martes, 28 de octubre de 2014

Memorias en la Fundación. @fundacionmarch Cristina García Rodero con Iñigo Alonso.

Fundación Juan March
Salón Azul
Calle Castelló 77
Lunes 17 de noviembre a las 19:30 horas
Acceso libre hasta completar aforo.
Más información en www.march.es



Esta nueva iniciativa se desarrolla como una charla que se emite en directo a través de nuestra página web (Radio March). El entrevistador es el periodista Íñigo Alfonso, quien desde 2001 trabaja en RNE donde ha desempeñado diferentes funciones en las áreas de economía e información nacional y dirigió el informativo nocturno 24 Horas. Ha sido editor adjunto del Telediario primera edición de TVE. Actualmente coordina el área parlamentaria de los servicios informativos de RNE.

Emulando una entrevista radiofónica, con sintonía propia, los protagonistas son destacadas personalidades provenientes de diferentes ámbitos de la cultura que fueron destinatarios de becas o ayudas de la Fundación, con las que iniciaron su carrera o avanzaron en el desarrollo profesional en sus respectivas disciplinas. Con el relato de su experiencia, la Fundación Juan March pretende que el protagonismo esté centrado en la figura y la trayectoria del invitado y con ella retratar también la evolución de un país, "fotografiar" la España de los años 50, 60 o 70 y proyectarla en la actual. Esta es la razón por la que se ha escogido este nombre para la actividad, "Memorias de la Fundación": un espacio para recordar los orígenes de destacadas trayectorias profesionales y porque los resultados de estas becas están reflejados en una memoria o tesis final depositada en la Fundación.

lunes, 27 de octubre de 2014

Avance: @museothyssen Impresionismo americano.

Museo Thyssen-Bornemisza
Pº del Prado 8
Del 4 de noviembre de 2014 al 1 de febrero de 2015.
Más información en www.museothyssen.org

William Merritt Chase
El quimono c. 1895 Óleo sobre lienzo. 89,5 x 115 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

A raíz de la exposición de impresionismo francés organizada por el marchante Paul Durand-Ruel en Nueva York en 1886, los artistas americanos comenzaron a hacer uso de la nueva pincelada, los colores brillantes y los efectos fugaces propios del movimiento francés; muchos de ellos, decidieron incluso viajar a París para conocer el impresionismo de primera mano.

Esta exposición será la primera ocasión de poder contemplar en España una muestra dedicada a la expansión del impresionismo en Norteamérica. Su comisaria, Katherine Bourguignon, conservadora de la Terra Foundation for American Art Europe, rastrea a través de unas sesenta pinturas el modo en que los artistas norteamericanos descubrieron el impresionismo entre las décadas de 1880 y 1890, así como la interpretación propia de este estilo que desarrollaron hacia 1900.

La exposición se presentará primero en el Musée des Impressionnismes Giverny, en la primavera de 2014, en las National Galleries of Scotland (Edimburgo) durante el verano y, a partir de noviembre, en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

Esta exposición ha sido organizada por el Musée des impressionnismes Giverny y la Terra Foundation for American Art, en colaboración con las National Galleries of Scotland y el Museo Thyssen-Bornemisza.

Con el generoso apoyo de la Terra Foundation for American Art.

Avance: #Alcala31 Chema Madoz

Consejería de Empleo, Turismo y Cultura CAM.
Sala Alcalá 31
Acceso gratuito
Mayo / Agosto de 2015
Más información en www.madrid.orgwww.chemamadoz.com

Sin título, 2014
Fotografía © Chema Madoz


Comisario: Borja Casani

La exposición se centra en un recorrido por la obra realizada entre los años 2008 y 2014 en los que Madoz ahonda y amplía las claves que han marcado su línea de investigación fotográfica de los últimos años. Si la poética del objeto ha sido el eje sobre el que ha vertebrado la construcción de su diálogo desde hace tiempo, en esta selección, podremos ver cómo los referentes e influencias se van abriendo a la presencia de la naturaleza, la aparición de la figura animal, la inclusión del dibujo como otra forma de representación o la aparición del texto como un vehículo natural de la imaginación.

En definitiva, una obra en la que realidad e ilusión conforman una imaginería de difícil clasificación donde la certidumbre muestra su fragilidad.

Chema Madoz (Madrid, 1958), es uno de los fotógrafos más relevantes de la escena artística española que disfruta además de reconocido prestigio internacional. En 1983 realiza su primera muestra individual en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid y desde 1990 comienza a desarrollar su poética de objetos, tema que será una constante en su fotografía hasta la fecha.

Ha sido galardonado con numerosos premios como el Premio Nacional de Fotografía (2000) y el Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid (2012), entre otros. Sus obras forman parte de museos y colecciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Fundación Telefónica, el Centro Andaluz de Fotografía, la Fundación Juan March, el IVAM, el Ministerio de Cultura y el Fine Arts Museum de Houston.

sábado, 25 de octubre de 2014

Avance: @museodelprado Dibujos españoles en la Hamburger Kunsthalle: Cano, Murillo y Goya.

Museo del Prado
Calle Ruiz de Alarcón 23 (pº del Prado).
Del 30 de octubre de 2014 al 8 de febrero de 2015
Más información en www.museodelprado.es

Pareja con sombrilla en el paseo (1795-97).
Francisco de Goya. Hamburger Kunsthalle, Kupferstichkabinett.
 © Hamburger Kunsthalle/bpk. Photo by Christoph Irrgang

Tras su presentación en el Meadows Museum de Dallas, el Museo del Prado reunirá por primera vez casi la mitad de los dibujos de la colección de la Kunsthalle de Hamburgo, institución que posee una de las colecciones de dibujo español más importante fuera de España. Una colección, formada por casi dos centenares de dibujos, que es representativa del dibujo español desde el siglo XVI a comienzos del XIX.

Reunida en Sevilla a comienzos del siglo XIX, fue vendida en el mercado londinense y adquirida por el museo alemán en 1891. Con un mayoritario conjunto de dibujos sevillanos, destacan los nombres de Cano, Murillo, Valdés Leal, Castillo y Schut, pero también Goya está presente en esta colección con un nutrido conjunto de dibujos, entre los que destacan algunos preparatorios para su serie de copias de los retratos de Velázquez.

Esta exposición y el catálogo razonado que la acompaña, editado también en inglés, plantean algunas de las principales cuestiones relacionadas con el mundo del dibujo como su valor como expresión autónoma, su empleo en el proceso creativo de la obra artística y como instrumento de formación, el coleccionismo de dibujos en el siglo XVIII y XIX y el problema de las atribuciones.

jueves, 23 de octubre de 2014

Avance: #CA2M @ComunidadMadrid “Orden inconcluso”, una exposición de Carlos Garaicoa.

Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M).
Av. de la Constitución 23
Móstoles - Madrid
Acceso gratuito
Del 23 noviembre de 2014 al 8 de marzo de 2015
Más información en www.ca2m.org - www.carlosgaraicoa.com - www.madrid.org/agenda-cultural


El CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid está preparando una exposición del artista cubano residente en España Carlos Garaicoa. La muestra, que llevará por título Orden inconcluso, está comisariada por el recientemente nombrado director del Malba (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires), Agustín Pérez Rubio. Se podrá visitar a partir del 23 de noviembre de 2014 hasta el 8 de marzo de 2015.

Orden inconcluso reunirá una selección de trabajos de Carlos Garaicoa que incluye fotografía, instalaciones y objetos, en los que el artista reflexiona sobre las distintas realidades económica y política de dos de los países donde ha vivido: Cuba y España. En estas obras la arquitectura y la ciudad aparecen como un telón de fondo o escena desde donde se dan, a modo de teatro, acciones que reivindican el sentir ciudadano, como las manifestaciones o las pintadas en muros.

La muestra intenta poner en relación los grandes proyectos sociales de la arquitectura de décadas pasadas y las nuevas estructuras macro económicas, con las micro-realidades ciudadanas, es decir, con las reivindicaciones de los ciudadanos. Todo ello en un recorrido que va desde lo más sencillo y sensible como es la calle y el ciudadano a las altas esferas de lo político y económico como son los bancos y los gobiernos. Los proyectos utópicos que se incluyen en la exposición se relacionan con los muros de las ciudades donde sus habitantes claman un nuevo orden estructural y no sólo político o económico. Piezas como Saving the Safe (Bundesbank) y Saving the Safe (Banco de España), son el reflejo del poder financiero, mientras que otras obras reflejarán el sentir ciudadano. Es el caso de las alcantarillas que estarán situadas en las calles alrededor del CA2M y desde donde el artista increpará al espectador con nuevos eslóganes.

La exposición pretende trazar varias líneas conceptuales entre diferentes épocas de la obra de Carlos Garaicoa a través de una precisa selección de los trabajos, que tienen como denominador común tanto la economía y la arquitectura como el poder, el control y la utopía. Además, ofrece una nueva serie de piezas realizadas ex profeso para este proyecto que intentan ahondar y enmarcar más profundamente esta intención del artista en conectar diversas realidades políticas y económicas que le han tocado vivir.

Tras su paso por el CA2M, la muestra podrá verse a lo largo de 2015 en el Museo Nacional de Noruega (Oslo) y en Villa Stuck (Múnich).

Orden inconcluso se presenta en paralelo a Orden aparente, otra exposición de Carlos Garaicoa -inaugurada en el mes de octubre- en la Fundación Botín, comisariada por Vicente Todolí. Por ello se publicará un catálogo en dos volúmenes que recogerá las obras de ambas muestras, junto a algunos proyectos anteriores de Garaicoa, permitiendo profundizar más en los procesos e investigaciones del artista referente a estas temáticas que abordan ambas exposiciones.

Visita a : Juan Luis Moraza "república". @museoreinasofia

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS).
Edificio Sabatini
Planta 3ª
Del 15 de octubre de 2014 al 2 de marzo de 2015.
Más información en www.museoreinasofia.es 



Comisario: João Fernandes
Coordinación: Soledad Liaño





Juan Luis Moraza (Vitoria 1960) presenta en el Museo Reina Sofía tres proyectos diferentes que ha ido realizando en los últimos años. Estas series, tituladas  RepercusionesImplejidades y Software han ido rodeando de forma latente un espacio donde cuerpo, sujeto y vínculo se reflejan en una encrucijada común. 



La noción de república sirve para desarrollar esas tres series en una especie de confederación de reflejos y desde ellas, comprender algo de la complejidad de la subjetividad y de las sociedades contemporáneas. Bajo este cruce de caminos, el artista plantea el concepto de república como una confluencia de modelos orgánicos, computacionales y políticos, para la comprensión de la complejidad simultáneamente descentralizada y jerarquizada inherente tanto al sujeto humano, como a sus vínculos.

Doctor en Bellas Artes por la UPV-EHU (1994), Moraza es profesor titular del Departamento de Escultura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo y ha ejercido la docencia en la Universidad del País Vasco.


 Ha representado a España en la Expo 92 de Sevilla, en la Bienal de São Paulo de 1994 y en Bienal de Venecia de 2001 y  realizado exposiciones individuales en museos, galerías y centros de arte. Su obra está presente en multitud de espacios públicos y privados y en Museos como el Guggenheim, el Museo Reina Sofía, ARTIUM, y colecciones como la de Rona Hoffman, la colección Dona & Howard Stone, o la colección Helga de Alvear, entre otras

martes, 21 de octubre de 2014

#JazzMadrid @FestJazzMadrid @CondeDuqueMAD JazzMadrid 2014

Varias sedes (aunque el grueso del festival se realizará en el Conde Duque).
Más información festivaldejazzmadrid.com y programa



El jazz a cada paso

Que el fenómeno del jazz –un estilo musical difícil de definir- ha tenido una poderosa impronta desde principios del siglo XX no es una noticia de última hora. Y tampoco un descubrimiento digno de celebrar. Sí es importante subrayar, en cambio, que, por todo ello tal vez, por la importancia que rompiendo rutinas han tenido y tienen las culturas llegadas desde el continente africano, el jazz se ha tornado ubicuo, está en todas partes.

El jazz es música, pero también puede ser poesía, cine, fotografía, literatura. Son abundantes las películas que incluyen en su banda sonora toda clase de estándares del estilo musical afroamericano. En la televisión, por seguir con los ejemplos, la trompeta de un imitador de Chet Baker nos sugirió hace algunos años las bondades que tenía el consumo de una bebida sin alcohol, y la cartelería, con imágenes de jazzistas en plena acción, se multiplica en decenas de establecimientos dedicados a la restauración.

El jazz está, en efecto, muy cerca de nosotros, en todas partes, nos rodea a cada paso que damos como nadie hubiese pensado que lo haría nunca. Hace años que los que nos ocupamos de su discurrir natural, el de su historia y el de su presente, también hablamos y escribimos acerca de otras tentativas estéticas que le son afines. Quien disfruta con las fotografías de William Claxton o con las pinturas de Romare Bearden, también lo hace con los conciertos sacros de Duke Ellington, con las temperamentales entregas de Roland Kirk o con las excentricidades de Sun Ra y Cecil Taylor. Es más: quien dé por bueno el hecho de que, durante años, el jazz ha vivido en un universo de endogamias, repleto de formulaciones excluyentes, también deberá reconocer que hoy son muchos los músicos, los críticos y, sobre todo, los aficionados que han terminado con esa rutina. El festival que ahora alberga Conde Duque apuesta por un jazz abierto, sin prejuicios, un jazz autosuficiente, pero también conectado con otras manifestaciones artísticas.



Es claro que a los artistas que muestran ahora sus obras en Madrid les interesa la música de jazz, pero también los personajes y situaciones que inspira el jazz a la novela negra, la estructura sonora que suministra cuerpo y consistencia a la poesía beat, la razón por la que las películas de Woody Allen demandan la presencia de clásicos del swing en su banda sonora. El objetivo es escenificar un jazz tan abierto como el ánimo de quienes se regocijan con él. Y el sumario de esta muestra es fiel reflejo de esas aspiraciones.

Su muestrario de actividades –tan variadas como los gustos de todos ustedes- centra atenciones en los trabajos de un puñado de artistas de ideas tan fijas como claras: agarrar el presente por la cola hasta alumbrar una obra cuyos colores y luces testimonien la fecha en que vivimos. A través de voces tan originales –y heterogéneas- como las que componen el cartel que hemos preparado para ustedes, pretendemos que esta música se reciba nítida y con la fuerza de los ciclones. Y que sea disfrutada por el mayor número posible de personas.

Luis Martín
Director artístico de JAZZMADRID14
Festival Internacional de Jazz de Madrid

"When lights are low", el viaje al interior del complejo y fascinante mundo del jazz de Esther Cidoncha.

Christian Scott 2010 © Esther Cidoncha
Más información en www.lafabrica.comecidonchafotosdejazz.blogspot.com.es


La Fábrica publica When Lights are Low. Retratos de Jazz, un volumen en el que la fotógrafa Esther Cidoncha recorre los escenarios donde el jazz cobra vida cada noche a lo largo de más de 20 años de fascinación y trabajo fotográfico. Con los grandes clubes y festivales de Europa y Norteamérica, Cidoncha retrata tanto a los grandes del género como a aquellos a los que la fama les ha sido esquiva. Con su fotografía en blanco y negro, ofrece el más fidedigno retrato del músico de jazz en su elemento y más allá de los convencionalismos. Desde los años 90 hasta nuestros días, el libro reúne fotografías inéditas de mitos del jazz como Art Farmer, Kenny Barron, Benny Carter, Lionel Hampton, Casandra Wilson o Joe Lovano entre más de 150 músicos.



A lo largo de sus 232 páginas, la cámara de Esther Cidoncha recorre los escenarios donde el jazz cobra vida cada noche: Nueva York, Nueva Orleans, Newport, Copenhague, Berlín, Roma, Londres, París, Ámsterdam, Barcelona, Madrid, Valencia, San Sebastián, entre otras ciudades. Un viaje al interior del complejo y fascinante mundo del jazz, que contiene también textos de Antonio Muñoz Molina, Wadada Leo Smith, Chema García Martínez y José María Díaz-Maroto especialmente escritos para este libro.

Tras 25 años fotografiando el mundo del jazz, Esther ha reunido una selección de sus fotografías en un volumen formado por 180 instantáneas, ordenadas en orden cronológico, realizadas entre 1990 y 2014. Su objetivo está presente sobre el escenario, pero también durante la imprescindible prueba de sonido antes del concierto o en la intimidad del camerino. Los músicos son, para Esther, una fuente de inspiración continua y sus retratos son el producto de la fascinación que siente por el músico de jazz y su entorno.

Barry Harris 1991. © Esther Cidoncha

«El buen fotógrafo de jazz es el que retrata la condición entre profetas solitarios y jornaleros cumplidores de los músicos, entre visionarios y marginales, asentados magníficamente en el dominio del oficio y en el placer a la vez individual y colectivo de la música y a la vez transeúntes sin pausa, gastados por los viajes, un poco perdidos en teatros o clubes en los que quizás actuarán una sola noche, en ciudades de las que raramente llegan a ver algo más que un hotel a deshoras y un local con camerinos casi siempre mediocres. […] Esther Cidoncha sabe captar tan agudamente en los músicos de jazz, y que es tan particular de ellos», escribe Antonio Muñoz Molina en el texto Fotos sonoras.

«Observando ahora las bellas fotografías que Esther Cidoncha nos ofrece en este libro, veo una conexión real entre el ayer y el mañana, los viejos músicos y los nuevos. Puedo reconocerme en ellas, pero no me veo como yo, porque la fotografía transforma la realidad en otra cosa. Quizá sea eso lo que llamamos «arte». Miro una imagen de mí mismo, pero controlada por la artista que ha trabajado con ella, de modo que la veo estrictamente como una imagen; no soy yo realmente, aunque se parece a mí. Digámoslo así: la imagen sobre el escenario soy yo, pero no llego a ser yo. Definitivamente, yo soy la foto. Hay dos realidades», afirma el trompetista Wadada Leo Smith en el texto introductorio Una experiencia viva.

Sobre la autora
Esther Cidoncha nació en Orán, Argelia. Su afición al jazz y a la fotografía le llevó a realizar sus primeros retratos de músicos en 1990, en Valencia, ciudad en la que vivió hasta 1999, año en que se trasladó a Madrid. Con su cámara ha recorrido los principales clubes y festivales de jazz europeos y nacionales, así como de Newport, Nueva York y Nueva Orleans, y ha retratado a infinidad de músicos de jazz, ate­sorando a día de hoy varios miles de negativos que dan fe de su tenacidad y su talento. Sus fotografías se han expuesto en los festivales de jazz de San Sebastián, Madrid, Valencia, Alicante, Móstoles, Getxo y Ribadeo. Colabora de forma habitual con la prestigiosa revista Cuadernos de Jazz y diversas webs especializadas, así como con diferentes clubes de Madrid. Además de fotógrafa, ha sido directora de Arte y bailarina de ballet clásico y danza contemporánea, experiencia decisiva a la hora de componer y buscar la plasticidad en sus fotografías.

lunes, 20 de octubre de 2014

Presentación: Hubert de Givenchy @museothyssen @givenchy

Museo Thyssen-Bornemisza
Pº del Prado 8
Del 22 de octubre de 2014 al 18 de enero de 2015
Más información en www.museothyssen.org



Asesor del proyecto: Philippe Venet
Comisario: Eloy Martínez de la Pera
Comisaria técnica: Paula Luengo, Área de Conservación Museo Thyssen- Bornemisza

Hubert de Givenchy y Audrey Hepburn,
 en una prueba de vestuario
para el estreno de la película Historia de una monja
(Fred Zinneman, 1959).
 Fotografía © Corbis Images
El Museo Thyssen-Bornemisza presenta, desde el 22 de octubre de 2014 hasta el 18 de enero de 2015, la primera gran retrospectiva del modista francés Hubert de Givenchy, un creador esencial del siglo XX y leyenda viva de la historia de la alta costura. La exposición, primera incursión del Museo en el mundo de la moda, está ideada por el propio Givenchy y ofrece por ello un enfoque excepcional de sus creaciones a lo largo de casi medio siglo, desde la apertura en 1952 en París de la Maison Givenchy hasta su retirada profesional en 1996. El diseñador ha seleccionado alrededor de un centenar de sus mejores vestidos, procedentes de museos y colecciones privadas de todo el mundo y muchos de ellos inéditos para el público, que dialogan en las salas con un conjunto de obras de las colecciones Thyssen-Bornemisza.

Desde la fundación de su propia casa de costura, las colecciones de Givenchy han cosechado un éxito continuado. Admirador de la obra de Cristóbal de Balenciaga, de él heredó una forma de hacer y de entender la costura que se caracteriza por la pureza de líneas y volúmenes. Givenchy fue el primer diseñador en presentar una línea de prêt-à-porter de lujo en 1954 y sus diseños vistieron a algunas de las grandes personalidades del siglo XX, como Jacqueline Kennedy, Wallis Simpson, Carolina de Mónaco o su gran amiga Audrey Hepburn.



La exposición dedica un capítulo especial a esta fructífera relación profesional y de amistad que se inició en 1954 y se prolongó durante toda la vida de la actriz. Audrey vistió sus diseños en algunas de sus películas más conocidas, como Sabrina, Una cara con Ángel o Desayuno con diamantes, y declaró que “la ropa de Givenchy es la única con la que me siento yo misma. Es más que un diseñador; es un creador de personalidad”. Hepburn sirvió también de imagen para el primer perfume de la Maison Givenchy, L ́Interdit, que se presentó en 1957 y para cuya campaña la estrella fue inmortalizada por el fotógrafo Richard Avedon.


Como coleccionista él mismo de pintura de los siglos XVII y XVIII, además de obras de artistas de comienzos del siglo XX, Givenchy ha reconocido en numerosas ocasiones la influencia de la pintura en su trabajo; ejemplo de ello es el hecho de que sus creaciones aúnan la elegancia clásica de la alta costura con el espíritu innovador del arte de vanguardia. Este aspecto, no siempre fácil de reflejar, sale a la luz en las salas a través de los diálogos que sus vestidos establecen con una selección de obras escogidas de artistas como Zurbarán, Rothko, Sargent, Miró, Robert y Sonia Delaunay o Georgia O ́Keeffe. La exposición presenta sus contenidos mediante un recorrido abierto e intuitivo, basado en referencias y conexiones temáticas, conceptuales y estéticas, subrayadas en muchos casos por ese diálogo con los cuadros del Museo.

Creaciones innovadoras y primeros grandes éxitos

El recorrido empieza con un primer espacio dedicado a mostrar los comienzos de la Maison Givenchy, en 1952, con piezas destacadas de la que fue la primera colección en su propia casa de costura. Destaca entre ellas la famosa blusa Bettina, llamada así en honor de una de las modelos más bellas de la época y buena amiga del diseñador. Confeccionadas con un material tan económico como la tela blanca de algodón de camisa masculina, con cuello abierto y mangas adornadas con bordado inglés, estas blusas destilaban elegancia y belleza y constituyeron el primer gran éxito en su carrera y un primer paso en su consolidación internacional. A la blusa Bettina le siguieron otras creaciones surgidas de una imaginación adelantada a su tiempo, como unos vestidos de noche con el cuerpo suelto que podían llevarse también con falda o pantalón; elementos intercambiables que se dejaban a la imaginación y estilo de las clientas para combinarlos entre sí, de ahí su nombre: Separates.



Una fantástica selección de vestidos cortos, piezas de indumentaria en piel y delicados trajes en seda y lamé protagonizan las salas siguientes para mostrar una de las principales enseñanzas de su maestro Balenciaga, la importancia de los tejidos. Este trabajo con los distintos materiales junto al tratamiento cromático que les daba, por ejemplo a las pieles, hicieron de él un diseñador innovador y rupturista, pero sin perder nunca de vista la elegancia y la sencillez esencia de su talento. Esta parte del recorrido culmina con una muestra de vestidos que combinan el blanco y el negro, introduciendo ya aquí la que será una de sus mayores señas de identidad: la maestría en el trabajo con el color negro.

Grandes clientas

El núcleo de la exposición está dedicado a mostrar las creaciones para algunas de sus principales clientas, figuras esenciales para contar y mantener una carrera continuada de éxito a lo largo de toda la vida de un modista. Destacan entre ellas cuatro mujeres icónicas de la historia de la moda que fueron además grandes amigas de Givenchy: la duquesa de Windsor, la princesa Grace de Mónaco, Jacqueline Kennedy y, principalmente, la actriz Audrey Hepburn, su musa y embajadora de su marca desde que se conocieron en 1954. Muchas de las piezas exhibidas forman parte de la historia del cine y de la memoria visual del siglo XX, como el vestido que llevó Jackie Kennedy en la recepción oficial que dio el general De Gaulle durante la visita oficial a Francia del presidente de los EE.UU., John Fitzgerald Kennedy, en 1961; o el vestido negro de Audrey Hepburn en la película Desayuno con diamantes, de ese mismo año. Junto a otras creaciones que Givenchy realizó para numerosas actrices y películas, estos vestidos subrayan la importancia del cine en la carrera del diseñador como excelente plataforma de proyección internacional.



A continuación, el recorrido avanza a través de una selección de trajes que muestran el trabajo preciosista y artesanal en bordados y muselinas, presentes en piezas como los déshabillés, hasta llegar a otra de las señas de identidad del estilo Givenchy: la elegancia en el uso del color. Es aquí donde se puede observar de forma especial la influencia en sus diseños de los grandes pintores de la historia y cómo ha sido capaz de trasladar y transformar lo expresado en determinados lienzos, como las dos obras de Sonia y Robert Dealunay presentes en este espacio, haciéndolos suyos y dando lugar a algunas de sus creaciones más destacadas. Estas conexiones continúan en la sala siguiente, donde se establece un diálogo directo entre cuadros de Miró, Rothko, Ernst, Fontana o van Doesburg con algunos de sus vestidos más espectaculares.

Trajes de novia y vestidos de noche

Dos de los más importantes conjuntos de creaciones por los que alcanzó mayor fama internacional, los trajes de novia y los vestidos de noche, son los protagonistas absolutos del siguiente espacio. Los primeros han sido y siguen siendo una seña de identidad de la Maison Givenchy y han marcado durante años el estilo de este tipo de creaciones. Una selección de estos extraordinarios vestidos de novia, realizados en diferentes épocas y presentados con un atractivo montaje escenográfico, permitirá apreciar de nuevo el carácter innovador y rupturista de Givenchy en perfecta sintonía siempre con la belleza intemporal de la elegancia clásica.

Y frente al blanco inmaculado de los trajes de novia, otra de las cimas de su talento: las creaciones para la noche, donde el negro, su color fetiche, destaca por encima del resto de tonos. Fue Givenchy quien consiguió por primera vez una maestría inigualable en el trabajo impecable del color negro con la culminación y popularización del famoso ‘little black dress’, una pieza de indumentaria que se convirtió desde entonces en indispensable en cualquier armario. En estos vestidos de aparente sencillez es donde mejor se aprecia la pureza de líneas y volúmenes que el maestro Givenchy sabía dotar a sus creaciones bajo la permanente influencia de Balenciaga.



Ante la atenta mirada de las grandes top models de los años ochenta fotografiadas por Joe Gaffney, el recorrido termina con unos trajes llenos del glamour de aquella época, uno de los últimos grandes momentos de la historia reciente de la moda.

Hubert de Givenchy

Hubert de Givenchy, 1960
Fotografía © Robert Doisneau
El conde Hubert James Marcel Taffin de Givenchy nació en 1927 en el seno de una familia aristocrática y protestante en la localidad francesa de Beauvais. Criado y educado por su madre y su abuela materna tras el fallecimiento de su padre, fue de ellas de quienes heredó su pasión por los tejidos. Tras confirmar su vocación durante los desfiles de alta costura de la Exposición Mundial de 1937, comienza sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Paris en 1944. Poco después, amplía sus conocimientos de la mano de diseñadores como Jacques Fath, Robert Piguet, Lucien Lelong o la vanguardista Elsa Schiaparelli. En 1952 funda en París su propia casa de costura, la Maison Givenchy, con el lanzamiento de una sorprendente y revolucionaria colección que obtuvo inmediatamente un gran éxito por su innovación frente a otros diseños más conservadores del momento.


Poco tiempo después conoció a Cristóbal Balenciaga, su gran amigo y maestro, del que se siempre se ha declarado un absoluto admirador y al que reconoce como fuente de inspiración. Ese cariño tan especial por Balenciaga es una de las conexiones de Givenchy con España, que se ha manifestado en numerosas ocasiones, como en su decidido apoyo a la creación del Museo Cristóbal Balenciaga, de quien es además Presidente Fundador de su Fundación. Por esta encomiable labor y por otros méritos, como sus donaciones al Museo del Traje de Madrid, el gobierno español galardonó a Hubert de Givenchy con la Orden de las Artes y las Letras en el año 2011. Tras décadas de éxito y reconocimiento, Givenchy vendió su firma en 1988 al grupo empresarial Louis Vuitton Moët Hennessey (LVMH) y se retiró definitivamente siete años después.

domingo, 19 de octubre de 2014

Helena Revuelta @GaleriaOrfila

Galería de Arte Orfila
Calle Orfila 3
Del 20 de octubre al 12 de noviembre de 2014
Más información en www.galeriaorfila.comhelenarevuelta.com

La noche - 120 x 50 cm. - Acrílico sobre lienzo
Helena Revuelta

Con ocasión de la primera exposición individual de Helena Revueta, se presenta el libro Lo que ayer era verdad hoy es desilusión, título que hace referencia a las metáforas de la caducidad y las proyeciones de una realidad sobresaltada por el dolor, el oprobio, el desconsuelo y la indifensión, con que su autor, Antonio Leyva, califica la obra de esta joven pintora.

El rompimiento de la convencionalidad representativa mediante abreviadas estilizaciones de la figura humana a la que dota de una remota verosimilitud anatómica y la integración de ésta en paisajes broncos y desapacibles de acusada subjetividad, califican su intervención.

Con soluciones derivadas de la vehemencia expresionista, bien que atemperada la furia expresiva mediante alucinadas cadencias cromáticas, Helena Revuelta se ha hecho dueña de un lenguaje personal, por completo ajeno al de los purismos estéticos que generacionalmente deberían corresponderle.

Un cierto automatismo, aparentemente no contaminado por adherencia cultural alguna, y el despojamiento de todo elemento accesorio, arbitrario o funcional, hacen que el que pareciera lenguaje abocado a la abstracción haya desembocado en una surrealidad, impulsiva y desazonadora, mística y delirante, sustentada más en la poética de tan fundamental movimiento que en sus recurrencias icónicas.

sábado, 18 de octubre de 2014

#GrilloDemo @La_FreshGallery "Full bloom", de Grillo Demo

La Fresh Gallery
Calle Conde de Aranda 5
Hasta el 14 de noviembre de 2014
Más información en www.lafreshgallery.com



Grillo Demo nació en Rafaela, Argentina. Actualmente vive y trabaja en Ibiza.

Diestro en la acuarela, el collage y la pintura sobre objetos, el artista confirmó durante su adolescencia lo que había aprendido siendo muy pequeño, que la pintura no debía limitarse a las tradicionales telas sino que también podía invadirlo todo.

Encantador y atemporal – con estas palabras se describe a Grillo Demo. La codiciada obra del artista parece florecer desde un romántico y colorido jardín.

Phillips de Pury le dedicó una importante retrospectiva en Estados Unidos. Ha formado parte de numerosas ferias y exposiciones, como por ejemplo, la comisariada por Mario Testino en la Andrea Rosen Gallery.

Sus múltiples, obsesivos y blancos jazmines han sido pintados desde entonces sobre retratos de sus referentes artísticos, imágenes católicas, icónicas modelos, estrellas de Hollywood, aristócratas y princesas.

Desde entonces ha celebrado exposiciones individuales en destacadas galerías de Londres, Roma, Ibiza, Buenos Aires, Nueva York, Hong Kong, Punta del Este (Uruguay) y, ahora podremos disfrutar en Madrid, en La Fresh Gallery, de su más reciente exposición individual, “Full Bloom”, donde expone algunas de sus obras más representativas, como "Bambino", "Elle Macpherson", "Andy Warhol", "Dalí" o "Barbara Hutton". Una explosión de creatividad, color y aromas que convertirá al otoño en primavera.

LA FRESH GALLERY

jueves, 16 de octubre de 2014

#‎fotoCAM‬ Se convoca la VIII Edición del Premio de Fotografía fotoCAM.

Hasta el 28 de febrero de 2015.
Bases de la convocatoria de la VIII Edición del Premio de fotografía fotoCAM. Descargar pdf



La Comunidad ha abierto la convocatoria para el Premio de Fotografía fotoCAM, que celebra ya su VIII edición, cuyo objetivo es premiar los trabajos fotográficos que mejor reflejen la realidad política, social y cultural de la región, así como de sus ciudadanos y municipios. Al igual que el año anterior, se han establecido dos modalidades de premio, individual y mejor serie. Las imágenes se pueden presentar hasta el 28 de febrero de 2015.

Según las bases publicadas, se establecen dos categorías, premio individual, dotado con 12.000 euros, y premio a la mejor serie sobre el Parque Nacional de Guadarrama, con 8.000 euros. Ambas modalidades se financiarán por los patrocinadores de carácter privado del presente concurso.

Los candidatos al premio individual pueden presentar hasta tres fotografías, en blanco y negro o color, que deberán ser originales, realizadas por el propio concursante y que no se hayan presentado a ningún otro concurso. Las imágenes no podrán llevar marco de ningún tipo, ni pie de foto o título insertado en la propia fotografía. Además, se deberán haber realizado entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2014.

Para la modalidad del premio a la serie sobre el Parque Nacional de Guadarrama, los concursantes podrán presentar una serie de fotografías (seis imágenes como mínimo y diez como máximo), en color o blanco y negro y, como en la anterior categoría, deberán ser originales, tomadas por el propio concursante y no haberlas presentado a ningún otro concurso. Tampoco podrán llevar marco, ni pie de foto o título, y haberse realizado en el mismo periodo, comprendido entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2014.

Al igual que en anteriores convocatorias, está prevista la exposición de las obras fotográficas presentadas a fin de facilitar y divulgar el conocimiento que se tiene de los diversos aspectos que conforman la realidad de la Comunidad de Madrid.

Festiva EÑE 2014

Círculo de Bellas Artes e Instituto Cervantes
21 y 22 de noviembre de 2014
Abonos ya a la venta al precio de 15 €
Más información www.revistaeñe.com | www.circulobellasartes.com | www.cervantes.es




El Festival Eñe es la gran fiesta de las letras en español: un punto de encuentro de escritores, editores, lectores y todas aquellas personas a las que les apasiona la literatura. Organizado por La Fábrica, Círculo de Bellas Artes e Instituto Cervantes, el Festival Eñe llega a su sexta edición convertido en el gran encuentro literario del otoño en Madrid.

Jorge Edwards será el encargado de dar el pistoletazo de salida al Festival con una conversación en el Instituto Cervantes el viernes 21 de noviembre. La fiesta literaria continuará en el Círculo de Bellas Artes el mismo viernes 21 y el sábado 22 de noviembre a lo largo de todo el día.

Un nutrido grupo de escritores españoles y de América Latina conforma el programa de este año. Entre los narradores, nombres de la talla de Almudena Grandes, Luis Landero, Jesús Carrasco, Manuel Rivas, Jorge Carrión, Andrés Ibáñez, Manuel Jabois, Gustavo Martín Garzo o Aixa de la Cruz. Entre los autores de América, Rodrigo Fresán, Fernando Iwasaki, Selva Almada, Efraim Medina Reyes o Ronaldo Menéndez, entre otros.

La poesía cobrará gran protagonismo en esta edición con la presencia de autores de todas las edades y métricas: de Pablo García Baena, que a sus 93 años es uno de los nombres fundamentales de la poesía española, a los nuevos autores como Luna Miguel, Martha Asunción Alonso, Elvira Sastre, Marcus Versus, Vanesa Pérez-Sauquillo, Gabriela Wiener, Estel Solé o Ángela Segovia. La poeta y cineasta Sofía Castañón presentará el documentalSe dice poeta, mientras el músico y compositor Marwan mostrará su producción poética.

Un programa de conferencias, debates, lecturas, charlas, talleres, conciertos, recitales de poesía y performances que se completan con talleres infantiles y juveniles, cuatro talleres para adultos impartidos por Eloy Tizón, Ángeles González-Sinde, Agustín Fernández Mallo y Miguelanxo Prado (Premio Nacional de Cómic 2013) y con la convocatoria de la actividad “Cuatro editores en busca de autor”, en la que dieciséis escritores tienen la oportunidad de presentar sus textos a editores profesionales, entre ellos Elvira Navarro (Caballo de Troya), David Villanueva (Demipage), Emilio Torné (Calambur) y Fabio de la Flor (Delirio).

Además, este año el Festival Eñe acoge a un festival invitado: se trata de Titirimundi, el veterano festival de títeres de Segovia, que lleva cerca de 20 años presentando las mejores propuestas de títeres y teatro de calle, y acercando este arte a los adultos, además de a los niños. Titirimundi estará presente en el Festival Eñe con diversas propuestas, como las que mostrarán las prestigiosas compañías Rodorín y La Chana.

El Festival Eñe, nacido en 2009, se ha desdoblado desde 2010 gracias a la AECID en dos citas anuales que unen las dos orillas del Atlántico: Festival Eñe Madrid y Festival Eñe América, Un intercambio entre América Latina y España que enriquecido ambas ediciones de forma notable. Tras Montevideo, Lima y Buenos Aires, Panamá será la siguiente parada del Festival Eñe América, que tendrá lugar los días 4, 5 y 6 de diciembre en el Centro Cultural de España en Panamá y que estará dedicado al cuento. A las dos citas se suma este año el Festival Eñe Burgos, que acogerá a lo largo del sábado 22 una serie de actividades literarias con autores del Festival Eñe Madrid. Entre ellos, Agustín Fernández Mallo, Gabriela Wiener, Jaime Rodríguez Z, Andrés Barba y Vanessa Pérez Sauquillo.

Avance: @ALCBDS_CArte "Dreamlands", de Concha Pérez

Centro de Arte Alcobendas
Calle Mariano Sebastián Izuel 9
Alcobendas - Madrid
Del 21 de octubre al 29 de noviembre de 2014
Más información en www.centrodeartealcobendas.org



La individualidad es apenas una ficción leve dentro de una especie social.
(Houellebecq, El mapa y el territorio)

Siempre mojado. Por el sudor producido por el miedo o por correr hasta el límite de las fuerzas para no ser atrapado, o por el agua salada en una barcaza que apenas es capaz de flotar, o por la escarcha de las mañanas a la intemperie, o por los orines del desprecio y la indignidad o por la sangre de las heridas abiertas. Siempre mojado, pero siempre buscando un cambio de estado, de líquido a sólido, persiguiendo un sueño que nunca ha dejado de ser un derecho: una vida mejor, una vida digna, una vida vivible.

Mientras tanto duermo en la calle. Y ese "mientras" dura ya 7 años, y ese "duermo" ya es plural: el 90 por ciento de toda la riqueza producida en el mundo después de la gran crisis que se inició en 2007, con el colapso del crédito y la amenaza de desaparición de bancos si no eran recapitalizados con el dinero de los que pagan impuestos, se la han apropiado el 1 por ciento de las personas más ricas de la Tierra.

Y así, las 85 personas más ricas del mundo poseen una riqueza que equivale a la que suman los 4.000 millones de personas más pobres del mundo. Mis sueños siempre se quedan a las puertas del supermercado esperando que mi cambio de estado de líquido a vapor sea un poco más lento que ayer, y alguien pueda verme, esquivando la fuga psicogénica: el modo en que la mente se engaña a sí misma para escapar del horror, propio o ajeno. La miseria hace que uno tenga mala conciencia por querer vivir bien. Dreamland es el mapa de un sueño, uno de tantos, pero el mapa de los fracasos tiene más manchas que trazos. (Ramón Mateos).

miércoles, 15 de octubre de 2014

'Bourio y Amor de Dios. Una vida dedicada a la danza".

Sala Comunidad de Madrid -El Águila
Calle Ramírez Prado 3
Del 15 de octubre al 8 de diciembre de 2014
Más información aquí


La exposición Bourio y Amor de Dios. Una vida dedicada a la danza, que hace un recorrido por la trayectoria profesional de este empresario, promotor, gerente y gestor de espectáculos y de su proyecto más personal y duradero: Los Estudios de Danza Amor de Dios, por donde han pasado todos los grandes bailaores españoles como Joaquín Cortés, Antonio Canales, Sara Varas, Belén Maya, Cristina Hoyos o Carmen Cortés, entre otros. La muestra cuenta con material documental custodiado en el Archivo Regional de la Comunidad de Madrid, fotografías, carteles, proyecciones audiovisuales, así como un traje diseñado por Pablo Picasso para la representación de El sombrero de tres picos y vestidos de destacadas bailaoras.

martes, 14 de octubre de 2014

#RosaMuñoz @GALERIACERO Estratos del tiempo. Rosa Muñoz.

Galería Cero
Calle Fuenterrabía 3
Del 16 de octubre al 4 de diciembre de 2014
Más información en www.galeriacero.comwww.rosamunoz.com



En los últimos dos años el trabajo fotográfico de Rosa Muñoz ha ido adentrándose progresivamente en el territorio espacial de las tres dimensiones a partir de una doble vía. Por una parte, realizando una serie de videoinstalaciones, que suponían una forma de ampliar sensorialmente las imágenes que conformaban su relato fotográfico. Por otro lado, expandiendo los límites bidimensionales de sus propias fotografías, convirtiéndolas en gran medida en objetos, en elementos dotados de una evidente y tangible fisicidad.

La nueva serie fotográfica en la que se encuentra ahora trabajando, Estratos del tiempo, ahonda en esta línea de investigación, al moverse a ambos lados de ese territorio fronterizo que habita entre el plano y el espacio, creando obras que podríamos quizás definir como una suerte de “esculto-fotografías”, mediante el recurso de utilizar resinas que potencian sus valores físicos y objetuales. La imagen fotográfica, así, se libera de la servidumbre de la planitud e inicia un singular viaje hacia el universo 3D.

Desde un punto de vista conceptual este trabajo se interesa por la simbología que subyace detrás de los objetos reciclados, ya sean plásticos, metales o incluso ropas usadas. Al elegir estos elementos como principales sujetos de sus composiciones investiga y reflexiona asimismo sobre un tema tan actual y pertinente hoy en día como es la sostenibilidad, la ecología y la reutilización y reciclaje de materiales y desechos, en un mundo de equilibrio natural tan frágil como el nuestro.

Por otro lado, indaga también en el potencial de la memoria que permanece en ellos, e intenta reflejar la huella que los hombres han dejado a través de su uso. ¿Cuántas experiencias, cuánta cuota de placer o de dolor, cuántas narraciones, momentos y hechos esconden sus formas arrugadas, aplastadas, estratificadas? Son fotografías, pues, que tratan de plasmar esas capas temporales que componen nuestras vidas, y se convierten en testigo de los diferentes relatos e historias que las animan. Estratos del tiempo.

Recientemente ha abierto una nueva vía de investigación y trabajo que, por otra parte, enlaza y se interrelaciona con estas estrategias que hemos mencionado. Ahondando ahora también en el depósito colectivo del tiempo pasado, empieza a interesarse y a reflexionar sobre determinados aspectos vinculados a la memoria histórica de ciertos países en los que se han ido perpetrando, a lo largo de los años, genocidios, conflictos, guerras y diversos actos de agresión del hombre contra el propio hombre.

Así, y operando unas originales y eficaces mecánicas de simbolización representadas por los diferentes colores de las banderas de estas naciones, Rosa Muñoz construye unas obras totalmente personales que responden a este manifiesto interés por la espacialización de la fotografía, mediante la composición de imágenes fotográficas en relieve a partir de esos colores que componen la representación de los países.

Pero no se queda ahí sólo, sino que efectúa una nueva vuelta de tuerca al emplear cabellos coloreados para la realización de esos emblemas patrióticos que suponen las banderas de las naciones. De esta forma, y efectuando un guiño cómplice al espectador, combina y hace dialogar símbolos tan poderosamente asociados al tiempo y a la vida, pero también a la muerte, como es el cabello humano -otra prueba más de la elevada temperatura de memoria que presenta siempre su trabajo- junto a la metáfora de la bandera, una potente y colorista metonimia de la historia colectiva del mundo, creando sugerentes tensiones y analogías. De nuevo, estratos del tiempo.

Francisco Carpio

lunes, 13 de octubre de 2014

#Postales @ComunidadMadrid La web de la Comunidad alberga una muestra virtual de imágenes postales del Madrid del XIX y XX.


El Ejecutivo madrileño pone a disposición de todos los ciudadanos, a través del Portal de Archivos de la Comunidad de Madrid en www.madrid.org/archivos, un conjunto de 1.100 tarjetas postales, la mayor parte en blanco y negro, fechadas desde finales del siglo XIX hasta los años 60 del siglo XX. Una colección histórica en la que se puede ver Madrid, sus calles, monumentos y edificios más emblemáticos, así como acontecimientos históricos como las celebraciones de la boda y coronación de Alfonso XIII.


Gran parte de estas postales pertenece a los establecimientos de fototipia de profesionales como Hauser y Menet, J. Laurent o J.Lacoste. La temática es variada aunque destaca un numeroso grupo de paisajes de El Retiro, donde se puede contemplar el nuevo embarcadero, la puertas de entrada al parque, la Casa del Pescador o el monumento a Alfonso XII poco después de su construcción.

También es de gran interés, por su cantidad y por ser un importante documento histórico, el grupo de postales dedicadas a las diferentes actividades sociales que tuvieron lugar entre 1902 y 1906 con motivo de la coronación y posterior boda del Rey Alfonso XIII. Entre ellas se pueden encontrar, además de algunas imágenes de la ceremonia y del atentado sufrido por Sus Majestades, otras postales que recogen los actos de celebración que tuvieron lugar en Madrid, como concursos aerostáticos y de carrozas en El Retiro o corridas de toros con la asistencia de la aristocracia española.

Además de estos temas, también se pueden ver calles, edificios y monumentos de Madrid, postales publicitarias, la Exposición de Industrias Madrileñas que tuvo lugar en 1907, la visita de los reyes de Italia o las postales denominadas ‘journal crevé’, cuya imagen era la portada de un periódico rasgada y dejando ver una vista de la ciudad o un personaje.

La moda de la postal
La invención de las postales se produce a finales del siglo XIX, difundiéndose rápidamente por toda Europa. En España, la primera postal ilustrada fue editada en Madrid, en 1892, con ocasión del IV centenario del descubrimiento de América, por Hauser y Menet. Precisamente estos fotógrafos, impresores y editores, radicados en Madrid, junto con José Lacoste, fueron los más destacados de la época, pues de sus talleres salieron más de 4.300 postales diferentes.



Las postales, que se pueden ver en www.madrid.org/archivos, son un documento y testimonio de las costumbres y sentimientos de una época, que se traducen en la forma de escribir y de relacionarse por escrito con familiares y amigos. La mayoría es correspondencia entre Francia y España, bien de turistas que pasaban por España o bien de personas que tenían familia fuera.

El Portal de Archivos de la Comunidad de Madrid
El Portal de Archivos es una nueva herramienta digital que el Gobierno regional pone al alcance de los ciudadanos con toda la información sobre los centros de archivo de la Comunidad de Madrid y los documentos custodiados en los mismos, así como sobre el sector archivístico y el patrimonio documental de la región.

Esta nueva herramienta ofrece importantes servicios y ventajas a sus usuarios, ya que podrán solicitar información o préstamo de documentos, reproducciones de los mismos o realizar búsquedas con un solo clic y desde su ordenador. Incorpora, además, un buscador de documentos, que permite localizar, mediante una sencilla búsqueda, documentos de libre acceso y a disposición de todos los usuarios, visualizar su imagen y descargarla. Gracias a este buscador cualquier usuario podrá acceder desde su casa a una variada información y curiosear la historia de Madrid.


La web facilita otros servicios, como la solicitud visitas guiadas al Archivo Regional y al Archivo Histórico de Protocolos de Madrid, así como la realización de talleres pedagógicos para niños, que se desarrollan con los colegios e institutos de la Comunidad y que permiten que los más jóvenes se acerquen a los archivos y conozcan qué son, para qué sirven y el importante patrimonio documental que custodian.

Avance: @ALCBDS_CArte Ellen Kooi "Undertones".

Centro de Arte Alcobendas
Calle Mariano Sebastián Izuel 9
Alcobendas - Madrid
Del 16 de octubre de 2014 al 10 de enero de 2015.
Más información en www.ellenkooi.nlwww.centrodeartealcobendas.org

Halfweg - bosrand, 2013
Fotografía © Ellen Kooi

Ellen Kooi (Leeuwarden, Holanda, 1962) es una de las fotógrafas holandesas contemporáneas más reconocidas, y su obra ha sido expuesta en numerosos museos e instituciones de Europa y Estados Unidos.

Ellen Kooi desgrana un proteico pulso entre el hombre y la naturaleza, entre cada persona y su entorno, una compleja y conflictiva relación que hoy en día nos replanteamos más que nunca, y que está por reinventar. Por otra parte, sus imágenes reflejan una paz y cierta frialdad nórdica solo aparentes, ya que bajo ese manto de quietud se esconden una serie de intensas sensaciones, desde la inquietud, el aislamiento, la sorpresa o el temor. Sus "paisajes con figuras" nos traen ecos al presente de los grandes maestros flamencos del pasado como Vermeer, Brueghel, Patinir o El Bosco.

Mahon- strand 2013
Fotografía © Ellen Kooi

El trabajo de Ellen Kooi es más que una expresión individual -como artista- una expresión colectiva, un espíritu nacional con el que no, por no pertenecer a los Países Bajos, dejamos de vernos reflejados.

Su obra se encuentra repartida por colecciones privadas y públicas de todo el mundo, como MUSAC, BESart, MoPA San Diego, o Frans Hals Museum.

domingo, 12 de octubre de 2014

#AméricaNosUne. @casamerica América nos une. Festival Ritmos de América. En recuerdo de Gabriel García Márquez.

Os dejo alguna foto de ayer sábado. Hoy continúa la segunda parte del festival.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ( MNCARS ).
Auditorio 400
Domingo 12 de octubre a las 17:00 horas
Acceso gratuito hasta completar aforo

Domingo 12 de octubre
17:00h Presentación
17:15h Colombia / Asociación cultural Nativos de Macondo
17.40h Uruguay / Centro uruguayo de Madrid /Tatiana Canchelo y Fabián Larrosa, pareja de baile de la Compañía uruguaya de Madrid
18:05h Chile / Asociación cultural Cal y Canto 18:30h Paraguay / Asociación guaraní de cooperación Paraguay-España
18:55h Bolivia / Comunidad Sariri / Asociación cultural Diablada Bolivia
19:20h Colombia / Asociación folclórica y cultural Somos Chib



 




viernes, 10 de octubre de 2014

#FundaciónARCO #CA2M @FeriaARCOmadrid @ComunidadMadrid Inauguración “Colección IX. Colección Fundación ARCO”

Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M).
Av. de la Constitución 23
Móstoles - Madrid
Hasta el 1 de febrero de 2015.
Acceso gratuito
Más información en www.ca2m.org - www.madrid.org/agenda-cultural

Francis Alÿs.
Ensamblaje de óleos y láminas, 1997.
Colección Fundación ARCO.
El presidente de la Comunidad de Madrid, Ignacio González, y el presidente ejecutivo de Ifema, Luis Eduardo Cortés, inauguraron hoy la exposición Colección IX. Colección Fundación Arco, en el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid. La muestra, que reúne una buena parte de las piezas de la colección, permitirá a sus visitantes conocer los cambios más destacados en el arte de los últimos cincuenta años, tal y como destacó González.

Ignacio González
Presidente de la CAM
El presidente recordó que, desde el pasado mes de junio, el Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad se ha convertido en la nueva sede de la colección, que ha residido más de 20 años en Galicia. Está conformada por las obras que la fundación Arco y la Institución Ferial de Madrid han ido adquiriendo desde 1987 y a lo largo de las distintas ediciones de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCOmadrid.

Las obras de esta Colección se suman a la magnífica colección de Arte Contemporáneo de la Comunidad de Madrid que se concentra en este museo, y que reúne ya más de 1.500 obras. “Con ellas, afirmó González, este Centro de Arte 2 de Mayo se consolida como una referencia internacional del arte contemporáneo y convierte a esta primera selección de obras de la Fundación Arco en un acontecimiento cultural de primer orden, que proyectará el nombre de Madrid en los principales circuitos internacionales del arte, y que contribuirá a aumentar los más de 4,2 millones de visitantes que el año pasado llegaron a la Comunidad de Madrid atraídos por su oferta artística y cultural”.

González destacó el hecho de que la región, y concretamente el CA2M, albergue uno de los fondos de arte moderno más importantes del país, lo que contribuirá a enriquecer el patrimonio cultural de Madrid. Es, en palabras de González, una apuesta decidida del Gobierno regional por la capitalidad madrileña del arte contemporáneo, y a la que se suman otras iniciativas como la programación expositiva de las salas y museos regionales, la colaboración en distintas ferias y festivales o el apoyo a la creación de jóvenes artistas y comisarios.

Autoridades asistentes a la inauguración.

Estos y otros muchos programas culturales del Gobierno regional han situado a la Comunidad como la más dinámica e innovadora del país, según recoge el último Barómetro de la Cultura en España.

El recorrido por la exposición

Comisariada por la profesora y crítica de arte Estrella de Diego y el director del centro, Ferran Barenblit, la muestra toma el título ‘colección’ de la serie de exposiciones a través de las cuales el CA2M viene mostrando, desde su apertura en 2008, todos sus fondos (que conforman la Colección de Arte Contemporáneo de la Comunidad de Madrid).

Christina Boltanski
Reliquaire, 1960 (detalle de obra).
Colección ARCO

La exposición se ha articulado cronológicamente en un recorrido que se inicia en el minimalismo y el land art y que transita por el arte conceptual, el arte póvera, la abstracción geométrica latinoamericana, la irrupción de la fotografía y el resurgimiento de la pintura.

De los años 60 y 70 se exhibirán destacadas obras del minimalismo (Dan Flavin, Carl André); la abstracción geométrica (Jesús Soto, Elena Asins); el land art (Richard Long); el arte póvera (Mario Merz, Giuseppe Penone); y de otros artistas aparecidos en el entorno del conceptual (Esther Ferrer, Richard Tuttle).

Pilar Albarracín
Serie 300, mentira nº 5, 2009.
Colección IFEMA / Fundación ARCO

En las décadas de 1980 y 1990, cuando las tendencias dejan de estar tan claramente perfiladas, la muestra se va organizando a través de otros parámetros más propios del momento y que incluyen la atención a la diversidad cultural, el postcapitalismo, la memoria y el archivo. La década de 1980 es también el momento en el cual se establece la llamada Posmodernidad, que implica una ruptura con los moldes y las jerarquías.

Helena Almeida
A casa, 1981.
Colección ARCO.

Y, a partir de 1990 la exposición invitará a acercarse a la ampliación de horizontes que vivió el arte entonces, permitiendo la circulación del trabajo de artistas latinoamericanos, norteamericanos y europeos.

El cazador, 1988. Juan Muñoz
Colección Fundación ARCO.

A medida que se entra en el siglo XXI, la transformación hacia una sociedad postcapitalista ha hecho visibles algunas fisuras que hablan de un cambio de paradigma también en el mundo del arte. Se gira la atención hacia áreas geográficas que estaban relegadas a un segundo plano, como América Latina o África. Nueva York, centro de la vanguardia desde la década de 1950, se convierte en el mercado de arte frente a su anterior papel de centro de creación y producción.

Tres muestras más

A lo largo de los meses que dura la exposición se podrán ver, además, tres muestras de menor formato, en la sala denominada La Casona, como parte de Colección IX. Colección Fundación Arco. Dichas muestras incluirán obras de la colección de Arte Contemporáneo de la Comunidad de Madrid y se acercarán a tres cuestiones ampliamente tratadas a lo largo de la programación del propio CA2M desde su inauguración: el papel del arte como espacio para un pensamiento crítico; la interpretación de la realidad a partir de las nuevas subjetividades; y las reglas de una nueva geopolítica, resultado de un mundo que avanza cada vez más rápidamente.

Panorámica de una de las salas.

Al término de la exposición, que cerrará sus puertas el 1 de febrero, llegará una segunda selección de obras, a mediados de febrero de 2015, que irá acompañada de la publicación de la Colección Fundación ARCO al completo y coincidirá con la celebración, el próximo año, de la feria internacional ARCOmadrid.

La Colección Fundación Arco

La Fundación Arco inició en 1987, en un momento incipiente para el coleccionismo institucional en España, una colección compuesta por obras pertenecientes a la Fundación Arco y a la Institución Ferial de Madrid, que han sido adquiridas en las sucesivas ediciones de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCOmadrid, que organiza Ifema. El objetivo: contribuir al desarrollo y fomento del arte contemporáneo nacional e internacional y servir de ejemplo a otras instituciones en el apoyo e impuslo del coleccionismo.



A lo largo de los años, esta colección ha ido creciendo siguiendo tres criterios: ejemplaridad, complementariedad y oportunidad. Como valor añadido hay que mencionar que, al adquirir exclusivamente en la feria, las obras incorporadas son piezas de referencia en el mismo momento en que se introducen en el mercado.

Para la selección de estas obras, la Fundación Arco ha contado con la asesoría de profesionales del sector de todo el mundo, como Edy De Wilde, Jan Debbaut, José Guirao, Gloria Moure, Dan Cameron, María del Corral, Iwona Blazwick, Sabine Breitwieser, Chus Martínez, Gloria Moure, María Inés Rodríguez, Adriano Pedrosa, Ferran Barenblit y Miguel Von Hafe Pérez.

La colección dispone de una App gratuita en el Apple Store, ‘Colección Fundación Arco’, con la información completa de la misma, (https://itunes.apple.com/es/app/coleccion-fundacion-arco/id800903897?mt=8).