lunes, 30 de noviembre de 2015

C215, "Sobre todo los objetos".

Alliance Française
Cuesta de Santo Domingo 13
Hasta el 21 de diembre de 2015.
Más información en www.c215.frwww.alliancefrancaise.es

"Sobre todo los objetos", de C215.
Alliance Française, Madrid.


"Sobre todo, los objetos", compuesta por diferentes obras del artista urbano parisino C215.

"Sobre todo los objetos", de C215.
Alliance Française, Madrid.

La exposición, comisariada por Mario Martín Pareja y que se presenta en la Alliance Française de Madrid, reúne cerca de treinta de obras del autor recogidas en todo tipo de objetos y soportes callejeros comunes que se pueden encontrar en una ciudad.

"Sobre todo los objetos", de C215.
Alliance Française, Madrid.

C215 elige pintar sobre estas zonas sin vida, degradadas, para embellecer los barrios y calles por los que pasa. El artista retrata sobre todo a personas olvidadas por la sociedad y que, según él, necesitan de nuestra atención, como mendigos, personas sin hogar y refugiados. Ha creado también ilustraciones de protesta política.

Os dejo algunas fotografías de sus obras en las calles de Madrid:








Obra invitada: Strangers in the Night de Joana Vasconcelos.

Museo Thyssen-Bornemisza
Planta baja - Colección permanente
Sala 48
Hasta el 24 de enero de 2016.
Más información en joanavasconcelos.com - www.museothyssen.org

Strangers in the Night de Joana Vasconcelos.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

En el marco de la XIII Mostra Portuguesa -la gran cita de la cultura lusa en nuestro país, organizada por la Embajada de Portugal y el Camões-Instituto da Cooperação e da Língua-, el Museo Thyssen presenta en la sala 48 de la colección permanente la instalación Strangers in the Night (2000), de la artista Joana Vasconcelos (París, 1971), obra perteneciente a la Colección de Arte de la Fundação EDP que patrocina esta instalación.

Strangers in the Night de Joana Vasconcelos.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Las esculturas e instalaciones de Vasconcelos revelan un sorprendente sentido de la escala y dominio del color. En ellas utiliza elementos corrientes de la vida diaria hasta convertirlos en gigantescos objetos de culto, y recurre tanto a la performance como al vídeo y la fotografía. Partiendo de estas ingeniosas transformaciones, reminiscencias de los ready-made u objetos encontrados y del lenguaje del nouveau realisme y el pop, la artista ofrece una visión cómplice, pero simultáneamente crítica, de la sociedad contemporánea. Se interesa especialmente por la situación de la mujer, las distinciones de clase o las identidades nacionales, teniendo en cuenta en la materialización de estas ideas las dicotomías entre lo artesanal y lo industrial, lo privado y lo público, la tradición y la modernidad o la cultura popular y la cultura erudita.

Strangers in the Night de Joana Vasconcelos.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Joana Vasconcelos vive y trabaja en Lisboa y expone regularmente desde mediados de la década de 1990. El reconocimiento internacional de su trabajo se incrementó con la participación en la Biennale di Venezia de 2005. Momentos relevantes en su carrera reciente incluyen el proyecto Trafaria Praia, Pabellón de Portugal en la Biennale di Venezia de 2013; la individual en el Chateau de Versailles, Francia (2012); la participación en la colectiva The World Belongs to You, en el Palazzo Grassi / François Pinaud Foundation, Venecia (2011), y su primera retrospectiva presentada en el Museo Coleção Berardo, en Lisboa (2010).

domingo, 29 de noviembre de 2015

Avance: Marina Núñez "El fuego de la visión".

Sala de Exposiciones Alcalá 31 Comunidad de Madrid
Calle Alcalá 31
Del 17 de diciembre de 2015 al 27 de marzo de 2016.
Más información en www.marinanunez.net - www.madrid.org



Sala Alcalá 31. Del 17 de diciembre al 27 de marzo de 2016. Marina Núñez. El fuego de la visión, supone una revisión general del trabajo de la artista, que hasta ahora sólo ha podido verse de manera más reducida en las sucesivas muestras singulares que ha ido presentando a lo largo de más de veinte años de trayectoria profesional. Ha sido realizada con la colaboración de Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo.


"Infierno", 2012. Marina Núñez

Entre los artistas de una consolidada madurez, que viven y trabajan en España destaca Marina Núñez (Palencia, 1966), cuya obra aborda con gran originalidad aspectos característicos de la compleja realidad de nuestro tiempo. En palabras del comisario, José Jiménez, su trabajo permite apreciar los nuevos destellos del yo y la singularidad en esta época de agudas transformaciones. Metamorfosis, multiplicidad y reverberación de la imagen, que circula como un cuerpo astral fundiendo lo humano: su rastro, sus huellas, con la tecnología que cada vez habita más dentro de nosotros, ciborgs todos, en último término.

"Fluye la carne", 2015, fotograma. Marina Núñez.

La muestra se articula sobre un eje conceptual y poético, que se expresa en su título, El fuego de la visión. En él se sintetizan dos componentes claves para comprender el trabajo de esta artista:

- el fuego, imagen de la pasión en la que se desenvuelven las relaciones humanas, cambiantes, dinámicas, y a la vez atravesadas por la luz más intensa; - y la visión, cifra de la mirada, de los ojos que cobran vida propia, transposición del flujo que transita de la vida al arte: ver es vivir, ver es amar, ver es mirar arte.

"Sin título (ciencia ficción)", 2014. Marina Núñez.

En torno a ese eje se presentan 56 obras, realizadas con diversas técnicas y soportes: pinturas, imágenes digitales y vídeo-instalaciones, que en su variedad permiten apreciar la dimensión multimedia que caracteriza el arte actual, y el conjunto de la obra de Marina Núñez. De un modo especial, cabe destacar la presentación de una obra de nueva producción: una gran vídeo-instalación en 9 pantallas preparada específicamente para esta exposición, y que lleva el mismo título que la muestra: El fuego de la visión (2015).

sábado, 28 de noviembre de 2015

Quiero cinco sentidos / Give Me Five. Fotografías de Ana Cruz.

Espacio Cultural Cambio de Sentido
Fundación ONCE
Calle Sebastián Herrera 15
Del 3 de diciembre de 2015 al 12 de febrero de 2016.
Más información en www.anacruz.es - www.fundaciononce.es - www.treachercollins.es



La Asociación Nacional Síndrome de Treacher Collins presenta el próximo miércoles, 2 de diciembre, víspera del Día Internacional de las Personas con Discapacidad, la exposición fotográfica divulgativa y solidaria 'Quiero cinco sentidos/Give me five senses', sobre personas que tienen el Síndrome de Treacher Collins, una malformación craneoencefálica rara, congénita, discapacitante e incurable que afecta a dos de cada 100.000 nacimientos y cuya causa es una mutación genética del cromosoma 5 (treacle) que afecta al desarrollo facial.

La presentación tendrá lugar a las 11.30 horas en la Sala Cambio de Sentido de Fundación ONCE en Madrid y contará con la participación de la presidenta de la Asociación Nacional Síndrome de Treacher Collins (ANSTC), Marisa Gil; la periodista de la agencia Servimedia Vicky Bendito, afectada por esta enfermedad, y la autora de las fotografías, Ana Cruz, Premio Lux de fotografía 2010-en la categoría de retrato infantil- y 2013 -en la categoría de fotografía documental infantil-.

La exposición, que se ha exhibido ya en Pamplona, León, Murcia y Valencia, está compuesta de 23 fotografías que tratan de reflejar con optimismo que las personas con el Síndrome de Treacher Collins son como los demás y que les gustaría disfrutar plenamente de la vida con los cinco sentidos.

Quienes tienen esta enfermedad rara nacen sin pómulos, con microtia (es decir, sin una o ambas orejas), la mandíbula no les crece, tienen la faringe muy estrecha y en ocasiones también nacen con el paladar abierto, lo que les confiere un rostro muy característico y les ocasiona diversos problemas oculares (sequedad y úlceras en la córnea), auditivos (sordera), digestivos (no pueden comer bien) y respiratorios (apneas), entre otros. Básicamente afecta a 4 de los cinco sentidos, de ahí el título de la campaña.

viernes, 27 de noviembre de 2015

Trashumancias.15 Encuentros Interdisciplinares.

Espacio CentroCentro Cibeles
Sala Jorge Berlanga
Del 30 de noviembre al 11 de diciembre de 2015.
Entrada libre hasta completar aforo.
Más información en www.sulponticello.com/trashumancias-15 - www.centrocentro.org



TRASHUMANCIAS.15: una nueva propuesta de diálogo entre disciplinas artísticas.

El próximo lunes, 30 de noviembre, se inaugura en CentroCentro la primera edición de TRASHUMANCIAS Encuentros Interdisciplinares, un ciclo de actividades que se propone debatir sobre el compromiso en el arte, partiendo de la figura de Luigi Nono en el 25 aniversario de su muerte.

Se trata de una iniciativa que, partiendo de la música, quiere reunir a diferentes disciplinas en distintos formatos –charlas, conciertos, debates–, con la intención de plantear la pregunta sobre el lugar que la creación artística ha de buscar ante el nuevo mundo que se está construyendo.

La apertura de TRASHUMANCIAS.15 tendrá lugar en la Sala Jorge Berlanga, a las 19:30 horas, con la charla-concierto No hay caminos, hay que caminar del fotógrafo Eduardo Momeñe en torno al cineasta ruso Andréi Tarkovski, uno de los artistas más admirados por el compositor Luigi Nono. La propuesta terminará con una improvisación de Chefa Alonso (percusión) y Jorge Frías (contrabajo) sobre la proyección de una secuencia de la película Nostalgia.

El mismo espacio acogerá el cierre del ciclo el viernes 11 de diciembre a las 19:30 horas. Será con una actividad realizada en colaboración con el Festival Punto de Encuentro, en la que se plantea un debate entre el artista sonoro Alberto Bernal y el improvisador y saxofonista Josep Lluís Galiana, moderado por el también artista sonoro y conductor del programa Ars Sonora de Radio Clásica (RNE), Miguel Álvarez-Fernández. Bajo el título “Utopías sonoras”, los intervinientes abordarán la noción de compromiso en la música actual y el arte sonoro. Una pieza-performance de Bernal y una improvisación de Galiana pondrán el colofón a estos Encuentros Interdisciplinares.

Otras propuestas del ciclo
Además de las actividades programadas en CentroCentro, el ciclo completa su programación en otros dos espacios. El 1 de diciembre en el Palacio Bauer (Escuela Superior de Canto de Madrid), a las 19:30 horas, bajo el título Entre los fragmentos, silencio, el historiador Enrique Gavilán y el musicólogo y crítico Stefano Russomanno propondrán dos perspectivas diferentes de Luigi Nono.

El jueves 3 a la misma hora, en la Sala Manuel de Falla de la SGAE, tendrá lugar la charla-concierto La tierra y el camino. El poeta y crítico Miguel Casado y la filóloga Aurora Conde hablarán sobre Cesare Pavese y Antonio Machado, una charla que finalizará con la interpretación por Sergio Rey de una pieza de Nono para tuba y electrónica.

También en la sede de la SGAE, el miércoles 9 tendrá lugar la mesa redonda y lectura 4 poéticas sobre el compromiso en la literatura actual, con la intervención de los poetas Ernesto García López, José Luis Gómez Toré, Amalia Iglesias y Ana Pérez Cañamares, moderados por la también poeta Pilar Martín Gila.

El jueves 10, a las 19:45 horas, en el teatro del Palacio Bauer, se celebrará un concierto titulado Madrigal, lamento, silencio…, que establece un diálogo entre la música antigua y la de nuestro tiempo, con obras de Carlo Gesualdo, Claudio Monteverdi, Luigi Nono y Alberto Posadas, con la interpretación de Julián Elvira (flautas) y el grupo vocal In Hora Sexta, dirigido por Alejandro Moreno.

TRASHUMANCIAS.15 es una iniciativa de la revista online Sul Ponticello en colaboración con el Departamento de Musicología de la Universidad Complutense de Madrid y el Seminario Permanente de Estética y Teoría de las Artes de la Universidad de Sevilla.

jueves, 26 de noviembre de 2015

"Matriz y Múltiple". Jaume Plensa.

Museo Casa de la Moneda
Calle Doctor Esquerdo 36
Del 26 de noviembre de 2015 al 3 de marzo de 2016.
Entrada gratuita
Más información en jaumeplensa.com - www.museocasadelamoneda.es



La muestra diseñada por Jaume Plensa, como ganador del premio Tomás Francisco Prieto 2014, ofrece al espectador un repaso de todo su trabajo dentro de la obra gráfica y del múltiple en los últimos años, ampliándose la perspectiva con una serie de piezas de fechas anteriores de especial relevancia dentro de su trayectoria.

Por otra parte, en sintonía con la poética de Plensa, propone una lectura de la idea de individualidad (cuerpo, retrato, sujeto) en relación con la universalidad (comunidad, sociedad, tipos), bajo la metáfora que nos ofrece desde el mundo del grabado y la estampación el concepto de "matriz".

Avance: Juan Giralt

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía MNCARS
Edificio Sabatini
Planta 4
Del 2 de diciembre de 2015 al 29 de febrero de 2016.
Más información en www.museoreinasofia.es

Juan Giralt. Zumo de limón, 2006. Acrílico y collage sobre lienzo. Colección particular. Imagen: Juan Giralt Ortiz, VEGAP, Madrid, 2015

Comisariado: Carmen Jiménez y Manuel Borja-Villel

Juan Giralt - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

El Reina Sofía presenta la primera retrospectiva dedicada al artista Juan Giralt (Madrid, 1940-2007) en un Museo Nacional. Giralt se inició de forma autodidacta en el informalismo de los años 50, y su trabajo se extendió hasta los primeros años del siglo XXI, con algún paréntesis creativo debido a diferentes crisis personales. La exposición que exhibe ahora el Museo reúne más de 90 obras que reflejan dos períodos especialmente fecundos: por un lado, la década de los setenta, representada a través de una selección de pinturas y de obra en papel que muestra una secuencia de su progresivo abandono del informalismo y que anticipan sus indagaciones posteriores en torno a la figuración y la abstracción. Por otro, su último período, desde el año 1990 hasta su fallecimiento en 2007.

Juan Giralt - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.


Juan Giralt - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.


Juan Giralt - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.


Juan Giralt - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.


Juan Giralt - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Hombre inquieto y curioso, una breve estancia en Holanda a finales de los 50 le permitió entrar en contacto con el grupo CoBrA y empezar a definir un lenguaje pictórico más personal y permeable a una nueva interpretación de la figuración, que caracterizó su obra en las décadas de los setenta y ochenta y le convirtió en uno de los principales referentes de la Nueva figuración madrileña. En los siguientes años, y hasta su muerte, fue incorporando paulatinamente la abstracción, sin nunca abandonar del todo el elemento figurativo, presente en el constante uso del collage y de la palabra pintada.

miércoles, 25 de noviembre de 2015

PHotoBolsillo y Archivo de Fotografía Urbana descubren la obra de fotógrafos venezolanos.

La Colección PHotoBolsillo lanzó en 2010 sus primeros volúmenes dedicados a fotógrafos internacionales, creando la Biblioteca de Fotógrafos Latinoamericanos PHotoBolsillo. Cinco años después la colección inicia una colaboración con el Archivo Fotografía Urbana, institución dedicada a la conservación, difusión e investigación de los distintos tiempos de la memoria urbana a través de la fotografía y otros soportes afines, con sede en Caracas, para dar a conocer y promocionar la obra de diferentes fotógrafos venezolanos.

Desireé Rolando. Miss Venezuela,1973. © Tito Caula

El autor elegido para iniciar esta colaboración es el fotógrafo argentino radicado en Venezuela Tito Caula (Argentina, 1926 - Venezuela, 1978) quien se inició en la fotografía como fotógrafo de cámara fija dentro de la industria cinematográfica. En 1960, cuando emigró junto a su familia a Venezuela, comenzó su labor como fotógrafo publicitario y documentalista. Rama, la de la fotografía publicitaria, a la que terminaría dedicándose más exhaustivamente, fundando en 1967 un estudio de fotografía, Artyphot, junto a su mujer Amparo Quinteiro.

El nuevo ejemplar de la Biblioteca de fotógrafos latinoamericanos reúne 63 fotografías en blanco y negro que recorren la trayectoria de Tito Caula desde el año 1945 hasta su muerte en 1978.

Luis Miquilena y Vidalina Bártoli, en el Congreso. Caracas, ca. 1960. © Tito Caula

En palabras de la docente, ensayista y curadora Lorena González y el fotógrafo, artista, editor y curador Vasco Szinetar, quienes prologan el libro, el archivo de Caula «remite a una mirada profunda sobre el curso prolífico de lo humano, incluyendo un sumario revelador que despliega la apuesta personal emprendida por el fotógrafo una vez concluido el trabajo solicitado por otro. De este modo, a través de dos territorios unidos en un mismo archivo (la fotografía por encargo y la desarrollada por la propia intención), se inauguró en su producción el enclave de distintos periplos interconectados por el ejercicio diario de la toma».

Teodoro Petkoff © Tito Caula

El fotógrafo argentino dibujó con su cámara el panorama social y político de la Venezuela del momento. Reflejó desde sucesos destacados de la vida cotidiana del país, a conflictos y manifestaciones de la naciente democracia venezolana. Sus imágenes sirvieron de crónica periodística, pero también de crónica urbana pues no faltan en su producción imágenes de la propia ciudad, de sus autopistas, construcciones y edificaciones.

Jorge Luis Borges, 1978. © Tito Caula

Es en estas donde «la experimentación de técnicas y formatos novedosos enlazan el curso de un registro casi cinematográfico que se hilvana con el contrapunto narrativo de los diferentes niveles de lectura que hay en sus composiciones».

«Tito Caula siempre abordó los temas con un aparente tono menor. Sin invadir con la cámara fue capaz de captar las miradas de los personajes en su intimidad urbana. No buscó el efecto inmediato sino más bien la sorpresa de los protagonistas en un silencio activo. Así surgieron las elipsis y los bullicios del Yo frente al entorno, en sus propiedades y deterioros, en sus miserias y grandezas; un movimiento tan trascendente como efímero que hace del archivo de Caula el registro inagotable de una fotografía entendida como pulso y forma de vida».

Más información: www.lafabrica.com

martes, 24 de noviembre de 2015

Lágrimas Negras

Espacio Promoción del Arte Tabacalera
Sala Estudios
Calle Embajadores 51
Del 26 de noviembre al 8 de diciembre de 2015.
*Inauguración miércoles 25 a las 19:00 horas
Entrada gratuita
Más información en www.promociondelarte.com



Con motivo de la celebración del Día Internacional contra la Violencia de Género el próximo 25 de noviembre, Promoción del Arte presenta en Tabacalera Lágrimas Negras. Un proyecto ideado por la artista Alejandra Corral (Kuska), que surge como una investigación sobre la utilización del Arte como un instrumento de transformación social que, en este caso, se centra en la lucha contra la trata de mujeres, la llamada esclavitud del siglo XXI, una de las peores expresiones de violencia de género.

Lágrimas negras - Sala Ideas.
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.

Lo que podremos ver expuesto en el espacio Estudios de Tabacalera, del 25 de noviembre al 8 de diciembre de 2015, es un inmenso tapiz de 2 x 14 metros, una obra de arte resultante de la creación colectiva, que ha implicado la participación de 2.245 mujeres de 46 países. El tapiz está formado por una pieza central (90 x 90cm) que representa a una mujer acostada sobre una banqueta, a la que se le ha parado el corazón de dolor. A esta pieza, se han añadido 1.962 pequeños tapices confeccionados por las distintas mujeres que han participado en el proyecto. Dichas piezas representan las “lágrimas vertidas por las mujeres, cuyos derechos humanos se violan a diario”.

Lágrimas negras - Sala Ideas.
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.

El tapiz Lágrimas Negras se expuso completo por primera vez en junio de 2014, en el Campus María Zambrano de la Universidad de Valladolid, en Segovia. Desde entonces se ha mostrado en varias sedes tanto nacionales como internacionales.

Lágrimas negras - Sala Ideas.
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.

Lágrimas Negras es uno de los proyectos socio-artísticos en los que ha participado un mayor número de mujeres en todo el mundo además de ser uno de los primeros ejemplos de Community Art en nuestro país.


Lágrimas negras - Sala Ideas.
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.


De forma paralela y como parte del proyecto se ha puesto en marcha, a través de la plataforma de crowdfunding solidario migranodearena.org, la recaudación de fondos que serán destinados íntegramente a dos ONG que ofrecen apoyo integral para mujeres víctimas de la trata: Proyecto Esperanza en Madrid y la Fundación Amaranta en la India, ambas implicadas en el proyecto desde sus inicios.

Cleopatra y la fascinación de Egipto.

Centro de Exposiciones Arte Canal
Pº de la Castellana 214
Del 3 de diciembre de 2015 al 8 de mayo de 2016.
Más información en www.artecanal.es - www.exposicioncleopatra.es


El Centro de Exposiciones Arte Canal presenta una gran exposición dedicada a la figura de la última reina de Egipto, Cleopatra. En ella se podrán admirar más de 400 piezas de 80 museos y colecciones españolas e internacionales, algunas procedentes de yacimientos arqueológicos de Egipto, Pompeya, Roma y la Hispania romana.

Cerca de 2000 metros cuadrados albergarán diversos objetos que acercarán al público la vida de uno de los personajes femeninos más fascinantes de la Historia. Entre ellos, un busto de la reina tallado en alabastro o un anillo de vidrio con forma de escarabajo procedentes de Egipto de los siglos II y I antes de Cristo, así como los trajes que lució Elizabeth Taylor en la película Cleopatra, rodada en 1963 bajo la dirección de Joseph L. Mankiewicz.

John William Waterhouse.
Cleopatra, 1888.
A través de cuatro audiovisuales situados a lo largo del recorrido, los visitantes podrán sumergirse en el interior de un templo egipcio en el momento de la muerte de Cleopatra, en una pinacoteca o entre las bambalinas de un teatro.

Giampietrino, Cleopatra, 1524-26

La muestra presentará a Cleopatra desde diversos puntos de vista: como reina de Egipto, como amante de Marco Antonio o enemiga del futuro emperador Cesar Augusto. Abarcará períodos históricos de gran interés, como el antiguo Egipto de la época ptolemaica y como provincia romana, el paso de la Roma tardorrepublicana a la etapa imperial y la influencia egipcia en la Península Ibérica a través de los fenicios y romanos.

Además se prestará atención a las representaciones de la reina egipcia en las artes plásticas desde el Renacimiento hasta el siglo XIX y también en las artes escénicas, como en el cine.

lunes, 23 de noviembre de 2015

Wildlife Photographer of the Year.

Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid COAM
Espacio LASEDE
Calle Hortaleza 61
Hasta el 10 de enero de 2016
*Entrada 4€
Más información en www.coam.org


Wildlife Photographer of the Year promueve el trabajo de fotógrafos y fotógrafas de naturaleza, tanto profesionales como amateurs, premiando jóvenes y adultos en, hasta 17 categorías de adultos y cuatro categorías de jóvenes de hasta 17 años.

El certamen contiene imágenes de los lugares más salvajes del mundo, que muestran con espectacularidad la esencia de la naturaleza a través de imágenes de fauna, flora o paisajes. La exposición trata de transmitir la belleza de la naturaleza al mismo tiempo que fomentar el conocimiento y el respeto hacia la vida natural.

El auge y popularidad de la fotografía de naturaleza responde al interés y la preocupación cada vez mayor de la sociedad por la defensa y la conservación de la naturaleza. El certamen Wildlife Photographer of the year supone, año tras año, una plataforma para la denuncia contra las amenazas a nuestro entorno natural, así como una ventana al mundo de las grandes maravillas naturales.

Historia de dos zorros.
El canadiense Don Gutoski, ganador del Wildlife Photographer of the Year 2015

Este año, la fotografía ganadora del certamen es La historia de dos zorros, del fotógrafo canadiense Don Gutoski. El zorro rojo y el zorro ártico rara vez interaccionaban en el pasado, pero debido al calentamiento global, se está ampliando la distribución hacia el norte del zorro rojo, convirtiéndole no solo en el mayor competidor del zorro ártico -ambas especies tienen la misma dieta- sino que cada vez más el zorro rojo se está convirtiendo en el mayor depredador del zorro ártico, como muestra la fotografía ganadora.

En la categoría juvenil, la fotografía ganadora es Exhibición de combatientes, del fotógrafo checo Ondrej Pelánek, una poderosa imágen del cortejo de estas aves en el norte de Noruega.

domingo, 22 de noviembre de 2015

La Fotografía y el Titanic: El Museo de Belfast.

Centro Cultural de la Villa - Teatro Fernán Gómez
Sala Polivalente
Plaza de Colón 4
Martes 24 de noviembre a las 20:00 horas
Más información en teatrofernangomez.esmadrid.com - www.pedrogrifol.comwww.titanic.eu


Presentación y coloquio a cargo de Pedro Grifol

El conocido reportero de viajes y periodista gráfico Pedro Grifol presenta su trabajo fotográfico en torno al R.S.M. Titanic y el Museo de Belfast, conocido también como Titanic Belfast Experience. Fotografías inéditas que se complementan con historias oídas de primera mano sobre el escenario donde hace más de 100 años centenares de hombres levantaron de la nada el RMS Titanic.

Este museo dedicado a la memoria del Titanic y especialmente a su creación, está construido en los mismos terrenos donde se encontraban las míticas atarazanas de la compañía Harland and Wolff. Inaugurado en el año 2012, exactamente el día que se cumplía un siglo de su hundimiento, el edificio fue diseñado por el estudio de arquitectos Civic Arts, con Eric Kuhne como proyectista principal. Su imponente fachada recoge la forma de las proas de los barcos de la época y su interior, que en tres años ha recibido más 2 millones de visitas, es realmente sobrecogedor.

Grifol visitó en 2010 las obras del futuro museo y tuvo ocasión de realizar fotografías en el antiguo edificio de las oficinas de la Harland and Wolff, donde se diseñaron los planos del mítico transatlántico, y también en el lugar donde este se construyó. Asimismo, en 2012 asistió a la inauguración del Titanic Belfast Experience y descubrió más de cerca algunos de los misterios que aún envuelven al Titanic y a su trágica historia.

sábado, 21 de noviembre de 2015

Avance: Modernidad. Fotografía brasileña (1940-1964).

Círculo de Bellas Artes
Sala Picasso
Calle Alcalá 42
*Entrada a las exposiciones 4€
Del 5 de noviembre de 2015 al 31 de enero de 2016.
Más información en www.circulobellasartes.com

José Medeiros, Rio de Janeiro, 1952.
Fotograía © Instituto Moreira Salles.

A mediados del siglo XX, Brasil es un país en plena transformación. Modernidad. Fotografía brasileña (1940-1964) reúne la obra de cuatro testigos del periodo comprendido entre la contienda mundial y la Revolución de 1964, cuatro fotógrafos de excepción de distintos orígenes –francés, brasileño, húngaro y alemán– que inmortalizan paisajes y gente, monumentos y edificios, celebraciones y trabajo, legado y presente. Aunque cada uno trabaja desde sus propias latitudes estilísticas, todos ellos protagonizan una misma aventura en la búsqueda de la esencia de un país que esquiva la cámara.

Modernidad. Fotografía brasileña (1940-1964).
Círculo de Bellas Artes, Madrid.


Las doscientas veinte fotografías que se exponen en esta muestra retratan la vida brasileña en esa primera época de contradicciones sociales, modernización acelerada y vida cultural palpitante.

Marcel Gautherot (Francia, 1910-1996) es el responsable de la existencia de muchos de los clichés visuales sobre Brasil. Su trabajo en torno a los rituales folklóricos y la selva virgen revela un preciso equilibrio entre la intriga narrativa y el impacto visual. Y sus fotografías de los edificios de Oscar Niemeyer en Brasilia han marcado la culminación del modernismo brasileño.

Modernidad. Fotografía brasileña (1940-1964).
Círculo de Bellas Artes, Madrid.


José Medeiros (Brasil, 1921-1990) es considerado el fotoperiodista más importante de los años cuarenta y cincuenta. Sus fotografías reflejan, tanto la vida a pie de calle de Río de Janeiro, como los acontecimientos de la alta sociedad carioca. Estos últimos contrastan con los fotorreportajes sobre el interior del país, que muestran el culto mágico del candomblé y la intrusión de la tecnología en el mundo indígena.

Modernidad. Fotografía brasileña (1940-1964).
Círculo de Bellas Artes, Madrid.


Thomaz Farkas (Hungría, 1924-2011) debuta fotografiando el Estádio do Pacaembu en São Paulo. Su obra prioriza la búsqueda de nuevos lenguajes visuales y alcanza, al final de su vida, un estilo más próximo al fotoperiodismo, como desvelan las panorámicas que toma con ocasión de la construcción de la nueva capital, Brasilia.

Modernidad. Fotografía brasileña (1940-1964).
Círculo de Bellas Artes, Madrid.


Las fotografías industriales de Hans Gunter Flieg (Alemania, 1923) reflejan la historia de la industrialización brasileña. En sus imágenes, el interior de las fábricas y los productos industriales emergen como interpretaciones pictóricas clásicas de la remodelación de un país en la era tecnológica.