sábado, 31 de enero de 2015

Imágenes para el recuerdo. José Luis Berzal @ALCBDS_CArte

Centro Cultural Anabel Segura
Av. de Bruselas 19
Alcobendas - Madrid
Del 4 al 28 de febrero de 2015.
*Inauguración 4 de febrero a las 19:30 horas
Más información en www.alcobendas.org

José Luis Berzal
El taller de Juanma, 1972


Dicen que el recuerdo es parte racional de la memoria. Recordar nos ayuda a comprender lo que fuimos para entender mejor lo que somos y hacia dónde vamos.

Recuerdos de personas, usos, costumbres y lugares... Recuerdo de oficios y talleres ya desaparecidos. Recuerdo de calles y descampados próximos a una ciudad que crecía y convivía con escenas bucólicas de un ambiente todavía rural.  Recuerdo de edificios que se levantan en mitad de la nada y donde los vecinos seguían sentándose en la calle como lo hacían en la plaza de su pueblo. Recuerdo de solares en mitad de la urbe, donde los niños aún jugaban y corrían aventuras como si estuvieran en el campo...

José Luis Berzal
Calle de Marianela, Cuatro Caminos 1960

Pero las fotografías de José Luis Berzal también despiertan sentimientos. Sus imágenes tocan nuestra fibra emocional, nos trasladan a un paso que se nos fue, cuando aún podíamos hacer lo que vemos en sus fotografías, y recorrer los espacios que en ellas aparecen. Inevitablemente provocan una sensación de nostalgia y añoranza.

José Luis Berzal
El pastor de Alcobendas, 1975


Cada una de las fotografías de esta exposición es un homenaje a los lugares y personas que en ellas se muestran: en especial, al que fue el último pastor de Alcobendas.

Siguieron con su vida hacia adelante, cambiando, desapareciendo...

Amigos de la dehesa de la Villa.

viernes, 30 de enero de 2015

Presentación: Giacometti. El hombre que mira. @FundacionCanal

Fundación Canal Arte
Calle Mateo Inurria 2
Del 31 de enero al 3 de mayo de 2015.
Entrada gratuita
Más información sobre horario y actividades paralelas en www.fundacioncanal.com

Annette, 1962
Para el libro de Jacques Dupin "Alberto Giacometti", Ediciones Maeght, Paris, 1962
© Alberto Giacometti Estate / VEGAP, 2015


Todas las obras de esta exposición proceden los fondos de la Fundación Giacometti, y más de la mitad, restauradas con la colaboración de la Fundación Canal para esta muestra, se exponen en público por primera vez.

La Fundación Canal ha presentado hoy la exposición “GIACOMETTI. El hombre que mira”, un ambicioso proyecto coproducido por la Fundación Canal y la Fundación Giacometti. Tras la presentación, a cargo de Eva Tormo, Directora Gerente de la Fundación Canal, y Cristian Ruiz Orfila, Director de Exposiciones, se ha llevado a cabo un recorrido guiado con los medios de comunicación de la mano de las comisarias Catherine Grenier, directora de la Fundación Giacometti, y Mathilde Lecuyer.

Alberto  Giacometti
Cabeza de hombre (Lotar I), 1964-65
© Fundación Canal

La muestra incluye un centenar de obras entre una importante cantidad de dibujos y un selecto grupo de esculturas, todos ellos en torno a la figura humana, una constante en la obra del artista, y a la mirada, que para él es el alma y la esencia de la vida del ser humano.

La exposición se divide en seis secciones cuyo orden se ha establecido como guiño a su constante preocupación por la aproximación del artista a su modelo: “Cabeza”, “Mirada”, “Figuras de medio cuerpo”, “Mujer”, “Pareja” y “Figuras en la lejanía”.

Alberto  Giacometti
Desnudo de pie copiado del natural, 1954.
© Alberto Giacometti Estate / VEGAP, 2015


Las dos primeras salas, dedicadas a la “cabeza” y a la “mirada”, muestran cómo las cabezas y los cuerpos se convierten en esculturas frágiles cada vez más reducidas. Las caras de los modelos desaparecen bajo las líneas de un cráneo universal repetido de memoria. En sus dibujos la mirada es tratada de forma individual, pero también como un todo que represente al modelo, al que intenta captar en su totalidad.

Las otras cuatro secciones exploran su relación con el cuerpo humano: las figuras de medio cuerpo y las pequeñas figurillas ilustran su particular percepción de la distancia física entre el artista y su modelo, y de los conceptos de “mujer” y de “pareja”.

Alberto Giacometti.
Hombre que anda, figuras de pie sobre peana, bustos de hombre de frente y de perfil, 1959.
© Alberto Giacometti Estate / VEGAP, 2015


La exposición también muestra la influencian del clasicismo en su obra. Giacometti fue introducido desde su juventud a los temas “clásicos” de la figura humana, que él trataría a lo largo de su vida con una continuidad sorprendente para un artista del siglo XX. En todas las etapas de su vida, en las que pasó por las formas del naturalismo, surrealismo, para después concebir esa estética figurativa tan personal que lo hizo célebre entre el gran público, el artista articuló su investigación en torno a una noción primordial: la mirada, la visión.

El montaje de la exposición, llevado a cabo por Gabriel Corchero Studio, reivindica los atributos de las esculturas de Giacometti: la verticalidad, la monumentalidad y la ligereza. Los dos primeros, a través altas y estilizadas vitrinas que organizan el itinerario de la exposición, gigantescas ventanas que albergan las esculturas de Giacometti, en ocasiones diminutas pero con una monumentalidad intrínseca y asumida. Por último, el carácter etéreo de sus esculturas queda reforzado al posarse sobre peanas transparentes, que consiguen un efecto de flotabilidad en el espacio.

Actividades complementarias (Información en www.fundacioncanal.com).
- Visitas-taller para familias
- Visitas guiadas y visitas privadas
- Visitas-taller para colegios
- Fichas didácticas para el profesorado de Educación Primaria y Secundaria.

Avance: “El triunfo de la imagen“ @rabasf

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
Sala de Exposiciones Temporales
Calle Alcalá 13
*Entrada gratuita a esta exposición.
Del 20 de febrero al 12 de abril de 2015.
Más información en www.realacademiabellasartessanfernando.com

"El triunfo de la imagen".


La exposición “El triunfo de la imagen“ da a conocer el trabajo de conservación y restauración de bienes culturales (muebles e inmuebles) de naturaleza eclesiástica, realizado por la Comunidad de Madrid en colaboración con la Iglesia católica.

Entre las actuaciones desarrolladas desde la Comunidad de Madrid con objeto de facilitar, difundir y estimular el conocimiento y aprecio de los bienes culturales ubicados en la región, la Dirección General de Patrimonio Histórico organiza exposiciones que permiten mostrar al público la labor llevada a cabo para garantizar la conservación y disfrute de dichos bienes.

"El triunfo de la imagen".


El título El triunfo de la imagen hace referencia, por una parte, a la labor evangelizadora desempeñada por la imagen a lo largo de la historia del catolicismo y, por otra, a las intervenciones de restauración promovidas desde el Gobierno regional con objeto de recuperar el esplendor de estas piezas.

La exposición recoge una amplia selección del patrimonio eclesiástico y recorre un período concreto, que coincide con un momento de máxima actividad en el mecenazgo eclesiástico, el que discurre entre la Edad Media y finales del siglo XVIII. Consta de cincuenta y siete piezas, entre las que se cuentan lienzos, esculturas, textiles y orfebrería, seleccionadas en función de su valor histórico y artístico, así como la innovación e interés técnico de la metodología de restauración empleada en cada una de ellas. Cerca de la mitad de estas obras es la primera vez que se exponen en España y más de una decena son inéditas.

La muestra también acerca a algunos de los proyectos de restauración en bienes inmuebles más relevantes realizados en los últimos años, como los acometidos en la Capilla del Obispo o el convento de las Comendadoras de Santiago en Madrid, el monasterio de Santa María la Real de Valdeiglesias en Pelayos de la Presa y la iglesia parroquial de la Asunción de Nuestra Señora en Meco.

jueves, 29 de enero de 2015

#FiveYears @pablolecroisey #Alcorcón Five Years, de Pablo Lecroisey

Centro Municipal de las Artes
Sala Altamira
Av. de Pablo Iglesias s/n
Alcorcón - Madrid
Hasta el 28 de febrero de 2015.
Más información en www.pablolecroisey.com



Comisariado: Nuria García Arias

Five Years
La vida es una secuencia de ciclos encadenados donde el principio y el final se conocen, pero en donde el recorrido es toda una incógnita. Un abanico infinito de opciones y de posibles vidas que vivir. Unas sucesión de viviendas que van desde lo más terrenal y básico, a lo más superficial y sofisticado, sin olvidar lo más puro y espiritual.

En esta exposición se podrá ver una selección de obras producidas a lo largo de cinco años por el fotógrafo Pablo Lecroisey. Un artista emergente con amplia experiencia, capaz de ordenar escenografías y dotarlas de una potente interrelación entre si, dotando sus composiciones de una gran carga dinámica. Un narrador de historias verosímiles, con ciertos toques de irrealidad, que invitan al espectador a soñar.

Esta exposición propone, a través de más de veinte obras profundamente simbólicas, el recorrido vital de un joven a lo largo de cinco años, buscando la constante complicidad con el visitante. En la muestra se invita a imaginar cómo puede cambiar la vida de una persona en tan corto periodo de tiempo.

Nuria García Arias - Historiadora del Arte

#MapasDeAccion Mapas de acción, de Yolanda Domínguez. @e_serendipia @yodominguez

Galería Serendipia
Calle Infante 3
Del 30 de enero al 14 de marzo de 2015.
Más información en www.espacioserendipia.com - @yodominguez


Comisariado: Abel Azcona


Una galería de arte convertida en laboratorio • Una artista incómoda • Mapas para explorar y detonar • Espectadores críticos, activos y creativos • Terminar con la asepsia mental que nos rodea • Arte colectivo y en construcción • Procesos de creación en red, publicados, twiteados, comentados y versionados

“Mapas de Acción” es un laboratorio artístico donde Yolanda Domínguez nos invita a ser testigos de su proceso creativo. Diferentes acciones desarrolladas durante años por la artista son desgranadas paso a paso a la vista del visitante: desde las referencias que encienden la mecha hasta el impacto y alcance de las que han llegado a convertirse en pequeñas revoluciones sociales. Un recorrido a puertas abiertas por su mapa mental y estrategias de trabajo que nos proponen una nueva relación artista-sociedad, dibujando al espectador como pieza clave de activación y el espacio público como campo de batalla.


Yolanda Domínguez (Madrid, 1977) artista visual, estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y es Master en Arte y Nuevas Tecnologías por la Universidad Europea de Madrid y Master en Fotografía Concepto y Creación por la Escuela de Fotografía EFTI, Madrid.

Becada por el Ministerio de Cultura de España para la Promoción del Arte Español en el exterior (2010) ha presentado su trabajo en diferentes instituciones y festivales como Photoespaña 2012, JustMad Arte Contemporáneo, L'Alliance Française, Mulier Mulieris Museo de la Universidad de Alicante, Live Art Festival Exist en Australia, International Art Gender Festival, Contemporary Culture Festival NOVA in Sao Paulo, Rio de Janeiro y Barcelona y ha realizado exposiciones en la Galería Rafael Pérez Hernando y Pilar Cubillo en Madrid, Streitfeld Projektraum en Munich, Rojo Artspace en Milán y Elga Wimmer Gallery en Nueva York.

Su labor artística trasciende al ámbito social y educacional, colaborando con distintas instituciones y organismos oficiales en programas de igualdad y género a través de talleres y conferencias y actualmente es profesora y tutora del Master Concepto y Creación de la Escuela de Fotografía EFTI de Madrid donde imparte el taller "Arte como herramienta de transformación social" y profesora en el Master Experiencial en dirección de marketing para las industrias creativas en Madrid School of Marketing.

También colabora con empresas realizando acciones específicas, recientemente en 2012 colaboró con Greenpeace en su campaña "Detox" y con Médicos del Mundo en su campaña "Nadie Desechado".

miércoles, 28 de enero de 2015

#MatadorQ Matador Q se rinde a la fotografía.

LA REVISTA MATADOR SE RINDE A LA FOTOGRAFÍA Y PRESENTA UN NÚMERO EXCEPCIONAL EDITADO POR ROBERT PLEDGE, FUNDADOR DE CONTACT PRESS.

En 2015, a casi 20 años de su nacimiento, Matador reflexiona sobre sus señas de identidad: el arte y, especialmente, la fotografía. Junto a su nombre, su espectacular diseño, sus tipografías o su cuidada impresión, la imagen es una de las claves de la filosofía de Matador, que permite al lector disfrutar de fotografías a varias tintas y tamaño XL, a 60x40 cm en las dobles páginas, en un despliegue de color y fuerza que constituye una experiencia inolvidable para la retina. Consciente de la importancia de la fotografía en la filosofía de la revista, Matador ha querido rendirle homenaje y pone en manos del lector su volumen Q, un ejemplar espectacular donde la fotografía es absoluta protagonista.

Para crear un número rendido a la fotografía, Matador no podía más que contar con uno de los grandes fotoeditores de la historia. La edición de Matador Q es obra de Robert Pledge(Londres, 1942), editor, comisario y fundador de la mítica agencia Contact Press Images. Con la premisa de que la fotografía fuese la protagonista de este número, sin demasiadas palabras, Pledge ha decidido centrarse en la fotografía documental debido a que, mientras otras esferas de la fotografía atraen muchísima atención, los expertos llevan tiempo proclamando la desaparición del documental y del periodismo. Lejos de presentar un estudio de la fotografía documental alrededor del mundo, el editor ha querido reunir una representación formada por fotógrafos de ambos sexos, de diferentes orígenes y generaciones, de todos los estilos y tendencias. Una selección de fotografía documental tanto artística como fotoperiodística en la que todos los continentes están representados y en la que las voces nuevas se unen a las más esperadas, procedentes de las grandes tradiciones e importantes escuelas de fotoperiodismo, fotografía de revista y documental, así como del fotoensayo.

Cultivos de secano no 21, comarca de los Monegros, Aragón; España, 2010.
Dryland farming #24, Monegros County, Aragon; Spain, 2010.
© Edward Burtynsky.
Cortesía Nicholas Metivier Gallery, Toronto / Howard Greenberg Gallery & Bryce Wolkowitz Gallery, New York.


Matador Q presenta los paisajes de Sebastião Salgado (Brasil, 1944), con su silenciosa denuncia del expolio de los paraísos naturales de la tierra; imágenes de Lu Guang (China, 1961) que documentan los contrastes del paisaje en la China moderna, con sus luces y sus sombras. Las fotografías aéreas de Edward Burtynsky (Canadá, 1955), quien en los últimos años ha retratado zonas terrestres rodeadas de agua, conviven con las fotografías sobre el desmantelamiento de la cultura tradicional en Papúa Nueva Guinea de Stephen Dupont (Australia, 1967) y las oníricas imágenes del Congo de Sammy Baloji (República Democrática del Congo, 1978), que mezclan blanco y negro con color en un trabajo que perdura poderosamente en la memoria.

Un cazador Yali, Papúa Occidental; Indonesia, 2010.
A Yali hunter, West Papua; Indonesia, 2010.
© Sebastião Salgado.
Cortesía de Amazonas Images & Contact Press Images.

Catherine Leroy (Francia, 1945 – Estados Unidos, 2006) contaba solo 22 años cuando realizó una secuencia de imágenes ya icónica de la Guerra de Vietnam, mientras que la fotógrafa coreana Yun Suyeon (Corea del Sur, 1972) retrata la vuelta a casa de los soldados norteamericanos tras la guerra de Irak. Annie Leibovitz (Estados Unidos, 1949) muestra su lado más íntimo en una colección de imágenes que retratan una serie de mujeres “famosas”, entre ellas Emily Dickinson, Eleanor Roosevelt o Georgia O’Keeffe, a través de las estancias que ocuparon en vida, mientras que Sim Chi Yin documenta en Underground Beijing viviendas minúsculas, casi subterráneas, construidas en los cimientos de las casas de Pekín.

Mundo de carbón. Ovejas artificiales de tamaño real; interior de Mongolia, abril de 2012.
Coal World. Fake life-size sheep; Inner Mongolia, April 2012.
© Lu Guang.
Cortesía Contact Press Images.

La vuelta al mundo continúa en Japón con Kosuke Okahara (Japón, 1980) y su trabajo Ibasyo, una impactante serie sobre los jóvenes japoneses que se autolesionan como manera de huir de su realidad, y llega a la India de la mano de la fotógrafa Talisma Akhter(India, 1974), que retrata la vida de las trabajadoras de las fábricas de ropa en Bangladesh, con el drama de fondo del derrumbe de una de ellas en 2013. De vuelta a Occidente, David Burnett (Estados Unidos, 1946) cierra Matador Q con una original perspectiva sobre el mundo de las olimpiadas, estética y ordenada, en un perfecto blanco y negro.

Bolsa de basura, Harrisburg, Pensilvania.
Rubbish bag, Harrisburg, PA.
© Yun Suyeon

«El trabajo de estos doce fotógrafos, con sus preocupaciones específicas y su visión personal, así como la cuidada edición y secuenciación de imágenes y portfolios en una presentación estructurada, deberían ofrecer al lector de Matador un valioso acercamiento a las intenciones y filosofías de estos autores y artistas, además de reafirmar la percepción de que la fotografía de naturaleza documental continúa siendo indispensable como herramienta para comprender nuestro mundo compartido, su diversidad y complejidad, sus asuntos sobrecogedores, sus defectos, incertidumbres y peligros.» Robert Pledge

© Raymond Depardon / Magnum Photos.


Matador Q se completa con sus habituales secciones fijas. Los “Matadores” de este número son el fotógrafo Raymond Depardon, la comisaria y gestora Marta Gili y el editor y fotógrafo James A. Fox. Sus semblanzas están firmadas por el escritor y editor Jean-Claude Guillebaud, el especialista en arte Marc Lenot y el agente fotográfico, editor y comisario Neil Burgess, respectivamente. La joven escritora Jenn Díaz escribe el relato inédito Las cosas de la vida que no se entienden para la sección “Abecedario”.

Primavera del 84.
© Marta Gili.



Cuaderno de artista: Joan Fontcuberta, 
Gastropoda El Cuaderno de Artista correspondiente al Volumen Q de Matador es un trabajo inédito de Joan Fontcuberta compuesto por 14 fotografías que muestran invitaciones de museos y galerías de arte recopiladas por el autor y transformadas en vestigios más o menos reconocibles por la acción voraz de unos caracoles silvestres que se convierten en coautores de la obra. Por primera vez el Cuaderno de Artista de Matador se hará exposición y, a partir del 28 de enero, la serie Gastropoda podrá visitarse en La Fábrica (C/ Alameda 9. Madrid).

Bodega Matador: Dominio do Bibei y Joan Fontcuberta
El volumen Q de Matador se acompaña del vino Joan Fontcuberta, procedente de la bodega Dominio do Bibei, situada en el valle ourensano del mismo nombre. Ubicados en terrazas que datan de la época romana, hace casi dos mil años, los viñedos han sido recuperados del abandono sufrido por la filoxera, la Guerra Civil y la emigración gallega. Tras doce años de duro trabajo, con la experiencia del pasado, las ganas del presente y la ilusión del futuro, nace un coupage que pretende transmitir el sentir, la identidad y la singularidad de la Ribeira Sacra.

Más información en www.revistamatador.com - www.lafabrica.com

'C.I.T.I. Centro de Investigación Técnicamente Imprevisible'. Primera Fase.

Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid
Av. de América 13
Del 29 de enero al 22 de marzo de 2015.
Más información en www.madrid.org/agenda-cultural



Comisariado: Manuela Pedrón Nicolau y Jaime González Cela.

Manuela Pedrón Nicolau y Jaime González Cela, son los comisarios ganadores de la VI edición de Se busca comisario, iniciativa que viene desarrollando la Comunidad de Madrid y que tiene como finalidad el desarrollo de un programa de comisariado a lo largo de seis meses en la Sala de Arte Joven.

Andrea Canepa. Todas las calles del año, 2009-2014


C.I.T.I. es un proyecto curatorial, formado por exposiciones, acciones y actividades, que gira en torno a la investigación artística sobre la ciudad, desde un punto de vista social, histórico, político y cultural. Las obras que componen este proyecto, experimentan con la idea de trabajo de campo, análisis de datos y presentación de resultados para crear variadas formas de conocimiento acerca del espacio urbano. Estos trabajos están ligados a características fundamentales de la cultura contemporánea, como la digitalización del conocimiento, el acceso a la información a través de Internet o el desarrollo de prácticas transversales a varias disciplinas.

El banquete. Obra Pública, 1898-2015

El proyecto se estructura en tres fases de exposición que muestran a través de diversos formatos los procesos de un amplio conjunto de investigaciones. Las exposiciones presentarán los resultados y las estrategias de estas investigaciones focalizadas en distintas ciudades y contextos geográficos. Además de las exposiciones, se organizaran actividades y un programa de medición centrado en el estudio y desarrollo del papel que juega la Sala de Arte Joven en la zona en la que se ubica, a través de visitas guiadas, encuentros y colaboración con espacios y colectivos del entorno.

Françoise Vanneraud. Territorios de la mente, 2012


Para esta primera exposición, los comisarios han contado con los dibujos de Andrea Canepa y de Jorge Satorre, los collages de Françoise Vanneraud, las instalaciones de Javier Cruz y El Banquete, y la proyección del colectivo Los hijos. Todos ellos investigan sobre la historia, el pasado y la memoria de varias ciudades del mundo. Un pasado que definen de forma diferente desde diversas técnicas.

Además de las obras de los artistas que forman parte de la exposición, la artista Conxita Herrero, colaborará durante todo el proyecto con una intervención en la cristalera de la Sala de Arte Joven y la edición de varios fanzines.

Avance: @museothyssen Autorretrato. El artista y su imagen. "Miradas cruzadas 10".

Museo Thyssen-Bornemisza
Planta 1ª
Pº del Prado 8
Del 2 de marzo al 7 de junio de 2015
*El acceso a esta exposición es gratuito
Más información en www.museothyssen.org

Harmensz. van Rijn Rembrandt
Autorretrato con gorra y dos cadenas c. 1642-1643
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

El Museo dedica esta nueva entrega de la serie a un tema que ha interesado a los artistas de todos los tiempos, el autorretrato. Ya fuera para dejar constancia de estados de ánimo o del paso del tiempo, de reafirmar su papel en la sociedad o dejar una huella para la posteridad, han sido muchos los pintores que se han retratado a sí mismos a lo largo de la historia. Una selección de nueve autorretratos de las colecciones del Museo -de Rembrandt a Steen, Freud, Beckmann o Schiele, entre otros- permiten en este montaje recorrer con pocos ejemplos la evolución de este subgénero del retrato desde el Renacimiento hasta el siglo XX. 


Max Beckmann
Autorretrato con mano levantada, 1908
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Subyace siempre en este tipo de obras un componente psicológico, a veces incluso algo narcisista, motivado por el deseo de conocerse a sí mismo y de mostrarse en sus múltiples matices; una acción reflexiva en la que artista y modelo se identifican y en la que el espejo juega un papel importante, como instrumento necesario para elaborar el cuadro y en simbiosis también con la propia obra de arte, con la idea del rostro como espejo del alma.

lunes, 26 de enero de 2015

#Avance @mapfreFcultura El canto del cisne. Pinturas académicas del Salón de París.

Fundación Mapfre
Pº de Recoletos 23
Del 14 de febrero al 3 de mayo de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.fundacionmapfre.org

Alexandre Cabanel (1823-1889) .
El nacimiento de Venus 1863
Óleo sobre lienzo Alt. 130; Anch. 225 cm.
© RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

El canto del cisne. Pinturas académicas del Salón de París. Colecciones Museé d’Orsay.
84 obras de Cabanel, Bouguereau, Moreau, Ingres o Sargent: los nombres de los artistas académicos franceses del siglo XIX han pasado de tener connotaciones peyorativas a adquirir un valor propio entre el público. Esta exposición toma como punto de partida las colecciones del Musée d'Orsay de París y plantea una revisión crítica de su conjunto que ayuda a entender el papel del academicismo en la configuración de la Modernidad.

Jean‐Léon Gérôme  
La pelea de gallos llamado también Jóvenes griegos poniendo unos gallos a la pelea, 1846 (Le combat de coqs dit aussi Jeunes Grecs faisant battre des coqs)
Óleo sobre lienzo 143 x 204 cm
Musée d'Orsay, París


En la Fundación Mapfre desde el 14 de febrero hasta el 17 de mayo.

Avance: @ComunidadMadrid El Museo Picasso de Buitrago acogerá obras del artista conservadas en otras pinacotecas.

Museo Picasso - Colección Eugenio Arias
Plaza de Picasso 1
Buitrago de Lozoya - Madrid
Más información en www.madrid.org/museopicasso

Paisaje de Vallauris (Paysage de Vallauris).
Pablo Ruiz Picasso (París, 14 de enero de 1953).
Procedencia: Col. Jan Lohn, Colonia, 2004. Antigua Col. Fernand Mourlot, París
Fundación Picasso. Museo Casa Natal, Ayuntamiento de Málaga


Con la iniciativa ‘La pieza invitada’, la Comunidad de Madrid celebra el 30º aniversario de la creación del centro.

· En 2015 se podrán ver dos piezas del Museo Picasso de Barcelona y dos de la Casa Natal de Málaga.

El Museo Picasso - Colección Eugenio Arias (Plaza de Picasso 1, Buitrago del Lozoya) quiere celebrar el 30º aniversario de su creación con la inauguración del programa expositivo ‘La pieza invitada’. Con esta iniciativa el centro, gestionado por la Comunidad de Madrid, acerca al público obras cedidas por otras instituciones dedicadas al artista y que en el museo adquieren un nuevo significado, al ser presentadas en el contexto de la exposición permanente.

La iniciativa comenzó el pasado 14 de enero con la obra Corrida de toros, procedente del Museu Picasso de Barcelona. Esta pieza cerámica pertenece a una serie de obras que Pablo Picasso realizó en el sur de Francia entre 1947 y 1948 y que muestra la imagen de un picador a caballo y a un torero con su capote, con trazos simples y colores puros: negro y rojo sobre fondo rosado.

El tema taurino es fundamental para entender la obra del artista malagueño. Su pasión por el toro queda patente desde sus inicios artísticos, pero fue al final de su vida cuando, viviendo lejos de su país, su vínculo con los toros le acercó más a la España más auténtica. El toro es para Picasso un animal sagrado y noble y era, con su amigo y barbero, Eugenio Arias, a quien está dedicado este museo, con quien acudía a las corridas en Nimes o Arlés.

Pablo Ruiz Picasso.
El pintor y la modelo, 17 de julio de 1970.
Museo Picasso - Colección Eugenio Arias
© Pablo Picasso - Sucesión Picasso / VEGAP Madrid 2015


El público podrá apreciar esta pieza hasta el 29 de marzo, en diálogo junto a las obras de la exposición permanente del museo. La siguiente pieza invitada llegará al Museo el 31 de marzo para quedarse hasta el 28 de junio, Paissage de Vallauris, que pertenece a la Fundación Picasso. Museo Casa Natal de Málaga, es un grabado litográfico realizado en París en 1953. Picasso realizó su primera litografía en 1919, pero no fue hasta 1945 cuando se interesó realmente por este sistema de estampación, en el taller de Fernand Mourlot, en París, donde se realizó esta pieza invitada. Allí utilizó todo tipo de planchas, como piedra o zinc, y probó numerosas técnicas, como el lápiz, pluma o aguada. La obra está realizada mediante lápiz litográfico sobre zinc, y representa un paisaje de Vallauris, localidad del Sur de Francia donde coincidieron Picasso y Eugenio Arias.

Del 30 de junio al 30 de septiembre el Museo de Buitrago de Lozoya volverá a acoger una obra del Museo Picasso de Barcelona, aún por definir, y del 2 de octubre al 27 de diciembre será el turno de la litografía Francoise sobre fondo gris, de nuevo cedida por el Fundación Picasso. Museo Casa Natal de Málaga, que el artista pintó en París en 1950. El mundo interior de la mujer fue para Picasso un ámbito al que siempre quiso tener acceso. La actitud ensoñadora de Françoise meditando en esta obra invita al espectador a descubrir ese universo privado de silencio y calma. Las obras se podrán visitar en el contexto de la colección permanente y en su horario habitual de apertura: de martes a viernes de 11.00 a 13:45 y de 16.00 a 18.00; sábados de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 19.00; domingos y festivos de 10.00 a 14.00.

domingo, 25 de enero de 2015

Un nuevo cuadro de Joan Miró llega a las paredes del Museo Reina Sofía.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS).
Edificio Sabatini
Planta 2ª
Más información en www.museoreinasofia.es



Los visitantes que se acerquen al Museo Reina Sofía a lo largo de los próximos meses, tendrán la ocasión de contemplar la pintura de Joan Miró Paysage (Paysage au coq), (1927; óleo sobre lienzo; 131 x 196,5 cm), generosamente cedida en préstamo por la prestigiosa Fundación Beyeler de Riehen/Basel (Basilea), y que viene desarrollando habitualmente una fructífera política de colaboración con el Museo que ha contribuido, entre otros logros, a la realización de importantes exposiciones temporales organizadas por ambas instituciones.

El Museo Reina Sofía cuenta entre sus fondos con una amplia representación de pinturas de Joan Miró (cincuenta y cinco en total), la mayoría de ellas del último periodo del artista. Sin embargo, no dispone de muchas pinturas datadas en la segunda mitad de la década de los años veinte y, de ellas, ninguna pertenece al grupo de los "paisajes animados". Por todo ello la exhibición de esta pieza, generosamente cedida ahora en préstamo por la Fondation Beyeler, Paisaje (Paisaje con gallo), es muy interesante en el contexto de las colecciones del propio Museo, tanto por tratarse de una obra clave desde el punto de vista artístico e histórico, como por venir a completar una faceta esencial en la trayectoria de Miró hasta ahora no representada en el Reina Sofía.

En 1911, cuando contaba dieciocho años, Miró pasa un periodo de convalecencia en la masía que poseían sus padres en Mont-roig, una población cercana a Tarragona, a la que regresará posteriormente en numerosas ocasiones. Allí, el contacto directo con la naturaleza iba a determinar la mayor parte de sus creaciones iniciales, sirviendo asimismo como punto de partida para su estilo maduro. El propio Miró reconocía sus fuertes vínculos con la campiña catalana y sus pobladores casi veinte años después, cuando ya instalado en la capital francesa, aseguraba en una entrevista: "Yo soy mucho más feliz con los agricultores de Mont-roig que [...] entre las duquesas en grandes palacios en París". (F. Trabal: "Una conversa amb Joan Miró". La Publicitat, 14 julio 1928). El resultado de su proximidad a la tierra y al paisaje catalanes sería la creación de un conjunto de obras, entre las que destaca La masía (1921-22, National Gallery of Art, Washington), emblemática pintura considerada como la obra clave del denominado periodo detallista de su autor.

José Guerrero. The Presence of Black 1950-1966. @FMontemadrid

Fundación Montemadrid
Casa de las Alhajas
Plaza de San Martín 1
Del 29 de enero al 26 de abril de 2015.
Más información en www.fundacionmontemadrid.eswww.centroguerrero.org



Programada para conmemorar el centenario del nacimiento de José Guerrero (Granada, 1914-Barcelona, 1991) esta exposición es la primera inmersión monográfica en los años americanos del pintor, los que más determinantemente marcarían su camino. La muestra presenta sus primeras incursiones en la abstracción a través de los grabados y los experimentales frescos portátiles en los inicios de la década de los 50 (que revelan a un pintor muy interesado en las posibilidades de la integración de la pintura en la arquitectura); continúa con su posterior y plena integración en el expresionismo abstracto americano mediada la década, y finaliza en el momento del reencuentro con su memoria española y el regreso a su país de origen en 1965.

El recorrido incluye obras nunca vistas en España procedentes de colecciones privadas y de museos nacionales y norteamericanos. Tras su presentación en Granada en 2014, en las salas del Centro José Guerrero y en el Palacio de Carlos V en la Alhambra, inicia su itinerancia en la Sala de las Alhajas de Madrid, un lugar especialmente significativo en la trayectoria profesional de José Guerrero, pues fue aquí donde el artista realizó en 1980 su gran exposición antológica, gracias al impulso del Ministerio de Cultura y de la Caja de Ahorros y Monte de Piedad de Madrid. Dicha muestra fue, sin duda, decisiva para el conocimiento de Guerrero entre la joven generación de pintores de la transición española, que descubrieron en el granadino a un maestro y un amigo.

sábado, 24 de enero de 2015

"querida corrupción:" Exposición colectiva. @EspacioTrapezio

Espacio Trapézio
Mercado de San Antón (Chueca).
Del 29 de enero al 15 de febrero de 2015
Más información en espaciotrapezio.org
Organiza: politiciansforchange.org



Querida corrupción: es un proyecto expositivo comisariado por Enrique Miguélez y Daniel Silvo y promovido por Politicians For Change, ONG de reciente creación cuyo fin es dar visibilidad a la corrupción política.

Los artistas presentes en la muestra son Julián Barón, Álvaro Bernis, Angie Bonino, Arantxa Boyero, Juan Francisco Casas, Josechu Dávila, Antonio Franco, Carlos González-Castrillo, Diana Larrea, Cristina Llanos, Ugo Martínez Lázaro, Eugenio Merino, NOAZ, Iván Solbes y Laura Tejedor.


Eugenio Merino, Moneda Conmemorativa, 2015.


El planteamiento de la exposición es sencillo: a un número determinado de artistas se les propone realizar un retrato (en su más amplio sentido) de un político concreto, sacado de una lista de condenados por corrupción. Pero es en este sencillo proceder, donde reside la fuerza del proyecto, es en su evidente banalidad donde se refleja la veracidad de nuestra propuesta. La exposición está formada por una serie de obras (dibujos, pinturas, esculturas, etc.) que atacan directamente a los protagonistas de estos actos delictivos, a los políticos condenados por llevarlos a cabo. Se trata de retratar, a través del arte, a aquellos alcaldes, presidentes y concejales que aprovechan su posición política para actuar en su propio beneficio y en detrimento del bienestar y la dignidad de los ciudadanos. Se nos ha invitado a poner cara a la corrupción, y nosotros a su vez invitamos a todos los ciudadanos a hacer lo mismo: ponerle cara en nuestros ayuntamientos, distritos y comunidades vecinales a las personas corruptas, porque creemos que no debemos hablar de corrupción en sentido abstracto, sino de todas las personas corruptas, aquellas que hacen el mal de manera sistemática.

La iniciativa de este proyecto parte de la ONG Politicians For Change, fundada en 2014 y cuyo fin es dar visibilidad a la corrupción política. Se trata de un proyecto colaborativo, independiente y no partidista que pretende dar espacio a retratar la corrupción política a través del arte, promoviendo así la conciencia social hacia un cambio. Politicians For Change ha salido adelante de forma altruista e independiente gracias al interés y esfuerzo económico de todos: artistas, comisarios y responsables de la ONG.

#Fotografía @BlancaBerlnGale “La playa". Pérez Siquier y “Los restos” Pep Carrió.

Galería de Arte Blanca Berlín
Calle Limón 28 / plaza Guardias de Corps (frente al Conde Duque).
Desde el 30 de enero de 2015.
Más información en www.blancaberlingaleria.com - www.pepcarrio.com - Pérez Siquier



La playa. Vintages. Carlos Pérez Siquier.

Carlos Pérez Siquier
Serie La playa, 1975/1980


Los restos. Pep Carrió.

Pep Carrió
Una vida, 2013.
Fotografías de una mujer anónima encontradas en el rastro de Madrid y caja de tipos.

viernes, 23 de enero de 2015

Avance: Narciso Méndez Bringa, el espectáculo de la ilustración. @MuseoABC

Museo ABC de Dibujo e Ilustración
Calle Amaniel 29-31
Del 10 de febrero al 3 de mayo de 2015
Entrada gratuita
Más información en http://museo.abc.es



Narciso Méndez Bringa (Madrid, 1866-1933) es uno de los nombres más reconocidos dentro de la historia de la ilustración gráfica en España.

Su estilo se caracteriza por poseer una sólida base dibujística y ser muy preciso a la hora de definir las formas, hasta tal punto que, a la vista de sus trabajos, se podría decir que Narciso Méndez Bringa fue capaz de dibujarlo absolutamente todo.

La exposición, centrada en su labor para la revista Blanco y Negro, se estructura en torno a cuatro bloques temáticos: Estilo: la evolución de su estilo desde un tipo de realismo casi fotográfico hasta el predominio de la línea y su uso como recurso gráfico, cercano a esa modalidad que hoy se denomina «línea clara». Cronista de su tiempo: su obra recoge el testimonio impagable de múltiples aspectos de la vida cotidiana en España, desde el periodo de la Regencia hasta los primeros años de la Segunda República. Ilustrador polifacético: con igual destreza se ocupó de la estampa de sabor costumbrista como de una utopía del futuro, pasando por cualquier época histórica incluida la cultura más remota. Mujeres: su identificación con el retrato femenino fue tal que llegaría a popularizarse durante años el término «mujeres Méndez Bringa», en referencia a un tipo específico de aspecto juvenil, bello y refinado de mujer morena para la que el modelo debió de ser su hija fallecida a una edad temprana.

Para esta muestra se han reunido cerca de doscientas ilustraciones originales, además de bocetos, apuntes, ejemplares de revistas, postales, fotografías y documentos varios. La mayor parte de la obra procede de los fondos del Museo ABC, a lo que se ha sumado material prestado tanto por instituciones (Universidad Complutense de Madrid o Archivo ABC) como por particulares (Rafael Merino de Cos, Begoña Summers de Aguinaga o Colección JANO).

José Dávila. #TravesíaCuatro

Travesía Cuatro
Calle San Mateo 16
Del 26 de febrero al 30 de abril de 2015
Más información http://josedavila.mxwww.travesiacuatro.com

Esfuerzo común, 2014


El próximo 26 de febrero TRAVESIA CUATRO presentará un nuevo proyecto coincidiendo con los 10 años de trabajo de Jose Dávila en la galería.

La muestra consiste en una serie de esculturas que abordan la noción de la eterna lucha del ser humano contra la gravedad. Partiendo de su atracción por la arquitectura, el minimalismo y la historia del arte, las esculturas que componen el proyecto demuestran un momento de suspensión que hace posible apreciar la política del equilibrio. Desde un interés en el fenómeno físico que esto implica, Dávila mantiene la tensión en esta serie de composiciones que transmiten una tranquilidad inquietante. La aparente calma de las esculturas es el resultado de un equilibrio de fuerzas, del soporte y la tendencia natural a precipitarse contra el suelo.

Puntos, líneas y planos como elementos básicos de la arquitectura, de la composición y de la construcción son utilizados en las piezas. El resultado son formas estáticas, espaciales y abstractas, una mezcla de experimento constructivo, escultura y dibujo al mismo tiempo. Obras que evocan aquello que Borges describió como el hecho estético: “inminencia de una revelación, que no se produce”.

Jose Dávila (México, 1974) vive y trabaja en Guadalajara, México. A lo largo de su carrera ha trabajado sobre la relación entre lugar y ficción, espacio y tiempo, con la arquitectura y la geometría como ejes principales. Para ello ha utilizado una amplia gama de soportes y técnicas, como la escultura, la instalación, la fotografía o el dibujo. Junto a su labor artística, fue co-director y co-fundador de la Oficina para Proyectos de Arte (OPA) en Guadalajara, Jalisco.

Fue reconocido con la beca nacional para jóvenes creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) de México 2000-2001, y el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes (FECA) en 2004-2005. Realizó una residencia anual en Berlín por invitación del Kunstwerke y, con el apoyo de la Andy Warhol Foundation, llevó a cabo una residencia en el Camden Arts Centre en Londres. Más recientemente fue reconocido por ArtNexus como mejor artista latinoamericano de 2014 y The Getty Foundation concedió a Los Angeles Nomadic Division una beca para desarrollar una investigación sobre el trabajo de Dávila en el ecuador de su carrera.

Su obra ha sido expuesta en muestras individuales y colectivas, en galerías, centros de arte de todo el mundo y también se encuentra representada en museos españoles como el Artium de Vitoria, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Marco de Vigo o la colección de la Fundación La Caixa, la colección de la Fundación ARCO y el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M), así como en instituciones de relevancia internacional como el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), en México D.F. (México); la Colección Inhotim, en Brumadinho (Brasil); Albright-Knox Museum, en Buffalo, Nueva York (EE.UU.); la Zabludowicz Collection, en Londres (Reino Unido); el Museum of Modern Art (MUDAM), en Luxemburgo, el Institute for Contemporary Art (ICA) de Boston (EE.UU.) y el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou, en París (Francia). Asimismo, sus obras forman parte de colecciones privadas como Coppel, Jumex, DKV y la colección de Patricia Phelps Cisneros.

jueves, 22 de enero de 2015

Avance: "Books beyond Artists". @Ivorypress

Ivorypress Space
Calle Comandante Zorita 48
Del 24 de febrero al 9 de mayo de 2015
Más información en www.ivorypress.com

Novel·la | Antoni Tapiès, 1965 | Cortesía de Fundació Tapiès / Ivorypresss


El próximo 24 de febrero de 2015 Ivorypress inaugurará la exposición Books beyond Artists, dedicada a los libros de artista y su papel en la historia del arte hasta nuestros días. La muestra está comisariada por Elena Ochoa Foster en colaboración con el equipo de Ivorypress.

Books beyond Artists es el capítulo siguiente a la muestra Blood on Paper (Victoria and Albert Museum, Londres, Reino Unido, 2008) que fue comisariada por Elena Ochoa Foster, directora y fundadora de Ivorypress y Rowan Watson, comisario de la National Art Library y director de la colección de libros de artista del Victoria and Albert Museum.

La exposición contará con ediciones provenientes de colecciones privadas —tales como las de Ben Brown (Reino Unido), Jean-Claude Meyer (Francia), Thaddaeus Ropac (Francia/Austria), Norman y Elena Foster (Suiza/EE. UU.), Archivo Lafuente (España) y Ivorypress (España), entre otras—, estudios de artistas —entre ellos los de Olafur Eliasson (Alemania), Roni Horn (EE. UU.), Jenny Holzer (EE. UU.), Miquel Barceló (Francia) y Peter Sacks (EE.UU.)— y diversas instituciones y entidades —como el Victoria and Albert Museum (Reino Unido), la Fundació Antoni Tàpies (España) y el Brodsky Center (EE. UU.), entre otras—.

Se expondrán también libros de artista publicados en las últimas décadas por editoriales como Toluca (Francia), Onestar Press (Francia), RVB Books (Países Bajos) Lecturis Books (Países Bajos), Steidl Verlag (Alemania), Turner Libros (España) y Limited Editions Club (EE. UU.), además de los editados por Ivorypress.

Estarán presentes libros objeto o ediciones muy reducidas realizadas por artistas contemporáneos como Paul McCarthy o Anselm Kiefer, que convivirán con libros pictóricos y escultóricos donde el texto es mínimo o inexistente. Son obras que dejan todo el protagonismo a la imagen, a la escultura o a la pintura. En esta sección la muestra contará con ediciones realizadas por Francisco de Goya, William Kentridge o Anthony Caro, entre otros. Además la exposición incluirá libros de artista realizados por figuras del arte contemporáneo como Louise Bourgeois o Damien Hirst.

En algunos de los ejemplares, el diseño y los materiales escogidos son el centro de atención. Desde el plegado del papel en libros como los de Ed Ruscha, John Baldessari, Lucio Fontana o Hiroshi Sugimoto, hasta el uso de materiales naturales como en la edición de Richard Long. En otros, en cambio, el libro se convierte en vehículo para expresar una protesta o manifiesto, como en el caso de las obras de Filippo Tommaso Marinetti, Santiago Sierra o Martin Parr. La muestra cuenta también con libros en los que la palabra es la única protagonista, como en aquellos de Jenny Holzer o Isidoro Valcárcel Medina.

Otra línea de creación que aparece con frecuencia en los libros de artista es aquella en la que se establece un diálogo entre la literatura y las artes plásticas. Colaboraciones históricas entre artistas y poetas como el libro de Aleksandr Ródchenko realizado junto a Vladímir Mayakovski y otros ejemplos que ilustran o dan forma material a textos literarios de escritores como Octavio Paz o Stéphane Mallarmé de la mano de pintores como Robert Motherwell o Balthus.

Finalmente, el fotolibro también estará representado en la exposición Books beyond Artists con obras de diversas épocas, de artistas tales como Henri Cartier-Bresson, Sophie Calle, Miguel Rio Branco o Ai Weiwei.



Coincidiendo con la exposición se celebrará la mesa redonda “Libros de artista en el siglo XXI: ¿objetos de culto?”, el día 24 de febrero a las 12:00 h con la participación de Irma Boom, tipógrafa y diseñadora gráfica; Peter Sacks, artista y catedrático de poesía de la Universidad de Harvard (EE.UU.); y Rowan Watson, director de la colección de libros de artista de la National Library del Victoria and Albert Museum (Londres, Reino Unido). La mesa estará moderada por Elena Ochoa Foster, directora y fundadora de Ivorypress.

Avance: @GaleriaOrfila "Al Andalus", de Llanos Gallardo.

Galería de Arte Orfila
Calle Orfila 3
Del 26 de enero al 14 de febrero de 2015.
Más información en www.galeriaorfila.com



Fantasía y realidad, objetividad y ensoñación, con un lenguaje de raigambre expresionista, vehemente y hasta turbador en ocasiones, ”pacto entre el cubismo y su gran enemigo: la luz” en palabras de José Hierro al comentar una de sus primeras exposiciones, se aúnan, reanudando su diálogo entre técnica y emoción, en las obras que presenta Llanos Gallardo en esta ocasión en la Galería Orfila.

Del mismo modo que en su anterior del año 2012 la música de Jazz y sus intérpretes a través de la conturbación que lleva a los sentimientos, fue su eje argumental, en esta la motivación sobresaliente es la esencialidad cultural, icónica y plástica preexistente en ese territorio, Al Andalus, bien que cristalizada gracias a su propia subjetividad y mediante los recursos expresivos no traslativos ni convencionales que les son propios.

Su muy intensa trayectoria, desde que hiciera su primera muestra individual en 1965, ha sido seguida con atención por la crítica de arte más rigurosa: García Viñolas, Figuerola Ferretti, Ramón Faraldo, Manuel Vicent, José Hierro, Mario Antolín, Manuel Conde...tal se recoge, junto a su ya extenso currículo profesional, en el catálogo que acompaña a esta exposición.

Inaugurará la exposición el lunes 26 de enero a las 19:30 h.

Presentación: @FundacionBarrie @CENTROCENTRO5CS "La Colección" - Fundación Barrié de la Maza.

Espacio CentroCentro Cibeles
Planta 5ª
Plaza de Cibeles 1
Del 22 de enero al 26 de abril de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.fundacionbarrie.org - www.centrocentro.org

"La Colección", Espacio CentroCentro Cibeles.


La Fundación Barrié presenta en CentroCentro su colección de pintura contemporánea internacional.

- CentroCentro Cibeles mostrará hasta el 26 de abril “La Colección”, una selección de 31 obras de la colección de pintura contemporánea de la Fundación Barrié, compuesta por artistas clave para la pintura de la segunda mitad del siglo XX, figuras consolidadas y valores emergentes de la pintura contemporánea española e internacional y artistas gallegos con presencia en colecciones internacionales como Imi Knoebel, Ángela de la Cruz, Helmut Dorner, Fiona Rae, Jan Marc Bustamante, Jose Pedro Croft, Jessica Stockholder, Manolo Vilariño, Katharina Grosse…) que se acercan a la pintura también desde la fotografía, la instalación o la escultura, jugando con la expansión y la reencarnación de la pintura en otros medios .

"La Colección", Espacio CentroCentro Cibeles.


- La colección de la Fundación Barrié está compuesta por artistas clave para la pintura de la segunda mitad del siglo XX, figuras consolidadas y valores emergentes de la pintura contemporánea española e internacional y artistas gallegos con presencia en colecciones internacionales como Imi Knoebel, Ángela de la Cruz, Helmut Dorner, Fiona Rae, Jan Marc Bustamante, Jose Pedro Croft, Jessica Stockholder, Manolo Vilariño, Katharina Grosse.

"La Colección", Espacio CentroCentro Cibeles.


- Como centro cultural especializado en el coleccionismo, CentroCentro comienza a trabajar una línea adicional en la que incorpora las colecciones corporativas, y así se inauguran en enero y febrero cortes expositivos de Colección Iberdrola y de la Fundación Barrié.

"La Colección", Espacio CentroCentro Cibeles.


CentroCentro Cibeles acoge desde el 22 de enero la colección de pintura contemporánea internacional de la Fundación Barrié, que se expone al público por primera vez fuera de Galicia y que podrá visitarse hasta el 26 de abril.

José E. Fernández Varela.
Bajo el título La Colección, la muestra, comisariada por el director de Patrimonio y Cultura de la Fundación Barrié y conservador de la colección, José Enrique Fernández Varela, presenta 31 obras de Adrian Schiess, Ángela de la Cruz, Jean-Marc Bustamante, Carlos Irijalba, Curro González, Fabián Marcaccio, Fiona Rae, Frank Nitsche, Gil Heitor Cortesão, Günther Forg, Helmut Dorner, Herbert Brandl, Ignasi Aballí, Imi Knoebel, Jessica Stockholder, João Penalva, Jonathan Lasker, José Pedro Croft, Katharina Grosse, Manuel Vilariño, Negro Álvaro, Otto Zitko, Paulo Climachauska, Pedro Barbeito, Perejaume, Sandra Cinto, Shinique Smith, Simeón Saiz Ruiz, Teo Soriano, Tobias Lehner y Peter Zimmerman.



Construyendo una historia para la pintura

La colección de la Fundación Barrié (www.fundacionbarrie.org) se compone de 53 obras de 46 artistas españoles e internacionales y nace cronológicamente en un momento de ruptura e intersección de disciplinas hasta entonces diferenciadas como la pintura, la escultura, la instalación y su relación con el espacio expositivo: los años setenta. Así, a partir de una serie de artistas representativos de aquel momento como Imi Knoebel, se abre un camino hacia el futuro de la pintura con nombres clave para entender su presente como Jonathan Lasker ,Fabian Marcaccio, Jason Martin, Katharina Grosse, Günther Forg o Fiona Rae.

"La Colección", Espacio CentroCentro Cibeles.


La colección de pintura contemporánea internacional de la Fundación Barrié nació en 2008 con la adquisición de las primeras obras en las ferias ARCO, Basilea y Lisboa, y continuó ampliándose los siguientes años gracias a nuevas adquisiciones en ferias y compras directas en galerías. Se compone de obras de artistas que se acercan a la pintura desde la fotografía, la instalación o la escultura, jugando con la expansión y la reencarnación de la pintura en otros medios. Además, trata de conformar una línea de colección que permita configurar un sentido a la pregunta: ¿De qué hablamos cuando hablamos de pintura hoy?, en este caso a partir de obras que permiten reflexionar sobre cómo la pintura ha sido capaz de construir su propia historia a partir de expresiones pictóricas que van más allá de ideas tradicionales como la de género o estilo.

"La Colección", Espacio CentroCentro Cibeles.


La colección de la Fundación Barrié mantiene el enfoque con el que fue creada en 2008 “desde el tradicional apoyo de la Fundación Barrié al arte, y como un salto de largo alcance que nos permite traer lo mejor de la pintura contemporánea internacional a Galicia y acercar los mejores valores del arte gallego al mundo”, en palabras José María Arias, presidente de la Fundación Barrié, fundación patrimonial privada con sedes en A Coruña y Vigo.



La Fundación Barrié, el arte y la innovación educativa

El compromiso de la Fundación Barrié, con sedes en A Coruña y Vigo, con las artes se manifiesta en su amplia colección de arte gallego, de cerca de un centenar de artistas, en la concesión de becas para valores emergentes, en un consolidado programa de exposiciones temporales en torno a la arquitectura, el diseño, la fotografía y el patrimonio y en la edición de publicaciones relacionadas, pero sobre todo en la producción continua de programas didácticos innovadores dirigidos a públicos de todas las edades, y muy especialmente para los más jóvenes, llegando a alcanzar la franja de edad de 0 a 4 años.

"La Colección", Espacio CentroCentro Cibeles.


En esta línea de innovación educativa para acercar las artes a todos los niveles educativos se encuentra Un artista en la escuela, un proyecto educativo pionero en España, e implantado en diez centros escolares de Galicia, que tiene como objetivo reunir a artistas y profesores en el aula con el propósito de utilizar las artes como herramienta didáctica de desarrollo de habilidades transversales y cognitivas para una mejor asimilación de los contenidos curriculares de disciplinas como matemáticas, ciencias sociales o música. El ciclo Despertamos a las Artes, con espectáculos didácticos para bebés y niños hasta 4 años, insiste en esta línea de acercamiento, lúdico y educativo, de los más pequeños al arte. La innovación educativa es una de las áreas de trabajo de educaBarrié, el espacio de trabajo y encuentro de la Fundación y la comunidad educativa (www.educabarrie.org).

"La Colección", Espacio CentroCentro Cibeles.

La Fundación Barrié apoya asimismo a museos y colecciones como el Museo del Prado (con el que celebra cada año un ciclo de conferencias en Vigo y A Coruña), el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Colección de Arte Contemporáneo o el Centro Galego de Arte Contemporánea, a través de asociaciones de amigos y fundaciones vinculadas a estas instituciones.



La Fundación Barrié trabaja principalmente en cuatro líneas de acción: 

 - la conservación del patrimonio y el apoyo a la cultura (restauración del Pórtico de la Gloria, proyectos de conservación preventiva del patrimonio cultural e histórico; exposiciones temporales y ciclos de conferencias).

"La Colección", Espacio CentroCentro Cibeles.


- la innovación educativa y fomento del talento (programas de competencias para jóvenes e investigadores, desarrollo profesional y programas de becas para posgrados en el extranjero, y para jóvenes de Bachillerato en EEUU).

"La Colección", Espacio CentroCentro Cibeles.


- el apoyo, formación y profesionalización de las entidades prestadoras de atención social de Galicia.

- el impulso a la ciencia y la investigación aplicada con especial atención a la promoción de las disciplinas y carreras tecnológicas y científicas entre los escolares.