura su primera gran retrospectiva institucional en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York. Unos meses después, junto con Robert Capa, David Seymour, George Rodger y William Vandivert, funda Magnum, la agencia que rápidamente se convertirá en uno de los referentes mundiales en el campo del fotorreportaje de calidad. Tras su exposición en el MoMA, Cartier-Bresson habría podido optar por ser meramente artista; sin embargo, decide hacerse reportero y se embarca en la aventura de Magnum. A partir de 1947 y hasta principios de la década de 1970, realiza multitud de viajes y reportajes en prácticamente todos los rincones del planeta, y trabaja para casi todas las grandes revistas ilustradas internacionales. Pese a las limitaciones que le impone la prensa, los cortísimos plazos inherentes al sistema mediático y las contingencias del trabajo por encargo, Cartier-Bresson logrará mantener un nivel de excelencia intachable en su producción fotográfica de esas décadas de reportero.

Camagüey, Cuba, 1963 Gelatina de plata, copia de época Colección Fundación Henri Cartier-Bresson, París © Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos, cortesía Fundación Henri Cartier-Bresson


Antropología visual
En paralelo a sus reportajes, Cartier-Bresson también fotografió determinados temas de forma recurrente en todos los países que visitó y a lo largo de varios años. Realizadas en los márgenes de los reportajes o con total autonomía, estas series de imágenes, que abordan algunas de las grandes cuestiones sociales de la segunda mitad del siglo XX, constituyen auténticas investigaciones. No responden a un encargo, escapan a la urgencia impuesta por la prensa y son mucho más ambiciosas que numerosos reportajes. Dichas investigaciones temáticas y transversales, que el mismo Cartier-Bresson describe como una «combinación de reportaje, filosofía y análisis (social, psicológico y de otros tipos)», están ligadas a la antropología visual, esa forma de conocimiento de lo humano donde las herramientas de registro analógico juegan un papel capital.

«Soy visual —afirmaba, de hecho, Cartier-Bresson— [...]. Observo, observo, observo. Entiendo a través de los ojos.»


Acelerador lineal, Universidad de Stanford, Estados Unidos, 1967 Gelatina de plata, copia realizada en los años 70 Colección Fundación Henri Cartier-Bresson, París © Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos, cortesía Fundación Henri Cartier-Bresson


Después de la fotografía
A partir de los años setenta, Cartier-Bresson, ya sexagenario, deja paulatinamente de responder a los encargos de reportajes, es decir, de fotografiar en un marco obligado. Considerando que Magnum se aleja cada día un poco más de su espíritu fundacional, se retira de los negocios de la agencia. Su fama internacional no ha dejado de crecer: se ha convertido en una leyenda viva. En Francia encarna, casi por sí solo, el reconocimiento institucional a la fotografía, lo que evidentemente no le hace feliz. Invierte mucho tiempo en supervisar la organización de sus archivos, la venta de sus copias y la realización de libros o exposiciones. Aunque oficialmente ya no fotografía, conserva sin embargo su Leica a mano y toma en ocasiones imágenes más contemplativas. Pero, sobre todo, es asiduo de los museos o las exposiciones, y dedica lo mejor de su tiempo al dibujo.

Martine Franck, París, Francia, 1967 Gelatina de plata, copia de época Colección Eric et Louise Franck, Londres © Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos, cortesía Fundación Henri Cartier-Bresson

miércoles, 25 de junio de 2014

@museoreinasofia Presentación: Richard Hamilton #MadridEsPop

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS).
Edificio Sabatini
Planta 3
Calle Santa Isabel 52
Del 27 de junio al 13 de octubre de 2014
Más información en www.museoreinasofia.es


ENORME la retrospectiva sobre el trabajo de Richard Hamilton que ha montado el MNCARS. Más de 270 obras repartidas por prácticamente la totalidad de la 3ª planta del edificio Sabatini. La muestra recoge una sucesión de exposiciones, además,  se han reconstruido instalaciones tal cual se expusieron por primera vez, creando habitaciones-espacios de igual forma que los pensó Hamilton en su día. Está organizada de manera cronológica por series, exposiciones, así que se puede ver por partes, o, dedicarle un día a la visita. A mí me tocará regresar para ver con detenimiento lo que más me ha gustado, hoy era día de ver aquello por encima y tomar fotografías. Os dejo algunas de esas fotos (sin ningún orden y fuera de lo que es el contexto de la serie y el recorrido de la exposición) y la nota oficial de la expo. 
También, comentar que se puede sacar una entrada conjunta #MadridEsPop para visitar esta exposición y Mitos del Pop en el museo Thyssen. En la web del MNCARS tenéis más información para organizar la visita y el listado de actividades organizadas con motivo de esta exposición.























El Museo Reina Sofía dedica la retrospectiva más completa de las organizadas hasta ahora a Richard Hamilton.

Componen la exposición unas 270 obras del artista británico, una de las figuras más destacadas del pop art.



Madrid acogerá entre el 27 de junio y el 13 de octubre de este año la mayor retrospectiva realizada hasta la fecha del británico Richard Hamilton, uno de los artistas más influyentes del siglo XX. La exposición, organizada por el Reina Sofía y patrocinada por la Fundación Abertis, fue concebida específicamente para el Museo madrileño por el propio Hamilton, quien se implicó y trabajó de manera directa desde los primeros meses de 2010 hasta antes de fallecer en 2011. Ha sido comisariada por Vicente Todolí y Paul Schimmel y recientemente se ha podido ver parte de ella en la Tate Modern de Londres, con gran éxito de crítica y público.

Richard Hamilton. My Marilyn (Mi Marilyn). 1965. Óleo, collage y fotografía sobre tabla. 102,5 x 122 cm. Colección Ludwig, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aquisgrán

La muestra incluye unas 270 obras (pinturas, grabados, dibujos, fotografías, impresiones informáticas, obras de diseño industrial y réplicas) creadas a lo largo de más de sesenta años (entre 1949 y 2011) y permite conocer tanto la extraordinaria variedad de medios, técnicas y géneros que caracterizan la producción de Hamilton, como la relevancia, influencia y actualidad de su revolucionario trabajo.

El público podrá contemplar así las obras más emblemáticas de este creador, como su collage Just What is it that Makes Today's Homes So Different, So Appealing (Qué es lo que hace las casas de hoy tan diferentes, tan atractivas), un fotomontaje que está considerado la obra primigenia del pop art.



Otras de sus más famosas e icónicas creaciones presentes en la exposición son la carátula del doble disco White Album de los Beatles o Swingeing London 67, obra en la que Hamilton, asociado a menudo con los acelerados años 60, pintó a Mick Jagger y el marchante de arte Robert Fraser, con esposas, tras una redada antidrogas. Sus series My Marilyn, Interior, The Solomon R. Guggenheim o las reproducciones de Duchamp forman parte también de la muestra. Por otra parte, se recrearán cinco instalaciones de gran envergadura que el artista diseñó o contaron con su participación. Todas ellas se han reconstruido siguiendo sus indicaciones y algunas constituyen momentos cumbre del pop (An exhibit o This is tomorrow). Así mismo, la instalación Growth and Form, de 1951, será reconstruida por primera vez. También hay que decir que se verá la última obra realizada por Hamilton, en la que trabajó antes de morir y no llegó a titular.



En la exposición también se incide en las relaciones que Hamilton mantuvo con el diseño, la pintura, la fotografía, la tecnología y la televisión así como las colaboraciones que estableció con otros artistas y de la que son ejemplo los retratos de sí mismo realizados por Francis Bacon, Andy Warhol o Roy Lichtenstein. Se ha editado un catálogo que reproduce las obras expuestas e incluye textos de con textos de Benjamin H. D. Buchloh, Hal Foster, Mark Godfrey Richard Hamilton, Alice Rawsthorn, Paul Schimmel, Fanny Singer y Victoria Walsh.


La exposición ha sido organizada por el Museo Reina Sofía con la colaboración de Tate Modern.

ACTIVIDADES RELACIONADAS

-Seminario internacional: Ciudadano Hamilton. El arte contra la industria cultural (septiembre de 2014). Contará con la participación de destacados teóricos e historiadores del arte, expertos en diferentes campos en los que trabajó Hamilton (vídeo, pintura, comunicación, etc).

-Conferencia magistral a cargo de Benjamin Buchloh. Entre americanos: Richard Hamilton (8 y 9 de octubre, 2014). Buchloh es uno de los especialistas internacionales más reconocidos en el arte europeo de posguerra y sus últimas publicaciones están dedicadas a Richard Hamilton y a Gerhard Richter.

-Ciclo audiovisual. La televisión entrega personas a domicilio (Septiembre y octubre, 2014). En él se revisará la relación de Richard Hamilton con el sistema de control de los medios de comunicación, que comienza a configurarse a comienzos de los 60, e incluirá algunos de sus trabajos audiovisuales y de miembros del Independent Group y artistas vinculados a este pensamiento.

-Visitas comentadas A propósito de... Hamilton. Jueves y sábados mientras dure la exposición.
-Taller para jóvenes de 16 a 20 años. Todos los sábados del mes de septiembre.
- Visita dinamizada para alumnos de Secundaria y Bachillerato. Entre el 15 de septiembre y al 13 de octubre.