lunes, 29 de junio de 2015

Presentación: Vogue: Like a Painting.

Museo Thyssen-Bornemisza
Pº del Prado 8
Del 30 de junio al 12 de octubre de 2015
Más información en www.museothyssen.org - likeapainting.vogue.es

Erwin Olaf
Vogue , Países Bajos, junio de 2013.
Fotografía © Erwin Olaf

Organizan: Vogue y Museo Thyssen-Bornemisza
Comisariado: Debra Smith

Debra Smith, comisaria de la exposición
El Museo Thyssen-Bornemisza acoge desde el 30 de junio la exposición fotográfica Vogue like a painting, una muestra con sesenta y una imágenes de inspiración pictórica, procedentes de los archivos de la revista Vogue y realizadas por algunos de los fotógrafos más destacados de las últimas tres décadas.
Las fotografías de esta muestra se han seleccionado por tener las características que tradicionalmente se atribuyen a la pintura. En algunas se utiliza el relieve escultórico y en otras la luz tiene una factura pictórica. Tenemos ejemplos del Renacimiento y el Rococó, pero quizás los mejores los hallamos entre los prerrafaelitas. Muchas de las imágenes seleccionadas nos hacen pensar en cuadros y artistas concretos: están aquí Vermeer, Hopper y Millais; Balthus, Van Eyck, Botticelli y Zurbarán; Degas, Sargent, Dalí, Hogarth, Rossetti y Magritte.

Annie Leibovitz, 2006.


Algunas obras imitan géneros bien definidos; los retratos de grupo británicos del siglo XVIII, que son simbólicamente narrativos, o la mujer en deshabillé. Algunas ilustran de manera literal la idea central de la exposición con la presencia de la pintura en las modelos o reproduciendo texturas pictóricas como en las impresiones artesanales de Nick Knight, pero también hay referencias directas a piezas icónicas de la historia del arte como Girl with the pearl earing de Erwin Blumenfeld, versionando la famosa Joven de la perla de Vermeer, los bodegones de Grant Cornett o las instantáneas de Peter Lindbergh, inspiradas en cuadros de Paul Gauguin. El hilo común que recorre toda la muestra es, como afirma su comisaria Debra Smith, una suerte de ralentización: “una atemporalidad en la pose de las modelos; una especie de lapso mental en el que todo está muy, muy quieto”.

Vestido diseñado por Valentino.

La exposición está organizada en torno a los grandes géneros pictóricos, como son el retrato, el paisaje o los interiores, de manera que la herencia pictórica de la fotografía se percibe de forma aún más evidente.

Erwin Blumenfeld, 1945.

El visitante podrá dejarse seducir por Irving Penn, maestro de las líneas puras y de lo exquisito; Annie Leibovitz, icono y retratista oficial de iconos; Peter Lindbergh, señor del drama en blanco y negro; Paolo Roversi, retratista de lo puro; Mario Testino, dueño de la luz; la teatralidad de Tim Walker y la llamada de la fuerza de Mert Alas y Marcus Piggott; Patrick Demarchelier, el verdadero clásico, siempre deseado; Steven Klein y su visión cinematográfica de la fotografía de moda; los colores y la espontaneidad de Sheila Metzner; Nick Knight y sus imágenes todopoderosas; la magia sorprendente de David Sims y Deborah Turbeville, la mujer que mejor captó el alma de las mujeres; la carga sugestiva de Camilla Akrans; el magnetismo de Glen Luchtford; Michael Thompson, fotógrafo del alma; Erwin Olaf y su mirada contemporánea; Erwin Blumenfeld, un visionario y autor de las portadas más icónicas de Vogue; Mariano Vivanco y su calidez y energía; William Klein, el fotógrafo de las emociones; Yelena Yemchuk y su visión moderna y delicada; la técnica perfecta de Cecil Beaton; Edward Steichen y su impecable equilibrio entre misterio y belleza; la delicadeza de Clifford Coffin; la visión adelantada de Horst P. Horst y David Seidner y su espíritu tradicional, tan moderno. La muestra incluye, además, dos vestidos: el impresionante “Queen Orchid” de la diseñadora china Guo Pei, que dialoga con el retrato que Irving Penn hizo de Cate Blanchett como Isabel I de Inglaterra, y un diseño de Valentino con motivos florales en la sala de fotografía de exteriores y jardines.

Organizadores y patrocinadores de
la exposición.
Yolanda Sacristán, directora de Vogue España, explica que “fue Vogue la precursora de la fotografía de moda cuando, ya en la década de 1920, empezó a reemplazar sus portadas ilustradas por imágenes de artistas tan revolucionarios como Edward Steichen, quien llevaba desde 1911 experimentando con el retrato de moda. Fue él mismo junto con otros grandes colaboradores de Vogue -Cecil Beaton, Horst P. Horst e Irving Penn, principalmente- quienes transformaron el género en una forma de arte excepcional, sentando las bases de la fotografía moderna”.


Camilla Akrans
Mujer sola, 2010.

La exposición cuenta con el patrocinio y apoyo de la prestigiosa marca de joyería Bulgari que refleja una vez más el fuerte vínculo y pasión que siempre ha sentido por el arte y la cultura en sus más de 130 años de historia. Fundada en Roma en 1884, la firma de joyería Bulgari es un emblema de la excelencia italiana. Maestro en las gemas de color, Bulgari se caracteriza por su audacia estilística, la sensualidad del volumen, el amor por lo lineal y su inspiración grecorromana. Todas las creaciones Bulgari, sean joyas, relojes, accesorios o perfumes, encarnan el lujo italiano atemporal y contemporáneo.

Mirar la arquitectura: fotografía monumental en el siglo XIX.

Biblioteca Nacional de España
Sala Recoletos
Pº de Recoletos 20-22
Del 3 de julio al 4 de octubre de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.bne.es - www.phe.es

Laurent, J. Monasterio de San Lorenzo del Escorial. 1870. ©Biblioteca Nacional de España, Madrid

Las investigaciones que dieron lugar al nacimiento de la fotografía tenían como objeto reproducir la realidad y ayudar en la creación de obras de arte. El nexo de unión entre Nicéphore Niépce (1765-1833), Louis-Jacques-Mandé Daguerre (1787-1851) y Fox Talbot (1800-1877), los considerados “padres” de la fotografía, fue precisamente buscar un procedimiento que les permitiera reproducir por medio de la cámara oscura las imágenes de la realidad sin necesidad de dibujarlas. La fotografía nació en el momento de mayor producción de obras de carácter enciclopédico como forma de transmisión cultural y de conservación de la memoria. Comprometida con el historicismo y el positivismo, con el desarrollo de las ciencias y la industria, la búsqueda del conocimiento no parecía tener límites y la idea de intentar recopilar la mayor cantidad de información visual histórica, ordenarla, estudiarla científicamente y difundirla convirtió a la fotografía en el medio ideal para intentar llevar a cabo esta labor de la manera más rápida, fácil, completa y amplia posible.

Edificios y monumentos fueron el principal objeto fotografiado desde el mismo nacimiento del daguerrotipo, llegando a crearse todo un imaginario que se repetiría y ampliaría con el tiempo y el perfeccionamiento fotográfico. Esta exposición pretende poner de manifiesto las diferentes vinculaciones entre fotografía y arquitectura, llamando especialmente la atención sobre esta relación en nuestro país, desde que los monumentos y ciudades españoles comenzaron a difundirse de la mano de los viajeros románticos extranjeros aficionados a la fotografía, hasta convertirse en un lugar de estudio científico que retratar para incorporarlo a las historias de la arquitectura, incluyendo, además, el análisis de las relaciones entre arquitectos, historiadores y fotógrafos y la puesta en valor del trabajo de los fotógrafos de arquitectura en España. Todo ello realizado, fundamentalmente, a través de los fondos de la Biblioteca Nacional de España.

sábado, 27 de junio de 2015

InsideInsect. Jorge Fuembuena. PHE15.

Centro de Arte Alcobendas
Calle Mariano Sebastián Izuel 9
Alcobendas - Madrid
Del 2 de julio al 23 de septiembre de 2015
Más información en www.jorgefuembuena.comwww.centrodeartealcobendas.org

El Cementerio de Calanda.2014.
Fotografía © Jorge Fuembuena.


El proyecto InsideInsect es un proyecto personal en el ámbito de la investigación sobre la obra y construcción y representación del universo del cineasta aragonés Luis Buñuel.

Inside Insect es un proyecto personal de investigación fotográfica que actualiza la figura de Luis Buñuel desde perspectivas contemporáneas y que explora el uso y la función de las imágenes mezclando hechos y ficciones. El proyecto busca las huellas del paso del cineasta por diversos territorios, generando un nuevo valor a los objetos encontrados y documentos de archivo como cartas, postales, fotografías degradadas, mapas y textos. El proyecto juega con los sistemas de signos y la representación fotográfica mezclando deliberadamente realidad y ficción, el mito del pasado y presente y la realidad.

En el proyecto no se intenta tanto articular rastros o testimonios en una presentación cronológica o espacial ordenada, sino que existe un acercamiento para acentuar e interrogar ciertos espacios que contienen una cierta especificidad. Existe la reflexión de cómo un contexto específico crea, impone o construye un valor simbólico. El proyecto toma la forma de ensayo fotográfico compuesto por fotografías y materiales de archivo, estableciendo relaciones de solapamiento, ecos o resonancias de todos estos elementos presentados como una constelación de materiales. InsideInsect explora la apropiación de la imagen, la recreación y la fotografía de paisaje documental. El proyecto InsideInsect contiene simultáneamente el elemento afectivo y el analítico, situándose a medio camino entre lo objetivo y lo subjetivo, entre lo real y lo ficticio, entre la realidad y el deseo, en suma, entre la razón y la emoción. La visión de Buñuel chocaba con la realidad. Luis Buñuel tenía la muerte muy presente y la fotografía no nace como un espacio estético sino como un discurso trágico, el del tiempo y la muerte.

El marco de referencia contextual explora los lugares por los que pasó Luis Buñuel en vida y que marcaron un significado contrastado a través de sus memorias citadas en la publicación Mi último suspiro: Calanda, Zaragoza, Madrid, Toledo, París, New York, Los Angeles, y México D.F.

viernes, 26 de junio de 2015

MadGarden Festival 2015 - Fiesta de bienvenida - Entrada gratuita.

Real Jardín Botánico Alfonso XIII
Universidad Complutense de Madrid
Av. Complutense s/n
Jueves 2 de julio a las 19:00 horas
Más información en www.madgardenfestival.com
Reserva tu entrada aquí



19.00 h.
Apertura de puertas

19.30 h.
Sesión con el Dj MIGUEL CAAMAÑO
 Presentador del programa Alma de León - RADIO 3

20.00 h.
Sesión con el Dj MANOLO FERNÁNDEZ
Presentador del programa Toma Uno – Radio 3

20.30 h.
Concierto de WIDOW MAKERS presentando su tercer disco “Los Diablos”

21.30 h.
Sesión Dj JULIO RUIZ
Presentador del programa Disco Grande – RADIO 3

22.00 h.
Sesión Dj SANTIAGO ALCANDA
Presentador del programa Como lo Oyes – RADIO 3

22.30 h.
Concierto de THE LUCILLES


Ven a celebrar con nosotros el inicio de madgarden2015 y del nuevo mes el próximo jueves, 2 de julio porque hemos preparado una fiesta por todo lo alto y tú también estás invitad@.
El Jardín Botánico Alfonso XIII abrirá sus puertas a partir de las 19 horas para acoger los conciertos de los Widow Makers y The Lucille, además de las sesiones de los grandes de Radio 3Miguel Caamaño de Alma de león (Radio 3), Julio Ruiz de Disco Grande (Radio 3)Santiago Alcanda de Como Lo Oyes y Manolo Fernández de Toma Uno.
Saca tu entrada gratuita en este enlace:   http://madgardenfestival.com/espectaculo/0/presentacion-madgarden-festival-2015.html y ven a disfrutar de una noche de música, espectáculos y muchas muchas sorpresas más.

In a silent way. Antonio Olazábal.

Centro Cultural Anabel Segura
Av. de Bruselas 19
Alcobendas - Madrid
Del 1 al 25 de julio de 2015
Más información en www.aolazabal.comwww.alcobendas.org - www.centrodeartealcobendas.org



In a silent way
In a silent way.............de una manera silenciosa , como un desapercibido observador, es una buena forma de captar instantes fotográficos, registrar escenas fortuitas que puedan mostrarnos lo previsible, lo sorprendente y lo insólito de una ciudad como esta.
No se trata de hacer un retrato de Tokyo, esta es "solo" un asombroso escenario, se trata más bien de mirarse en ella.
De una manera silenciosa, así es como se produce esa gran contradicción entre la soledad y la multitud que nos muestra Tokyo donde si las imágenes sonaran podríamos escuchar a Miles Davis........


Antonio Olázabal, In a silent way, 2012
Fotografía © Antonio Olazábal.


In a silent way
Es una manera de fotografiar y de comprender la fotografía. Se trata de incidir en las apariencias para llegar a una posible verdad, la verdad del fotógrafo. No es necesario preguntar mucho, tampoco investigar demasiado, quizás incluso no sea útil ni un callejero ni un mapa. Tampoco hará falta disfrutar de la ciudad, visitar sus highlights, no se puede hacer todo al mismo tiempo.
El tiempo de la fotografía impone una búsqueda fotográfica, como si se tratase de un espía que trabaja fríamente, diría James Agee cuando investigaba la casa de la familia Burroughs, vacía, cuando no había nadie en ella, y observaba como si fuese algo así como un ladrón, moviéndose como no se esperaría que lo hiciese si hubiese alguien en la casa. Es el silencio del búho en vuelo instantes antes de atrapar la presa, tan solo observación, sin opiniones, sin valoraciones, tan solo la cámara que registra lo que puede ser útil para construir una obra fotográfica. Su sonido al captar la luz es imperceptible. Así entiendo las fotografías de Antonio en Tokio.
​Imagino Tokio -nunca he estado allí- como una ciudad ruidosa, también le otorgo un color, quizás abundan los grises, y también es cierto que conozco el cine de Yasujiro Ozu o las palabras de Haruki Murakami, e incluso he leído El Imperio de los Signos de Roland Barthes. Todo ello tendría que ver con un Tokio imaginado, posible, deseado o no, en todo caso incompleto, una realidad inabarcable, por sus mil aristas, sus mil caras, sus miles de capas. Ciertamente el lenguaje, sin duda el fotográfico, no tiene acceso a ello, la realidad no tiene forma, carece de contornos. Es por ello que huimos de la vieja ansiedad por querer narrar, por querer explicar con nuestras fotografías, como si quisiéramos escribir un cuento, como los de Ozu, intentando cercar alguna realidad e incluso verdad. Nuestro relato parte de que Tokio está vacío, como la casa de los Burroughs, que es el paisaje donde situar nuestra cámara, donde observar, donde extraer silencio de tanto ruido. Ya no caemos en la tentación de intentar salvar lo efímero, lo anecdótico, lo circunstancial, lo que ocurre, sino que llegamos, -no importa en qué momento- cuando ya hemos pensado Tokio, cuando ya sabemos nuestro Tokio en fotografías, nuestro único comentario ya es producto de un pensamiento visual. Fotografiamos la idea de Tokio, la nuestra, no es hablable, es una idea fotográfica y como tal plasmada, expresada.

Tokio es el refugio para nuestra narración, siempre en voz baja, apenas susurros, sin nada que explicar, sin querer convencer. Como Atget. Así entiendo las fotografías de Antonio en Tokio.

jueves, 25 de junio de 2015

Avance: Carlos León, Pink Requiem.

Sala de Exposiciones Alcalá 31
Calle Alcalá 31
Del 18 de septiembre al 22 de noviembre de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.madrid.org - www.facebook.com/carleonarte

Pink Requiem, Carlos León
Sala de Exposiciones Alcalá 31

Organiza: Consejería de Empleo, Deporte y Cultura.
Comisariado: María de Corral

Se trata de la primera muestra individual de este artista en el ámbito institucional madrileño. Consta de sesenta obras relevantes, producidas a lo largo de las últimas cuatro décadas y dan una amplia visión de las diferentes técnicas y soportes que ha utilizado en su trabajo. Distribuidas en las dos plantas de la sala, se podrán apreciar varias pinturas de grandes dimensiones, producidas especialmente para la ocasión, y también obra tridimensional. El conjunto ofrecerá al espectador una visión completa y diversa de la trayectoria del artista hasta nuestros días.

Carlos León (Ceuta, 1948), pasa en Segovia su infancia y adolescencia y estudia Medicina en Valladolid. Se instala en París en el año 72 y visita en el Grand Palais la magna exposición dedicada a Barnett Newman, hecho determinante en la orientación posterior de su trabajo, que halló en el expresionismo abstracto americano y en su proyección sobre buena parte del arte europeo de aquellos días, el sustento sobre el que comenzar a cimentar sus propias búsquedas. Regresa a España en 1980 y vive los avatares de La Movida, con el paréntesis de una estancia en Nueva York. A finales de los ochenta entra a formar parte de la junta directiva del Círculo de Bellas Artes y fue contratado como profesor asociado por la Facultad de Bellas Artes de Cuenca. En 1991 monta su estudio en la provincia de Segovia y en 1995 regresa a Nueva York permaneciendo allí otros siete años. Desde su última estancia americana vive y trabaja en Segovia.

Catálogo con un texto de la comisaria, un texto especializado y una entrevista.

miércoles, 24 de junio de 2015

Avance: Leopoldo Pomés. Flashback.

Sala de Exposiciones Canal de Isabell II
Calle Santa Engracia 125
Del 10 de septiembre al 22 de noviembre de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.madrid.org
Actividades paralelas *Inscripción desde el 8/9

Finestra Rodona 2, 1959 © Studio Pomés, Leopoldo Pomés. VEGAP. 2015


Organiza: Consejería de Empleo, Turismo y Cultura.
Comisario: Julià Guillamon.

La muestra Leopoldo Pomés. Flashback, presenta más de 140 fotografías (muchas de ellas inéditas para el gran público), medio centenar de anuncios publicitarios y documentación gráfica diversa, que componen una retrospectiva completa del trabajo de Pomés: desde sus inicios vinculados al grupo Dau al Set hasta la actualidad. La exposición repasa, a través de su contundente fotografía su itinerario vital y visual, sus proyectos editoriales, la creación y producción de cortos y anuncios publicitarios, su breve incursión en el cine, la realización de vídeos documentales o sus proyectos empresariales en el ámbito de la restauración.

Leopoldo Pomés (Barcelona, 1931), es uno de los nombres indiscutibles de la fotografia contemporánea de la segunda mitad del siglo xx. Fotógrafo, publicista, cineasta, dibujante, poeta, empresario y gastrónomo, Pomés ha mostrado a lo largo de su dilatada carrera una pasión constante por la imagen. Su estilo, elegante, luminoso, sofisticado, sensual revolucionó la publicidad en España: ofreció una imagen moderna de hombres y mujeres que, gracias a nuevos productos de consumo, podían vivir una vida más cómoda y agradable, más bella e interesante. Ha recibido primeros premios de publicidad en la Bienal de Venecia y el Festival de Cannes. Ha sido galardonado con la Medalla de Oro al Mérito Artístico del Ayuntamiento de Barcelona, con el Premio de Artes Plásticas de la Generalidad de Cataluña en 1998 y con la Cruz de Sant Jordi en 1999.

La exposición se acompaña con un amplio catálogo que recoge más de cuatrocientas imágenes y un documentado y extenso texto del comisario. Incluye también índices cronológicos y onomásticos.

martes, 23 de junio de 2015

Madrid 24 h., una exposición con las 24 mejores imágenes de un día en la vida de la ciudad.

Espacio CentroCentro Cibeles
Planta 2ª
Plaza de Cibeles 1
Del 23 de junio al 30 de agosto de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.phe.es/madrid24h - www.centrocentro.org

22.00 H. Raúl Amarú Linares. Premio del jurado a la mejor fotografía

José Tono Martínez, director de CentroCentro Cibeles; María García Yelo, directora de PHotoEspaña y Francisco Hortigüela, director de Relaciones Institucionales, Comunicación y Ciudadanía Corporativa de Samsung España, han inaugurado esta mañana en CentroCentro Cibeles Madrid 24 h. Un día en la vida de Madrid, una exposición colectiva de fotografías que nace del concurso online del mismo nombre organizado por PHotoEspaña y Samsung, con la participación del Ayuntamiento de Madrid.

Durante casi un mes, Madrid 24 h. ha invitado a todos los ciudadanos de Madrid, así como a los numerosos visitantes que cada día visitan la capital, a fotografiarla para mostrar todos los detalles, rincones, ambientes y sensaciones que la ciudad ofrece a lo largo de un día. Entre las 3.223 fotografías recibidas, un jurado formado por representantes de PHotoEspaña, Samsung y el Ayuntamiento de Madrid ha seleccionado las 26 imágenes que integran la exposición que CentroCentro Cibeles acoge hasta el próximo 30 de agosto. Además, las imágenes seleccionadas podrán verse en las pantallas ubicadas en la madrileña plaza de Callao hasta el próximo 18 de julio.

Andrés Delgado. Premio Noches de Madrid by Samsung Galaxy S6

En el acto, se han hecho públicos los nombres de los tres ganadores de los premios del concurso. El premio del jurado a la mejor fotografía ha recaído en Atasco, de Raúl Amarú Linares. En la categoría de mejor fotografía votada por el público la imagen ganadora ha sido Balón y malabares, de Charlie Cordero. Por último, Gran Actividad Nocturna, de Andrés Delgado ha obtenido el premio en la categoría “Noches de Madrid by Samsung Galaxy S6”, a la mejor fotografía nocturna.

Charlie Cordero. Ganador Premio del Público

Madrid 24 H. Un día en la vida de Madrid recoge 24 fotografías, una por cada franja horaria, realizadas por los siguientes autores: Shavkat Hoshimov (01.00, 04.00 y 05.00h.), Sergio Valencia (02.00h.), Alberto Junoy (03.00h.), Pablo Bautista (06.00h.), Victoria Adame (07.00h. y 16 h.), Maria Daniela Pulido Cendales (08.00h.), Ricardo Quesada (09.00h), Ignacio Vara (10.00h.), Goretty Gutiérrez (11.00h.), Roselino López Ruiz (12.00h), José Manuel Trujillo (13.00h.), Pilar Almenar Vara (14.00h.), Manuel Parras Segura (15.00h.), Iñaki Gil Sanz (17.00h.), Sebastián Navarrete (18.00h.), Débora Espinoza Sosa (19.00h.), Alberto Tarrero Sarrey (20.00h.), Andrés Delgado (21.00h.), Raúl Amarú Linares (22.00h.), Álvaro Calvo (23.00h.), Elena Lenguas (24.00h.).

La exposición incluye, además, las instantáneas de dos fotógrafos invitados que han trabajado con el dispositivo Samsung Galaxy S6 Edge para crear espectaculares fotografías nocturnas: Yuri Tuma y Alejandro Rincón.

En tránsito, José Manuel Negro

Galería de Arte Orfila
Calle Orfila 3
Del 25 de junio al 17 de julio de 2015.
Más información en www.galeriaorfila.com



Diversas inquietudes creativas, una gran curiosidad y capacidad de sorpresa frente a la realidad en torno, confluyen en los trabajos fotográficos de José Miguel Negro Macho. Fruto de ello es el desarrollo, en esta exposición, de una serie de imágenes dominadas por el afán trasgresor del paisaje urbano a través de la abstracción formal, presentando composiciones sobre las ciudades de Roma Berlín, Bolonia, Budapest, Bruselas, Córdoba y la Ciudad Encantada de Cuenca. En ellas, parte del plano temporal de la instantánea fotográfica, tanto del tiempo físico con sus cambios de luz y sombra, como del personal referido a la memoria. Una cartografía híbrida que, mediante el posterior tratamiento digital, deviene en lugares ficticios producto de su invención y conforma su universo personal de variaciones visuales.

lunes, 22 de junio de 2015

"De la mano", un proyecto sin precedentes en CentroCentro.

Espacio CentroCentro Cibeles
Planta 3ª
Plaza de Cibeles 1
Del 14 de julio al 25 de octubre de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.proyectodelamano.org - www.centrocentro.org - www.apsuria.org



Miquel Barceló, Pello Irazu, Jorge Galindo, Juan Ugalde, Juan Uslé, Victoria Civera, José Manuel Ballester, Jerónimo Elespe, Miki Leal, Abraham Lacalle, Secundino Hernández, y así hasta 36 de los mejores artistas de nuestro país, han participado, junto a los pacientes de la Fundación APSURIA, en el proyecto De la mano. Una iniciativa sin precedentes, ideada por la agencia Kepler22b, que cuenta con la colaboración de CentroCentro Cibeles y tiene como objetivo recaudar fondos para APSURIA.

APSURIA es una fundación que tiene como fin mejorar la calidad de vida de personas con discapacidades severas y profundas, siendo la parálisis cerebral una de las más graves. Según palabras de la responsable de APSURIA, Nuria de la Hoz, “el proyecto De la mano quiere ayudar a estos enfermos dándoles voz, haciendo posible que puedan expresarse, emocionarnos. Creemos que aunque su cuerpo sufra una parálisis, su imaginación puede llegar tan lejos como cualquier otra. Sólo necesitan un poco de ayuda”. ¿Cuál? La de los mejores artistas de este país.

Así nace De la mano, más que un proyecto, un sueño. Para hacer posible la acción, se grabaron vídeos en los que algunos pacientes de APSURIA expresaban lo que les gustaría pintar, pero que por su discapacidad no les es posible llevar a cabo. Los vídeos se enviaron a los artistas y éstos, dentro de su estilo, han hecho realidad la petición.

Para el lanzamiento del proyecto, se ha contado con un colaborador de excepción: Miquel Barceló, que creó una obra en directo bajo las indicaciones de cinco de los pacientes de la Fundación APSURIA. Desde Mallorca y retransmitido en streaming, él fue las manos y ellos la imaginación. El conjunto de las obras resultantes se expondrán en CentroCentro Cibeles de Cultura y Ciudadanía en Madrid, del 14 de julio al 25 de octubre, y se pondrán a la venta posteriormente, incluida la obra creada en directo por Barceló y los miembros de APSURIA. Esta pieza se podrá comprar de forma excepcional a través de la adquisición de píxeles en www.proyectodelamano.org. Todos los fondos recaudados irán destinados a financiar actividades de fisioterapia de los miembros de APSURIA. Todo el proyecto está documentado y disponible en dicha web.

"Desde APSURIA queremos agradecer a la agencia Kepler22b, impulsora de esta idea, a CentroCentro Cibeles por su colaboración como espacio expositivo y al patrocinio de A&G Banca Privada", explica Nuria de la Hoz.

Porque si vamos De la mano, ningún sueño es imposible...

36 artistas españoles se suman a De la mano, un proyecto solidario sin precedentes.

Miquel Barceló, Santiago Ydáñez, Jorge Galindo, Felicidad Moreno, Nacho Martín Silva, Vicky Uslé, Miren Doiz, Miguel Angel Tornero, Manuel Antonio Domínguez, Jerónimo Elespe, Philipp Fröhlich, Françoise Vanneraud, Almudena Lobera, Yann Leto, Miki Leal, Santiago Giralda, Pedro Luis Cembranos, Juan Ugalde, Belén Rodríguez González, Raúl Díaz Reyes, David Rodríguez Caballero, Carlos Aires, José Manuel Ballester, Rosana Antolí, José Luis Serzo, Secundino Hernández, Santiago Talavera, Abraham Lacalle, Simón Arrebola, Pello Irazu, Elena Alonso, Gorka Mohamed, Eugenio Ampudia, Juan Usle, Victoria Civera, Irma Álvarez-Laviada.

¡¡Prorrogada!! San Juan Bautista, niño, Miguel Ángel. Obra invitada.

Museo del Prado
Edificio Villanueva
Sala 47
Calle Ruiz de Alarcón 23 (paseo del Prado).
Del 31 de marzo al 20 de septiembre  de 2015
Más información en www.museodelprado.es

San Juan Bautista niño, Miguel Ángel.
Partes originales en mármol y reconstrucción en resina, 140 x 40 x 43 cm, ca. 1495 - 1496,
Fundación Casa Ducal de Medinaceli.


San Juan Bautista niño es la única escultura de Miguel Ángel que se conserva en España. Se trata de una obra de juventud del artista, anterior a la Piedad del Vaticano y a los frescos de la Capilla Sixtina, que fue donada por el duque de Florencia, Cosmé I de Medici, a Francisco de los Cobos, secretario del emperador Carlos V, quien la envió a España, a su villa de Sabiote, pasando a enriquecer, tras su muerte, la capilla sepulcral que mandó construir en su ciudad natal de Úbeda.

San Juan Bautista niño, Miguel Ángel.
Museo del Prado, Madrid.


Expuesta desde el siglo XVI en la capilla del Salvador de Úbeda en Jaén, fue recuperada por la bibliografía artística en 1930 como obra de Miguel Ángel. Pocos años después, en 1936, a comienzos de la Guerra Civil, sufrió graves daños que destruyeron gran parte de la misma quedando reducida a fragmentos. La Fundación Casa Ducal de Medinaceli-Sevilla, propietaria de la pieza, encargó su restauración al Opificio delle Pietre Dure (Centro de Restauración) de Florencia, un proceso que comenzó en 1994. Tras la delicada y compleja intervención, realizada con la última tecnología de reconstrucción volumétrica láser 3-D, y después de su exhibición en Florencia y Venecia, San Juan Bautista niño regresa a España para exponerse en el Museo del Prado como parte de su programa expositivo “La obra invitada”, antes de su traslado definitivo a su lugar de origen en Úbeda.

San Juan Bautista niño, Miguel Ángel.
Museo del Prado, Madrid.




Obra original
La restauración

En un acto de vandalismo cometido a comienzos de la Guerra Civil, en julio de 1936, la escultura quedó rota en pedazos y la cabeza fue quemada. Solo se pudieron recoger catorce fragmentos, el equivalente al 40% de su volumen original. El delicado y complejo proyecto de recuperación de la obra empezó en 1994 en el Centro de Restauración de Florencia (Opificio delle Pietre Dure). Se utilizaron para ello métodos novedosos, como el uso del láser para limpiar la superficie negra y abrasada de la cabeza, o la reconstrucción virtual en 3-D de la escultura completa basándose en fotografías tomadas poco antes de su destrucción. Una vez montada la estatua con los fragmentos originales de mármol, se integraron las partes perdidas, realizadas con fibra de vidrio y luego estucadas, entonadas con témpera y selladas con cera y barniz. La escultura recuperada fue presentada al público florentino en 2013.

domingo, 21 de junio de 2015

Historia de Almayso. Pasado, presente y futuro de la obra de Alfredo Mahou y Solana.

Centro Cultural Conde Duque
Calle Conde Duque 9 - 11
Del 3 al 20 de julio de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.condeduquemadrid.es - www.phe.es

Almayso. Patio de Amaniel 29 nevado, finales del s.XIX. © Fondo Almayso

Con motivo del 125 aniversario de Mahou-San Miguel, la compañía quiere compartir con el público uno de los archivos de fotografía más grandes de Europa pertenecientes a un solo estudio: el fondo fotográfico del siglo XIX de Alfredo Mahou y Solana (Almayso). Alfredo Mahou y Solana, director de la primera fábrica de cerveza Mahou situada en la madrileña calle Amaniel, desarrolló allí sus dos pasiones: la cerveza y la fotografía, utilizando la técnica de la platinotipia para el revelado. La exposición recoge una selección de algunas de las más de cinco mil placas de vidrio que componen el archivo, una joya patrimonial que tiene su origen en el estudio abierto por este fotógrafo en la fábrica del Arco Iris en 1870, veinte años antes de abrir la fábrica de cerveza. En la muestra se pueden ver, entre otras, imágenes costumbristas, teatralizaciones, paisajes y espacios de Madrid.

sábado, 20 de junio de 2015

Encuentros Arte y Ciencia.

Museo Thyssen-Bornemisza
Salón de Actos
Acceso gratuito previa inscripción
Pº del Prado 8
Miércoles 24 y viernes 26 de junio de 2015
Horario: desde las 16:00 horas
* Matrícula a partir del 15 de junio de 2015
Más información e inscripciones en  www.museothyssen.org



Encuentros Arte y Ciencia

En 1735, Alexander Baumgarten distinguió entre el conocimiento lógico o científico, y el conocimiento sensorial, propio del arte. Para el filósofo alemán, padre de la estética, mientras que el primero estaba basado en reglas universalmente válidas, el segundo reposaba en percepciones sensibles que, si bien eran claras, carecían de la evidencia de los postulados lógicos.

Pese a la distancia que separa arte y ciencia, ambas esferas de la actividad humana han mantenido estrechos contactos a lo largo de la historia. Al análisis de sus puntos en común están dedicados estos Encuentros Arte y Ciencia. En ellos se abordará el mutuo interés por los límites del universo o las dimensiones espaciales, así como las similitudes entre algunos procesos implicados en la investigación y la creación artística.

Miércoles 24

Los límites del universo: investigación y creatividad

16:00 a 16:10 Bienvenida.
16:15 a 16:45 Álvaro de Rújula
Físico teórico, CERN, Ginebra e IFT-UAM/CSIC, Madrid.
16:45 a 17:15 Michelangelo Mangano
Físico teórico, CERN, Ginebra.
17:30 a 18:00 Carlos Frenk
Catedrático de Física, director del Institute for Computational. Cosmology, Durham University, Reino Unido.
18:00 a 18:30 Antoni Muntadas
Artista, Barcelona-Nueva York.
18:30 a 19:30 Mesa redonda moderada por Elena Aprile
Catedrática de Astrofísica, Columbia. University, Nueva York.


Viernes 26

Sobre las dimensiones espaciales.

16:00 a 16:30 Mario Livio Astrofísico,
Space Telescope Science Institute, Baltimore, Estados Unidos.
16:30 a 16:45 Fabiola Gianotti
Física experimental de partículas, futura directora general del CERN, Ginebra.
16:45 a 17:15 Linda Dalrymple Henderson
Catedrática de Historia del Arte, University of Texas, Austin, Estados Unidos.
17:30 a 18:00 Lisa Randall
Catedrática de Física, Harvard University, Cambridge, Estados Unidos.
18:00 a 19:00 Mesa redonda moderada por Hitoshi Murayama
Catedrático de Física, University of Berkeley, California, y Kavli Institute for the Physics and Mathematics of the Universe, Tokio.

viernes, 19 de junio de 2015

Avance: José Hernández. El sueño anclado.

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ( RABASF ).
Sala de exposiciones temporales
Calle Alcalá 13
Del 16 de julio al 30 de agosto de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.realacademiabellasartessanfernando.com - www.jose-hernandez.com

El sueño anclado. José Hernández
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid.


Pintor, dibujante, grabador, ilustrador y escenógrafo, Hernández es considerado como uno de los grandes maestros del arte fantástico. Desarrolló una personal poética en la que proyectó un imaginario perturbador, onírico y grotesco habitado por monstruos y espectros que deambulan por misteriosos espacios.

José Hernández. El sueño anclado.
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid.


Esta exposición reúne pinturas al óleo, aguafuertes, dibujos, carteles, libros ilustrados, esculturas, ex-libris, y diseños de escenografías teatrales, conformando así una aproximación representativa al trabajo del polifacético artista.

jueves, 18 de junio de 2015

Arte y ciencia. Miradas cruzadas 11.

Museo Thyssen-Bornemisza
Planta 1ª
Paseo del Prado 8
Del 22 de junio al 27 de septiembre de 2015.
*Acceso gratuito a esta exposición
Más información en www.museothyssen.org

Jan Jansz. van der Heyden
Rincón de una biblioteca , 1711
Óleo sobre lienzo. 77 x 63,5 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Desde el Renacimiento muchos pintores han buscado en la ciencia las claves para conocer su entorno, alcanzar destreza en el ejercicio de la perspectiva y el color, o como un acicate para el desarrollo de su propia sensibilidad. Las diez pinturas reunidas en la nueva entrega de la serie , pertenecientes a las colecciones Thyssen-Bornemisza, sirven para ilustrar diversos aspectos de la relación entre arte y ciencia a lo largo de los últimos siglos. 

Henri-Edmond Cross
Playa, efecto de tarde, 1902
Óleo sobre lienzo, 54 x 65 cm.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Un primer grupo de obras está dedicado al interés que las ciencias de la naturaleza suscitaron entre los paisajistas americanos del siglo XIX; el segundo, se centra en el impacto que las teorías científicas sobre el color tuvieron en los pintores afincados en París a finales del XIX y principios del XX; y el tercero y último, muestra algunos intentos de crear dimensiones espaciales acordes con las modernas teorías geométricas, llevados a cabo por los artistas de las vanguardias. Todos ellos están precedidos por la imagen de la biblioteca como símbolo del saber y el conocimiento. 


Izq. a dcha:
Max Weber
Estación terminal "Grand Central", 1915.
y
Frantisek Kupka
Localización de móviles gráficos, 1912-1913.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

La exposición se ubica en el balcón-mirador de la primera planta, con acceso directo y gratuito desde el hall central.

La arquitectura en la Colección Rosón. Fundación RAC

Espacio CentroCentro Cibeles
Planta 4ª
Plaza de Cibeles 1
Del 1 de julio al 8 de noviembre de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.centrocentro.org - www.fundacionrac.org


Comisariado: Pía Ogea
La arquitectura de la Colección Rosón. Fundación RAC inaugura el nuevo programa dedicado al coleccionismo privado desarrollado por CentroCentro. Esta muestra descubre las características de una colección muy cercana a las inquietudes, preguntas y respuestas de la persona que ha generado la colección, en este caso, el arquitecto español Carlos Rosón, quien desde 1993 ha reunido una colección de más de 280 obras de 160 artistas contemporáneos, españoles e internacionales: Araujo Juan, Badiola Txomin, Carter Nathan, Dean Stephen o Gillick Liam, entre otros. La selección reúne 40 piezas que ilustran la bella sintonía entre el arte contemporáneo y la arquitectura.

miércoles, 17 de junio de 2015

La casa grande, de Jorge Panchoaga.

Blanca Berlín Galería
Calle Limón 28 - plaza Guardias de Corps
Hasta el 31 de julio de 2015.
Más información en jorgepanchoaga.com - www.blancaberlingaleria.com

La casa grande - Jorge Panchoaga - Blanca Berlín Galería
Fotografía © Jorge Panchoaga.

El afuera adentro Esta es la historia de un niño que quería saber más sobre su abuelo. Al pequeño Jorge Panchoaga solían contarle diferentes versiones de cómo el padre de su progenitora había emigrado del resguardo a la cuidad. Algunas rozaban lo fantástico, como la de su abuelo escapando por la ventana antes de quemaran su casa. Otras, más verosímiles, explicaban que se perdió siendo jornalero con tan sólo nueve años después de que le mandaran hacer un encargo lejano. Cuando volvió sus compañeros no estaban, entonces comenzó a vagar sin rumbo hasta que fue recogido por una familia que se lo llevó a la urbe. Así es como se constituye la primera generación mestiza de indígenas, de la familia de Panchoaga, que viven en la ciudad. En el transcurso de veinte años, el abuelo perdido vuelve a la zona de El Cauca y recupera a su madre que le daba por muerto. Desde entonces seguirá visitándola, haciendo la ruta a pie durante tres o cuatro días, aunque su hogar se haya trasladado a la ciudad. Panchoaga se crió a medio camino, viviendo en la ciudad, pero conservando muchas creencias indígenas, como no ir al médico porque se piensa que solo adivinan la salud. La atracción que sentía hacia sus raíces le llevaron a preguntarse que es lo que hubiera pasado de haber nacido allí, como su abuelo. Para averiguarlo decide realizar la misma ruta que llevo a cabo él con el fin de reencontrarse con su madre y, así, es como comienza el proyecto. El problema es que El Cauca es uno de los 32 departamentos de Colombia donde más predominan los conflictos armados. En la zona hay muchas tomas guerrilleras, circulación de armas, drogas; circunstancias que le obligaron a plantear el trabajo en capítulos. El primero son 27 retratos con audio de personas que cuentan un episodio cualquiera sobre su vida, en ellos la palabra se establece como eje de la historia y de la identidad. El segundo parte de las numerosas migraciones existentes en un área que, en el 2013, fue la primera en desplazamientos forzados dentro del país. El artista recorría la región investigando relatos de gente que se hubiese marchando del lugar y tuviese a alguien esperándole. El proceso que realizaban los escogidos consistía en escribir una carta que se grababa en voz y se mandaba a la persona ausente en un CD que contenía el audio acompañado de imágenes del entorno del emisor. Asimismo, el fotógrafo grababa a los receptores en el momento de recibir la carta. Los testimonios son verdaderas muestras de dolor frente a la distancia de un ser querido. «Todos nos encerramos y lloramos por dentro, casi hasta ahogar el corazón», revela uno de los transmisores. La tercera etapa es la que nos ocupa: La Casa Grande. En ella se hace hincapié en la unión como parte de la resistencia y en el valor de la tradición en relación a la tierra. Nacemos vinculados a un lugar que de alguna manera nos pertenece. De él extraemos nuestras primeras imágenes e impresiones, en él experimentamos con el espacio que nos rodea y establecemos las relaciones más elementales. Comenzamos a aprehender lo externo incorporándolo a lo interno. Es nuestra casa, el núcleo familiar, ese reducto generador de emociones donde se arraigan los rasgos definitorios de la identidad. Cultura y territorio se unen en la casa. Sin embargo, esto es solo un punto de partida, los desplazamientos y los nexos con las personas en seguida crecen y nos llevan a otros destinos, los cuales, al vivirlos y semantizarlos, acaban integrándose en nuestra experiencia. Este equipaje vivencial es lo que el pueblo nasa entiende como «la gran casa» que a su vez es la tierra, el universo, el todo. La cosmovisión nasa implica que cada individuo está vinculado con el mundo y con el territorio de un modo íntimo y particular. Esta es la razón por la cual el cielo tiene una presencia tan importante en la serie fotográfica, porque a cada persona le pertenece la porción de firmamento correspondiente al lugar donde nació. La experiencia personal no se puede desligar del conjunto. Todo está relacionado, la casa es el mundo. Para materializar esta bella metáfora, Panchoaga desarrolla un proceso de trabajo no menos hermoso: convertir los hogares de los retratados en cámaras oscuras y realizar la fotografía de la imagen del exterior posada sutilmente en el interior a través de la luz. De esta manera las montañas, el cielo, los árboles y, en definitiva, el cosmos, entran a formar parte literalmente de la casa. En algunas tomas los personajes y el paisaje están boca abajo y el habitáculo está al derecho, en otras ocurre al contrario. Sin embargo, todos los elementos conviven en un solo espacio íntimo, aquel que habitan, donde por extensión está incluido el afuera. El peso del territorio en la construcción de la identidad se refleja asimismo en los retratos cuyos rostros están surcados por unas líneas que se corresponden con las curvas de nivel de las montañas donde viven. Estas personas no serían las mismas si se hubieran criado en una ciudad con semáforos, son lo que son en base a su lugar de nacimiento. Conscientes de ello, otorgan una importancia crucial a su casa, en realidad, el territorio.

Nerea Ubieto - Mayo de 2015

Yannis Karpouzis, Premio Descubrimientos PHE15.

Yannis Karpouzis Premio Descubrimientos PHE15 por su trabajo La crisis paralela.

Una poderosa serie a color que retrata la transformación socioeconómica experimentada por su Grecia natal en los últimos años.

El inquietante trabajo ganador explora la fotografía y la crisis griega como factores que detienen el tiempo y la vida, en este caso, de Atenas y sus habitantes.

De la serie "La crisis paralela". © Yannis Karpouzis

Más información en www.phe.es

PHotoEspaña, a través de un jurado formado por expertos internacionales en fotografía, ha concedido el Premio Descubrimientos PHE15 al fotógrafo griego Yannis Karpouzis por su serie La crisis paralela (2010). Un trabajo en proceso que explora la fotografía y la crisis en Grecia, su país natal, como factores que detienen el tiempo. La serie muestra retratos contextualizados en el paisaje que revelan fuerza y contrastes. Personajes y lugares que consiguen trasmitir una sensación de inquietud. El Premio permitirá a Karpouzis formar parte de la programación de PHotoEspaña 2016 con una exposición individual.

El fotógrafo explica que puede entenderse como crisis (del griego κρίσις - krisis) «cualquier evento que es - o se espera que conduzca a- una situación inestable y peligrosa que afecta a un individuo, grupo, comunidad o la sociedad en general. Las crisis se consideran cambios negativos en la seguridad, económica, política, social o asuntos ambientales, a medida que ocurren repentinamente, con poca o ninguna advertencia. Más vagamente, es un término que significa ‘un tiempo de prueba’ para una ‘situación de emergencia’». «Se dice que la fotografía pasa a ser el más ingenuo de todos los medios de comunicación debido a su intención y su capacidad para inmovilizar el tiempo. Es por eso que las fotografías son normalmente bellas pero tristes. El único tiempo que la cámara puede reproducir es el tiempo muerto, es el tiempo ya pasado. En los últimos cinco años, Atenas ha cambiado dramáticamente; toda la ciudad se ha transformado en una meseta negativa, inmovilizada en el tiempo. El flujo de la vida ha cambiado para sus habitantes. El tiempo no es suyo, es un tiempo robado y ya utilizado, que recuerda al tiempo ya pasado de la fotografía. La fotografía fue inventada en el siglo XX para describir el enorme flujo de información que comenzó a definir la vida urbana moderna. Hoy en día los medios de comunicación son mucho más complejos en la representación de vida cotidiana. Sin embargo, la fotografía conserva como privilegio su mayor desventaja: el tiempo fotográfico inmovilizado y pasado es el lienzo más adecuado para visualizar nuestros momentos congelados. La fotografía llega a su destino poético cuando narra la historia de los encarcelados, de esos hombres cuyo tiempo se gastó, de los hombres inmovilizados. Recordemos de Samuel Beckett su personaje Winnie, viviendo con la mitad de su cuerpo bajo el suelo, pero que pese todo continúa moviéndose y viendo », afirma Karpouzis.

De la serie "La crisis paralela". © Yannis Karpouzis


Este porfolio fue presentado en el visionado de porfolios enmarcado dentro de la Semana Descubrimientos PHE celebrada en PIC.A Escuela Internacional Alcobendas PHotoEspaña del 1 al 6 de junio de 2015. El jurado formado por Lorenza Bravetta, fundadora del Camera Centro Italiano per la Fotografía de Turín (Italia); Gilles Favier, de imageSingulières de Sète (Francia); y Markus Hartmann, editor y comisario del Hartmann Special Projects de Stuttgart (Alemania); han elegido el trabajo ganador de entre todos los presentados en los visionados de la Semana Descubrimientos PHE de Madrid, y en aquellos realizados en Rosario y Tegucigalpa dentro del programa Trasatlántica PHotoEspaña.

Yannis Karpouzis (Atenas, 1984) se licenció en Ingeniería Técnica en la Universidad Técnica Nacional de Atenas en 2009. Su vinculación con la fotografía creativa nace en 2006 tras vivir durante seis meses en Copenhague con una beca Erasmus. En su tesis de máster investigó el papel de la fotografía moderna y el cine en la historia del arte. Ha realizado numerosos viajes por los países del norte de Europa (Noruega, Suecia, Finlandia, Alemania, Países Bajos o Austria) motivados por la realización de trabajos fotográficos y audiovisuales.

De la serie "La crisis paralela". © Yannis Karpouzis


En 2009, fue seleccionado para participar en el programa de postgrado ‘Nuevos medios - Artes Digitales’ de la Escuela de Bellas Artes de Atenas. Durante cuatro años estudió fotografía junto a los fotógrafos Nicos Dimolitsas (Greek Opera House) y Manolis Babousis (Escuela de Bellas Artes de Atenas). En 2012 consiguió la primera beca de la Nueva Escuela de Atenas para cursar un taller de cine organizado por el galardonado cineasta Athena Tsangari. Su trabajo ha sido presentado en el Magnum Professional Workshop de Londres (2015), Noorderlicht Photo Festival, Museo Contemporáneo de Telalónica, Museo Benaki, Museo de Arte Moderno de Atenas, Athens Photo Festival (2011), Energy Athens (European Center of Architecture) o la Fundación Michael Cacoyannis .

Cecilia Lutufyan, seleccionada para el Máster PHotoEspaña El Máster PHotoEspaña. Teoría y prácticas artísticas impartido por PIC.A Escuela Internacional Alcobendas PHotoEspaña, otorga dos matrículas completas gratuitas para el curso 2015-2016. Una para un participante de la Semana Descubrimientos PHE y otra a un estudiante actualmente inscrito en los Estudios Superiores de PIC.A. La fotógrafa argentina Cecilia Lutufyan, participante en el visionado de porfolios de la Semana Descubrimientos PHE ha sido seleccionada para cursar el Máster PHotoEspaña por su trabajo La viva imagen, al igual que Juan Benito Cano Cano, alumno de los estudios superiores de PIC.A.

FotoNoche 2015

Centro de Arte Alcobendas
Calle Mariano Sebastián Izulel 29
Alcobendas - Madrid
Viernes 3 de julio a las 22:30 horas
Más información en www.centrodeartealcobendas.org

Turista y cámara vetustas, Catedral de Barcelona, 1963,
Eugeni Forcano.

Fotonoche pretende la difusión y promoción de la fotografía y de la colección del Centro de Arte Alcobendas. Aprovechando la llegada del verano la muestra fotográfica consiste en una proyección al aire libre en la que se puede contemplar la obra tanto de artistas consagrados como de fotógrafos noveles. Una buena oportunidad para compartir con amigos, profesionales y aficionados una noche mágica.

Magdalena Correa - Eugeni Forcano - Jorge Fuembuena - Pierre Gonnord - Antonio Olazábal - Rafael Roa - Miguel Ángel Tornero - Virxilio Vieitez.

Seleccionados PIC.A:Manuel Capón - Iván Clemente - Sergio García Díaz - Sonia Rojas - Alberto Rosa

martes, 16 de junio de 2015

Does Yellow Run Forever?, de Paul Graham.

Galería Elba Benítez
Calle San Lorenzo 11
Del 16 de junio al 31 de julio de 2015
Más información en www.elbabenitez.com - www.paulgrahamarchive.com - www.phe.es

Paul Graham, Senami, Shambhala, NZ, 2011. Cortesía del artista, de la Galería Elba Benítez (Madrid) y de Carlier Gebauer (Berlin) © Paul Graham

“En la penumbra, el oro reúne la luz en su contra”. Cantos, Ezra Pound

Does Yellow Run Forever? La pregunta parece coherente desde un punto de vista gramatical y a la vez no tiene sentido. Si tratamos de aprehenderla, su significado se escurre; si la tomamos sencillamente por lo que es nos encontramos en presencia de un pensamiento que es tan poético como quejumbroso. En tanto pregunta en sentido estricto no funciona del todo pero, en cualquier caso, “funciona” en el sentido de que, como un kōan, pertenece a un ámbito interrogativo en el que las respuestas concretas podrían, de hecho, no ser una respuesta en absoluto. Con esta frase1 evocadora, como título, el proyecto más reciente de Paul Graham nos presenta una meditación delicada y lírica de un tipo que a menudo se considera más allá del alcance del medio fotográfico.

En el nivel más básico y enumerativo, Does Yellow Run Forever? consiste en tres series fotográficas entretejidas: fotografías de arcoíris, fotografías de una mujer durmiendo y fotografías de las casas de empeño donde se compra oro. Cada una de estas series es estrechamente independiente, aunque su alcance total combinado es muy amplio: los arcoíris se fotografiaron todos en Irlanda; la mujer durmiendo (la compañera de Graham) se fotografió en diversos hostales de Nueva Zelanda y las casas de empeño de oro se fotografiaron en la ciudad de Nueva York durante la reciente crisis económica. De manera similar, a pesar de lo ostensiblemente limitado del tema, Does Yellow Run Forever? cubre una notable gama emocional y artística que es lo bastante amplia como para abarcar el retrato delicado, el virtuosismo técnico y la crítica social. Y, cuando se entrelazan juntos, los componentes de las tres series resuenan con ecos y acordes que interseccionan: la mujer que duerme, que tal vez sueña, engalanada en un arco de sábanas de brillantes colores; los espectros de los arcoíris abovedando cielos inmensos, por donde galopan las nubes, cada uno de ellos con su legendario caldero de oro".

en el extremo final; y el fin de los sueños (incluido el legendario sueño “americano”) de las tiendas de empeño, con sus carteles amarillo-chillón que ofrecen “dinero en efectivo a cambio de oro”. Casi toda la obra de Graham contiene un elemento muy consciente de reflexión sobre la propia fotografía, una reflexión que implica no solo un desafío de las constricciones técnicas sino también de las convenciones tan firmemente establecidas del medio fotográfico. Por tanto en Does Yellow Run Forever? (que, como la mayoría de los proyectos fotográficos de Graham, también ha adoptado la forma de un libro exquisitamente realizado) el artista ha empleado motivos vulgares y populares, cuando no directamente banales, que raras veces se encuentran en el vocabulario de la fotografía artística y, aún así, combinando estos, ha conseguido llegar, como por procedimientos alquímicos, a un producto terminado que es cualquier cosa menos común. Y al mismo tiempo y tal vez de manera aún más ambiciosa, en Does Yellow Run Forever? Graham dirige los mecanismos fundamentalmente documentales de la cámara hacia aquello que yace tras la documentación física, hacia lo que es literalmente intangible, hacia lo que existe solo (y allí, solo fugazmente) en los corazones y las mentes de los amantes y de los soñadores, en un intento audaz de tejer una imagen, como un arcoíris, con las hebras del aire.

Paul Graham (Reino Unido, 1956) ha tenido más de 80 exposiciones en solitario en los últimos treinta y cinco años, entre ellas en el Museum of Modern Art MoMA (Nueva York), la Tate Gallery (Londres), la Fundación Botín (Santander), la Whitechapel Gallery (Londres) y el Fotomuseum Winterthur (Zúrich). En 2012 recibió el Hasselblad Award y su libro a shimmer of possibility fue premiado con el Paris Photo Book Prize al mejor libro de fotografía de los quince años anteriores. La exposición Does Yellow Run Forever? en la Galería Elba Benítez forma parte del Festival Off de PHotoEspaña 2015.

George Stolz

lunes, 15 de junio de 2015

Premios PHotoEspaña a los Mejores libros de fotografía del año.

Illustrated people, de Thomas Mailaender; Everybody needs good neighbours, de Arnau Blanch; y Pain, de Toni Amengual, Premios PHotoEspaña al mejor libro de fotografía del año.

- PHotoEspaña premia anualmente los libros de fotografía más destacados en categoría internacional, nacional, libro autoeditado y editorial destacada del año.

- El jurado del Premio, formado por el Director de Cultura y Relaciones Institucionales de la Biblioteca Nacional de España, Carlos Alberdi; la fotógrafa Ana Casas Broda y el comisario y miembro del colectivo La Silueta, Andrés Fresneda, ha otorgado cuatro premios y una mención de honor.

- El Premio al Mejor libro en categoría internacional es para Illustrated People, de Thomas Mailaender, editado por RVB BOOKS y Archive of Modern Conflict.

- El Mejor libro en categoría nacional es Everybody Needs Good Neighbours, de Arnau Blanch, editado por RM y La Caixa.

- La mención especial del jurado ha correspondido a Salitre (ed. Juan Valbuena) publicado por PHREE. 

- El Mejor libro autoeditado del año es PAIN, de Toni Amengual, y la editorial destacada del año es AMC Archive of the Modern Conflict.

- Los libros premiados y finalistas pueden verse en la exposición Los mejores libros de fotografía del año que acoge la Biblioteca Nacional de España hasta el 30 de agosto.

Más información: www.phe.es

'Illustrated People' de Thomas Mailaender, editado por RVB Books y Archive of Modern Conflict. Premio PHotoEspaña al mejor libro de fotografía del año en categoría internacional.

Desde su primera edición, PHotoEspaña reconoce la excepcional labor de la edición en la promoción de la fotografía a través de los Premios al mejor libro de fotografía del año. Un jurado formado por el Director Cultural y de Relaciones Institucionales de la Biblioteca Nacional de España, Carlos Alberdi, la fotógrafa Ana Casas Broda y el comisario y miembro del colectivo La Silueta, Andrés Fresneda, han concedido cuatro premios y una mención de Honor.

El Premio al mejor libro de fotografía del año en categoría internacional ha correspondido a Illustrated People de Thomas Mailaender, editado por RVB Books y Archive of Modern Conflict. Illustrated People es la traslación en forma de libro de una performancede Thomas Mailaender. El artista francés pegó en la piel de 23 modelos sendos negativos originales escogidos del Archive of Modern Conflict (AMC). Posteriormente, los expuso a una potente lámpara de luz ultravioleta con la que consiguió que las imágenes se revelasen sobre la piel de los modelos. El libro recoge las fotografías, realizadas antes de que la luz del sol hiciese desaparecer las imágenes, junto con documentos fotográficos de la colección del AMC.

'Everybody Needs Good Neighbours', de Arnau Blanch, editado por RM y La Caixa. Premio PHotoEspaña al Mejor libro de fotografía del año en categoría nacional.


El Premio al mejor libro de fotografía del año en categoría nacional ha correspondido a Everybody Needs Good Neighbours, de Arnau Blanch, editado por RM y La Caixa. Este proyecto fotográfico parte de un territorio concreto, el pueblo natal del autor: Vilobí d’Onyar. Este municipio, de unos tres mil habitantes, está ubicado en un espacio de confluencia de infraestructuras de transporte. Si bien aparenta ser un pueblo cualquiera de la geografía catalana, su condición de “tierra de nadie”, rodeada de infraestructuras, lo convierte en un territorio desmembrado. El fotógrafo propone abordar un territorio concreto propio, a través de escrutar en lo conocido la novedad y la sorpresa, y explorar el espacio transitado y las personas que lo habitan.

El Premio al mejor libro de fotografía autoeditado del año ha correspondido a PAIN, deToni Amengual. El primer libro de Amengual es un retrato coral de la crisis y los recortes sociales en España a través de fotografías tomadas con la cámara de una blackberry entre 2010 y 2012. El libro se presenta dos años después, en 2014, cuando los políticos y medios de comunicación transmiten un mensaje optimista de recuperación. A pesar de estos mensajes, las imágenes de la población que sufre en las calles que presenta siguen siendo tan actuales como cuando fueron tomadas. El volumen se compone de 120 fotografías encuadernadas en 240 páginas y dobladas al estilo japonés, lo que exige rasgar las páginas para poder verlas.

'PAIN', de Toni Amengual. Premio PHotoEspaña al mejor libro autoeditado del año.


El jurado ha otorgado una mención especial a Salitre, (ed. Juan Valbuena), publicado por PHREE. Este proyecto incluye 12+1 libros: doce de ellos hechos por cada uno de los habitantes de una casa patera usando sus fotografías, dibujos, palabras y documentos a los que se añade un libro número trece que contextualiza el proyecto con textos e imágenes que Juan Valbuena realizó exclusivamente en el interior de la casa-patera hasta su desalojo.

El Premio a la editorial destacada del año ha correspondido a AMC- Archive of Modern Conflict. AMC es una organización y editorial independiente con sede en Londres fundada en 1990 que posee un amplio archivo material relacionado con la historia de la guerra que cubre los siglos XIX y XX, compuesto en su mayoría por material fotográfico pero que también contiene manuscritos y objetos.

La convocatoria de los Premios al mejor libro de fotografía del año ha recibido 412 propuestas editoriales –entre ellas, diversos libros autoeditados– publicadas en el último año procedentes de 23 países: Alemania, Argentina, Austria, Brasil, Chile, España, Estados Unidos, Francia, Grecia, Holanda, Italia, Japón, Lituania, México, Perú, Polonia, Portugal, Reino Unido, Rusia, Suecia, Suiza, Ucrania y Venezuela.

Los libros ganadores, junto a una amplia selección de volúmenes participantes en la convocatoria hasta sumar un total de 127, pueden verse hasta el 30 de agosto en la exposición Los mejores libros de fotografía del año que acoge la Biblioteca Nacional de España. Un repaso a las últimas tendencias en el campo de la edición de libros de fotografía que da a conocer desde fotógrafos históricos a propuestas artísticas contemporáneas, mostrando los libros como una obra más del artista, teniendo en cuenta diferentes aspectos del resultado final, tales como la secuencia de imágenes, el diseño gráfico, el formato y el material elegido.

domingo, 14 de junio de 2015

Simón Zabell. Dibujo y traducción. Conexiones 09.

Museo ABC de Dibujo e Ilustración
Calle Amaniel 29-31
Hasta el 30 de agosto de 2015.
Más información en museo.abc.es - www.simonzabell.com

Simón Zabell. Dibujo y traducción.
Museo ABC, Madrid.

Desde el programa Conexiones se invita a artistas vinculados al dibujo a desarrollar un trabajo específico para este museo tomando como punto de partida dos obras escogidas de entre los fondos de la Colección ABC y la Colección Banco Santander. A partir de su elección, se enfrentan al reto, asumido con absoluta libertad creativa, de revelar esas relaciones o conexiones inesperadas que dan nombre al proyecto.

Simón Zabell. Dibujo y traducción.
Museo ABC, Madrid.

En esta ocasión, el protagonista es Simon Zabell (Málaga, 1970), quien ha desarrollado un proyecto que tiene como punto de inicio la pregunta «¿Qué significa el dibujo?», tanto en su producción como en su método de trabajo. Esta disciplina, pues, será el punto de partida y la meta de la exposición. Entre medias, el espectador asistirá a las sucesivas evoluciones que sufre el elemento gráfico tradicional (la línea) hasta transformarse en pintura (color), escultura (volumen) e instalación (ocupación completa del espacio).

Simón Zabell. Dibujo y traducción.
Museo ABC, Madrid.

En Dibujo y traducción se puede contemplar el óleo de Guillermo Pérez Villalta, El ámbito del pensamiento (1989) de la Colección Banco Santander, junto al boceto de esta pieza, que ha prestado el propio artista. Boceto y cuadro conviven con los múltiples homenajes del mismo título que Simon Zabell ha realizado para ambas obras en papel, esculturas e instalaciones lumínicas, y se completan con una serie de dibujos de la Colección ABC que se utilizaron para la confección de las portadas de la revista Blanco y Negro. Esta selección compone una suerte de carta de color a modo de juego de rebotes entre el dibujo, la pintura y la luz que son los elementos principales en la obra de Zabell.