lunes, 31 de octubre de 2016

Avance: A night with Marilyn, de Douglas Kirkland.

Mondo Galería
Calle San Lucas 9
Del 19 de noviembre de 2016 al 10 de enero de 2017
Más información en www.mondogaleria.comwww.douglaskirklandphotography.com



"En mis recuerdos se mueve como flotando a cámara lenta, más etérea que real. Eso era lo extraño de la belleza y la voluptuosidad de Marilyn Monroe… no eran de este mundo".



A night with Marilyn, de Douglas Kirkland.
Mondo Galería, Madrid.

MONDO GALERIA rinde homenaje a la gran diva del celuloide e icono pop: Marilyn Monroe. Por primera vez en España presentamos la exposición "A night with Marilyn" (Una noche con Marilyn) del fotógrafo canadiense Douglas Kirkland. AL ritmo de la música de Frank Sinatra, champagne, sábanas de seda, un hombre y una mujer. El sueño de cualquier hombre de la época materializado en un fotógrafo muy joven que realizaba un encargo para el 25 aniversario de la mítica revista Look. El resultado: una serie fotográfica inolvidable, una Marilyn vulnerable, natural e indiscutiblemente seductora, y un estilo que daría pie a subsiguientes sesiones que la estrella realizaría más tarde con grandes fotógrafos del momento.

A night with Marilyn, de Douglas Kirkland.
Mondo Galería, Madrid.

No me pasé tres días en la cama con Marilyn… Si lo hubiera hecho, ¡estas fotografías probablemente no existirían! -bromea el fotógrafo- Me reuní con ella en tres ocasiones. Me impactó la aparente sencillez de su vida. Su casa no era en absoluto la que uno esperaba que tuviera una estrella del cine. Simplemente me dijo: ‘Vale, sé lo que necesitamos. Una cama con sábanas blancas de seda y nada más, y funcionará’. Pero, añadió, ‘las sábanas deben ser de seda’. El telón se levantaba en una de las más increíbles y memorables noches de mi vida. Recuerdo ver a dos asistentes, una para el maquillaje y peluquería y la otra, supuse, para la ropa. Marilyn me dio un abrazo rápido y un beso en la mejilla y desapareció en el camerino. De pronto apareció, se sentó en la cama, se tapó los pechos y dijo a todos, ‘creo que debería quedarme a solas con este chico’. Un instante después, se cerraba la puerta. Ahora solo estábamos los dos. Marilyn Monroe y yo. No estaba del todo seguro de lo que esperaba de mí. ¿Qué debía hacer? Me escondí tras la cámara y empecé a disparar otra vez.

A night with Marilyn, de Douglas Kirkland.
Mondo Galería, Madrid.

Esta selección de fotografías impresas en ediciones limitadas supervisadas personalmente por Douglas Kirkland se ha realizado en exclusiva para MONDO GALERIA donde podrán disfrutarse y adquirirse hasta el comienzo del 2017.

viernes, 28 de octubre de 2016

Fotos sonoras. El jazz revelado por Esther Cidoncha.

Institut Français de Madrid
Galerie du 10
Calle Marqués de la Ensenada 10
Del 10 de noviembre al 10 de diciembre de 2016
Más información en www.institutfrancais.es - ecidonchafotosdejazz.blogspot.com.es

Fotos sonoras. El jazz revelado por Esther Cidoncha.
Institut Français de Madrid.

En homenaje a la gran fotógrafa Esther Cidoncha, celebramos el jazz durante todo el Festival Internacional de Madrid con una muestra de sus excelentes fotografías. Esta exposición, pensada especialmente para la Galerie du 10 del Institut français de Madrid, incluye una muestra inédita de imágenes de grandes músicos de jazz franceses, festivales en Francia, así como conciertos en Estados Unidos, Alemania, Francia, España. El objetivo de Esther capta momentos tanto durante los conciertos pero también durante las pruebas de sonido o en la intimidad del camerino.

Fotos sonoras. El jazz revelado por Esther Cidoncha.
Institut Français de Madrid.

Esther Cidoncha sabe captar “agudamente en los músicos de jazz esa presencia imponente y sin arrogancia tan particular de ellos”, escribe Antonio Muñoz Molina.

Para inaugurar la exposición, contaremos con la presencia de Jesús Blazquez, colaborador, manager y marido de Esther, Chema García Martinez, escritor, periodista, critico y experto en jazz, Mirian Arbalejo, escritora, jurado de los premios anuales del sello de jazz Blue Note y José Cidoncha, quién además de hermano de Esther es amante y apasionado del Arte Contemporáneo y coleccionista de fotografías.

Esther Cidoncha ha recorrido con su cámara los principales clubes y festivales de jazz europeos y nacionales, así como de Newport, Nueva York y Nueva Orleans, y ha retratado a infinidad de músicos de jazz, ate­sorando a día de hoy varios miles de negativos que dan fe de su tenacidad y su talento. Sus fotografías se han expuesto en los festivales de jazz de San Sebastián, Madrid, Valencia, Alicante, Móstoles, Getxo y Ribadeo.

Ha colaborado de forma habitual con la prestigiosa revista Cuadernos de Jazz y diversas webs especializadas, así como con diferentes clubes de Madrid.

jueves, 27 de octubre de 2016

Steve McCurry. Conferencia y firma de libros.

IvoryPress Gallery
Calle Zorita 48
Jueves 3 de noviembre de 19:00 a 21:00 horas
Acceso libre hasta completar aforo
Más información en stevemccurry.comwww.ivorypress.com

Steve McCurry. Conferencia y firma de libros, en IvoryPress, Madrid.

Ivorypress y Phaidon le invitan el 3 de noviembre a las 19:00 h a la charla entre el fotógrafo Steve McCurry y el periodista Peio H. Riaño. Será una ocasión única para conocer Sobre la lectura, última publicación del prolífico fotógrafo, y escuchar algunas de las historias más apasionantes que le han llevado a crear fotografías icónicas a lo largo de más de treinta años de carrera. La editorial Phaidon publica este nuevo libro que se suma a las otras ocho publicaciones sobre la obra del fotógrafo aún disponibles en su catálogo. Todos los libros podrán adquirirse en la librería y McCurry estará disponible para firmar y dedicarlos.

Avance: Metapintura. Un viaje a la idea del arte.

Museo del Prado
Edificio de los Jerónimos
Salas A y B
Calle Ruiz de Alarcón 23
Del 15 de noviembre de 2016 al 19 de febrero de 2017.
Más información en www.museodelprado.es

La fábula de Aracne / Las hilanderas, Diego Velázquez
Metapintura. Un viaje a la idea del arte
Museo del Prado, Madrid.

El Museo del Prado invita al visitante a reflexionar sobre el cambiante estatus que han tenido la pintura y otras artes con una exposición basada en su mayor parte, aunque no de manera exclusiva, en obras vinculadas con las Colecciones Reales y con el arte español. Una selección de más de 100 pinturas, estampas y esculturas fechadas entre principios de la Edad Moderna y finales del siglo XIX que permite asomarse a las principales ideas sobre las imágenes, el arte, los artistas y el público a lo largo del tiempo.

Estructurada en secciones, la muestra aborda cuestiones como el origen de la actividad artística, los relatos religiosos y mitológicos, el carácter “mágico” de las imágenes y su función devocional, la aparición de la idea del “arte”, la relación entre espacio pictórico y espacio real, la manera en que los artistas se han representado a sí mismos o han reflexionado acerca de su entorno creativo y laboral y los problemas fundamentales de la teoría artística.

miércoles, 26 de octubre de 2016

Visita a: Ficciones y territorios. Arte para pensar la nueva razón del mundo.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS).
Edificio Sabatini
Planta 3ª
Hasta el 13 de marzo de 2017.
Más información en www.museoreinasofia.es

Ficciones y territorios. Arte para pensar la nueva razón del mundo.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Comisariado: Manuel Borja-Villel, Cristina Cámara, Beatriz Herráez, Lola Hinojosa y Rosario Peiró.

Ficciones y territorios. Arte para pensar la nueva razón del mundo.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Artistas: 
Armando Andrade Tudela, Leonor Antunes, Ibon Aranberri, Eric Baudelaire, Pauline Boudry & Renate Lorenz, Alice Creischer & Andreas Siekmann, Moyra Davey, Tacita Dean, Koenraad Dedobbeleer, Ines Doujak, Patricia Esquivias, Daria Esteva, Jon Mikel Euba, Patrick Faigenbaum, Harun Farocki & Antje Ehmann, Peter Friedl, Dora García, Amos Gitai, Dominique Gonzalez-Foerster, Rodney Graham, Federico Guzmán, Hans Haacke, Joaquim Jordà, Adrià Julià, Manolo Laguillo, Zoe Leonard, Mapa Teatro, Dorit Margreiter, Roberto Matta Echaurren, Asier Mendizabal, João Moreira, Antoni Muntadas, Maria Nordman, Itziar Okariz, João Maria Gusmão & Pedro Paiva, Josiah McElheny & Jeff Preiss, Rebecca H. Quaytman, Jorge Ribalta, Alejandra Riera, Pedro G. Romero, María Ruido, Néstor Sanmiguel, Maruch Sántiz Gómez, Allan Sekula, Taller Popular de Serigrafía, Hito Steyerl, Juan Ugalde.


Ficciones y territorios. Arte para pensar la nueva razón del mundo.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Esta presentación de los fondos de la Colección del Museo Reina Sofía, compuesta en su mayoría por adquisiciones recientes, se aproxima a los lenguajes y prácticas artísticas que caracterizan el periodo comprendido entre finales de los años noventa y el año 2007, tanto en el contexto nacional como internacional, a partir de una serie de cuestiones compartidas que marcan el comienzo del siglo y llegan hasta la actualidad.

Ficciones y territorios. Arte para pensar la nueva razón del mundo.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

El modo en que los artistas abordan los efectos de la globalización y las nuevas configuraciones geopolíticas constituye el punto de partida de esta exposición, a través de las obras de Zoe Leonard y Allan Sekula. Otra de las líneas de investigación se ocupa de las revisiones de los lenguajes de la modernidad y sus vinculaciones con los procesos coloniales. En este sentido, las propuestas de Leonor Antunes, Ines Doujak y Adrià Julià se apropian de las imágenes y los relatos históricos para realizar una lectura crítica de los mismos. Por otro lado, la crisis del Estado-nación y las estrategias de teatralización de la historia son planteadas en la muestra en forma de “ficciones políticas” por autores como Ibon Aranberri y Peter Friedl. En un escenario más próximo, se presentan casos de estudio relacionados con los procesos de transformación de la periferia industrial de Barcelona y de gentrificación de ciudades como Madrid, presentes en los proyectos de María Ruido, Patrick Faigenbaum y Manolo Laguillo, entre otros.

Ficciones y territorios. Arte para pensar la nueva razón del mundo.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

A su vez, acompañando a la muestra se editará una publicación con ensayos específicos y textos que han resultado claves para acercarse y profundizar en este momento histórico.

Visita a: La infancia descubierta. Retratos de niños en el Romanticismo español.

Museo Nacional del Prado
Planta 0 - Sala 60
Calle Ruiz de Alarcón 23
Hasta el 15 de octubre de 2017.
Más información en www.museodelprado.es

La infancia descubierta. Retratos de niños en el Romanticismo español.
Museo del Prado, Madrid.

Comisario: Javier Barón, Jefe de Conservación de Pintura del siglo XIX.

El Museo del Prado reúne una selección de ocho obras, fechadas entre 1842 y 1855, que han sido elegidas entre los numerosos retratos infantiles del período isabelino que conserva en sus colecciones, para mostrar al visitante dos de los núcleos más importantes del Romanticismo en España: Madrid y Sevilla. La presentación de esta selección servirá también para presentar por primera vez al público del Museo el apenas conocido retrato de Esquivel incorporado a sus fondos recientemente.

La infancia descubierta. Retratos de niños en el Romanticismo español.
Museo del Prado, Madrid.

El conjunto de retratos refleja diferentes interpretaciones de la infancia, tema que, durante el Romanticismo, se convirtió en asunto predilecto de los artistas conforme a los nuevos intereses de su clientela.

Así me siento. Posturas, objetos y significados del descanso en América.

Museo de América
Sala de exposiciones temporales
Av. Reyes Católicos 6
Del 28 de octubre de 2016 al 12 de febrero de 2017.
Más información en www.mecd.gob.es/museodeamerica

Así me siento. Posturas, objetos y significados del descanso en América.
Museo de América, Madrid.

La comunicación es una parte esencial de la convivencia del ser humano, y esta no es solo verbal o gráfica; también se realiza una comunicación corporal implícita, a través de gestos y posturas. Todos esos gestos, desde el saludo hasta la forma de comer, son aprendidos dentro del seno de la cultura a la que pertenece. Entre ellos, por supuesto, la forma de sentarse.

Guaica, Venezuela.
Así me siento. Posturas, objetos y significados del descanso en América.
Museo de América, Madrid.

Sentarse es por tanto una forma de evidenciar quién es uno. La manera en que uno se sienta y el contexto en que lo hace, también condiciona la producción de un mobiliario específico, adaptado a la misma.

Hombres o mujeres, para descansar, saludar o rezar, tienen formas diferentes de disponer el cuerpo para sentarse o usar un mobiliario específico.

Así soy, así me siento.

Visita a: Forms of devotion. Arte y espiritualidad en la India de hoy.

Centro Cultural Conde Duque
Sala 1
Calle Conde Duque 11
Del 13 de octubre de 2016 al 15 de enero de 2017.
*Entrada gratuita
Más información en condeduquemadrid.es - formsofdevotion.org

Forms of devotion. Arte y espiritualidad en la India de hoy.
Centro Cultural Conde Duque, Sala 1, Madrid.

El Centro Cultural Conde Duque presenta en Madrid "Forms of Devotion. Arte y espiritualidad en la India de hoy", una exposición que gira en torno a la noción de lo espiritual y devocional en la India. Incluye más de cien obras originales de diferentes artistas contemporáneos indios seleccionadas entre más de 1.600 obras de la colección MOSA (Museum of Sacred Arts) de Bélgica.

Forms of devotion. Arte y espiritualidad en la India de hoy.
Centro Cultural Conde Duque, Sala 1, Madrid.

En "Forms of Devotion" coexisten de una manera dinámica una gran variedad de estilos y tradiciones artísticas que dialogan entre sí desde una mirada actual, reflejando la diversidad de regiones y realidades en la India de hoy y bebiendo de un mismo sustrato común en la exploración de la espiritualidad y lo divino.

Forms of devotion. Arte y espiritualidad en la India de hoy.
Centro Cultural Conde Duque, Sala 1, Madrid.

Comisariada por Sushma K Bahl, antigua directora del departamento de Arte y Cultura del British Council de la India, esta exposición representa, a través de pinturas, esculturas y fotografías, las principales tradiciones espirituales que confluyen en la India.

Forms of devotion. Arte y espiritualidad en la India de hoy.
Centro Cultural Conde Duque, Sala 1, Madrid.

Estas obras de arte, originales y de recién creación, se encuentran distribuidas en tres secciones y rinden homenaje a la creatividad y energía del arte devocional y espiritual indio. La extensa colección abarca obras de continuidad, más comprometidas con el arraigo, y otras más innovadoras y de cambio. La exposición presenta una inspiración clásica, tribal, popular, digital, conceptual, moderna y otras formas de arte contemporáneo en el actual contexto multicultural.

Forms of devotion. Arte y espiritualidad en la India de hoy.
Centro Cultural Conde Duque, Sala 1, Madrid.


La exposición se divide en tres partes:

1. Conjunto ecléctico. Este conjunto abarca desde obras de arte que están en consonancia con el juego elemental y natural hasta discretas representaciones abstractas, además de símbolos tántricos que resuenan con mística. Abierto a múltiples interpretaciones, el conjunto ecléctico invoca paz, serenidad y un ambiente zen, así como fe y devoción hacia el minimalismo, donde la naturaleza se impone junto con la astronomía y la astrología a través del arte. Veneradas igual que iconos de la fertilidad y la fecundidad, estas creaciones, que contienen mensajes subliminales, parecen inducir a la concentración y facilitar la meditación.

2. Mito y magia. Una idea o una imagen o una forma externa hacen referencia en lo esencial a la facultad de la imaginación. Ayuda a la transposición del mundo divino incorpóreo en imágenes materiales. A menudo basado en el concepto de un poder sobrenatural, parte real y parte imaginada, se presenta al ídolo como un héroe, más sabio y más grande que la vida, realizando lilas (actos divinos que están más allá de los simples mortales). Extraídas de culturas y cultos donde los artistas habitan, las nuevas y antiguas fábulas son recreadas en el arte. A través de la contemplación, dicho trabajo tiende a ser una experiencia inspiradora para el alma de los artistas, devotos y espectadores.

3. Sagrado y secular. Neti neti (ni esto ni lo otro), esto y lo otro, forma y sin forma, el continuo holístico sanatan (eterno) de una interminable variedad de escalas, expresiones artísticas que presentan una incesante serie entremezclada y mundos interactivos dentro de otros mundos. El conjunto marca la diversidad cultural existente en el país, pleno de filosofías sobre el ascetismo y la abstinencia por un lado, y de la sexualidad y de los placeres de la vida por el otro. Destaca el respeto otorgado a las diosas, también habla en contra de los prejuicios de género y pide por el reciclaje, el almacenamiento y la conservación. Lo sagrado y lo secular se abordan desde diferentes ángulos y perspectivas en el artscape (el arte como aproximación al paisaje contemporáneo).

martes, 25 de octubre de 2016

Fotografía y moda II. Debbie Smith

Museo del Traje
Salón de Actos
Av. de Juan Herrera 2
Miércoles 2 de noviembre a las 19:00 horas
*Acceso libre hasta completar aforo.
Más información en museodeltraje.mcu.es

Ciclo Miércoles de los Amigos

Debbie Smith, directora de nuevos proyectos de Condé Nast España y una de las mayores expertas a nivel mundial de su archivo fotográfico, que incluye cabeceras como Vogue, Vanity Fair, The New Yorker o GQ. Además, es autora de varios libros y comisaria de diversas exposiciones, como Vogue Like a Painting realizada en el Museo Thyssen-Bornemisza en 2015.

Debbie Smith durante la presentación de Vogue Like a Painting en el museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

Tanto para la difusión de las tendencias, o del gusto del momento, como para la recreación estética y artística, la fotografía y la moda se han necesitado la una a la otra. Hacemos un repaso de los fotógrafos más importantes del siglo XX a través de una de las mayores expertas en la materia.

* "Miércoles de los Amigos" es una actividad dentro de la programación del Pasaporte Cultural de la Universidad Carlos III de Madrid.

lunes, 24 de octubre de 2016

La belle époque donostiarra de Ricardo Martín. PHotoBolsillo.

PHotoBolsillo rescata la obra de Ricardo Martín y su diario de la belle époque donostiarra de principios del siglo XX.

Ricardo Martín - PhotoBolsillo.

- Más de 60 fotografías que trazan un retrato de la alta sociedad de San Sebastián desde el objetivo de este gran fotógrafo pionero en su época.
- Charles Chaplin, Josephine Baker, Azorín, Joaquín Sorolla, Jacinto Benavente o Unamuno fueron retratados por Ricardo Martin.
- Martín también plasmó en sus fotografías la crudeza de la Guerra de África a través de potentes imágenes de soldados en el frente y los hospitales de la retaguardia.


La belle époque donostiarra de Ricardo Martín.
PhotoBolsillo - Editorial La Fábrica.
Mientras el centro de Europa se desangraba durante la Gran Guerra, al otro lado de la frontera, Ricardo Martín desde su estudio Photo Carte se convertía en el mejor reportero de una ciudad a la que, paradójicamente, la guerra dio la oportunidad de florecer, gracias a su situación estratégica en la retaguardia. Martín captaba escenas de la alta sociedad, exhibiciones automovilísticas, carreras de caballos o paseos por la Concha, cotidianas en una ciudad que se convirtió en refugio de todos aquellos que buscaban evadirse de los horrores de la Guerra.

La belle époque donostiarra de Ricardo Martín.
PhotoBolsillo - Editorial La Fábrica.

La Fábrica rescata la obra de un artista fundamental de la historia de la fotografía española con la edición de un nuevo volumen que la colección PhotoBolsillo. Biblioteca de Fotógrafos Españoles, que incluye un total de 60 fotografías, prologadas por un texto del fotógrafo y comisario Juantxo Egaña.

La belle époque donostiarra de Ricardo Martín.
PhotoBolsillo - Editorial La Fábrica.

La publicación del libro coincide con la muestra monográfica Ricardo Martin. Fotógrafo y espectadorque la sala Kubo – Kutxa inaugurará el próximo 4 de noviembre y que incidirá en los principales temas que inspiraron la producción fotográfica de Ricardo Martín.

Como señala Egaña: “MartÍn recorría la ciudad, sus paseos, sus playas, las fiestas de sus barrios”. MartÍn plasmó una ciudad brillante por la que pasaron grandes nombres de la cultura, arte e intelectualidad española e internacional como Charles Chaplin, Josephine Baker, Joaquín Sorolla, Miguel de Unamuno, Azorín o Jaciento Benavente.

El deporte fue otro de los grandes temas captados por las cámaras de Ricardo MartÍn. Fue el primer fotógrafo que retrató a la entonces Sociedad Fot – Ball de San Sebastián, hoy Real Sociedad. Era el año 1910 y antes de que el equipo se convirtiera en una de las señas de identidad de todo el territorio guipuzcoano Martín ya había realizado esas imágenes, hoy históricas. Del mismo modo, son famosas sus fotografías de competiciones de natación y ciclismo, y sus instantáneas sobre las primeras competiciones automovilísticas.

La belle époque donostiarra de Ricardo Martín.
PhotoBolsillo - Editorial La Fábrica.

Pero, como reportero de vocación que era, Martín también quiso hacerse eco de los grandes conflictos que asolaron una de las épocas más convulsas de la historia contemporánea. A finales de 1921, Martín viajó al epicentro de la Guerra de África para retratar un conflicto que le atormentaba. Sus imágenes sobre la guerra fueron publicadas en Mundo Gráfico, La Estampa o ABC. A su vuelta a España dejó también constancia de cómo la guerra había trasformado el espíritu y la fisonomía de la antes despreocupada San Sebastián con imágenes de la llegada de los heridos a la estación o su traslado al antiguo casino Kursaal, transformado en hospital.

Así, y como señala Juantxo Egaña: “Ricardo Martín fue un todoterreno, dedicado a la experimentación permanente en la fotografía, ya fuera en escenarios políticos, de inmediatez, artístico, novedosos. Era un reportero, en lenguaje de la época, un periodista gráfico que dejó miles de testimonios, de retratos anónimos, de accidentes, de alegrías y tristezas”.

Más información en www.lafabrica.com

Avance: Tino Casal, el arte por exceso.

Museo del Traje
Av. Juan de Herrera 2
Del 15 de noviembre de 2016 al 19 de marzo de 2017.
Más información en museodeltraje.mcu.es

Tino Casal, el arte por exceso.
Museo del Traje, Madrid.

Comisariado: Juan Gutiérrez y Rodrigo de la Fuente
Diseño gráfico: José Duarte
Montaje: Artec

El Museo del Traje de Madrid presenta este otoño uno de sus proyectos más ambiciosos, la exposición Tino Casal, el arte por exceso, una exposición homenaje a este artista asturiano (Celestino Casal, Tino / Tudela-Veguín, Asturias, 1950-Madrid, 1991) que brilló en los 80 como estrella del pop español.

Tino Casal, el arte por exceso mostrará una pequeña parte de legado de este artista que fue cantante, productor musical, diseñador de accesorios y vestuario, estilista, decorador y escenógrafo, pintor y escultor.

Tino Casal, el arte por exceso.
Museo del Traje, Madrid.

Esta exposición destacará un aspecto de este polifacético artista que seguramente se ha valorado poco: su fastuoso atuendo. En un tiempo en el que muchos participaron de la mascarada como parte inseparable de la cultura de transición, Casal llevó el reto hasta sus últimas consecuencias. Con él llegaría el escándalo, una frivolidad furiosa que exigía nuevos aires, una perspectiva distinta sobre las cosas. Veinticinco años después de su prematura desaparición, el mensaje de Tino Casal sigue vigente.

Tino Casal, el arte por exceso.
Museo del Traje, Madrid.

Tino Casal fue un creador generoso, que colaboró desinteresadamente con músicos, cineastas, fotógrafos y diseñadores, y se convirtió en uno de los iconos de eso que se llamó la Movida madrileña. Fue un precursor de estilos, que defendió mucho antes de que España estuviera a la altura de su desafío estético. Durante los años 80, además de producirse un incremento exponencial de las firmas de diseño prêt-à-porter, la moda sufrió un proceso de expansión que la llevó a invadir distintas esferas de la sociedad, tanto de las artes como de otras producciones culturales e industriales. La figura de Tino Casal ejemplifica bien esa amplificación de la importancia de la imagen, encontrándonos en su caso con un compendio de influencias que ilustra los flujos culturales de la posmodernidad.

Tino Casal, el arte por exceso.
Museo del Traje, Madrid.

En la muestra podrán verse cerca de 200 piezas, compuestas por unos 50 conjuntos, complementos, portadas de discos, fotografías y obra de Tino Casal, procedentes en su mayoría de préstamos de su familia. El recorrido se complementa con obras de artistas fundamentales en la carrera de Casal, como Costus, Fabio MacNamara, Pablo Pérez-Mínguez o Miguel Trillo.

domingo, 23 de octubre de 2016

Avance: Carlos Saura. España Años 50.

Antiguo Hospital Santa María la Rica
Sala José Hernández
Calle Santa María la Rica 3
Alcalá de Henares - Madrid
Del 18 de noviembre de 2016 al 5 de enero de 2017.
*Entrada gratuita
Más información en culturalcala.es

Carlos Saura - Paisajes, pueblos y gentes de Cuenca © Carlos Saura
Sala de exposiciones Antiguo Hospital Santa María la Rica, Alcalá de Henares, Madrid.

Aunque reconocido internacionalmente por sus películas, Carlos Saura (Huesca, 1932) ha compaginado su labor de director con la de fotógrafo. Debutó en esta práctica a una edad temprana y su primera exposición tuvo lugar en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid en 1951.

Carlos Saura - Sanabria © Carlos Saura
Sala de exposiciones Antiguo Hospital Santa María la Rica, Alcalá de Henares, Madrid.

Esta muestra reúne una selección de las fotografías que realizó en la España de los años cincuenta del siglo XX y constituye un verdadero álbum fotográfico sobre los pueblos y gentes que descubrió en sus diversos viajes por el país. Sus imágenes retrotraen al espectador a un tiempo que parece lejano y a unos lugares que ya apenas se reconocen, presentando una España mísera, triste, reprimida y sumida en la pobreza; pero también un país con una gran riqueza cultural, de gentes abiertas, sencillas y trabajadoras que son el reflejo de la vida y las costumbres de una nación, de sus fiestas y sus ritos. En definitiva: un país con una gran riqueza cultural, resultado de múltiples influencias.

Memoria de la pintura. Antonio Barceló Ballester

Galería de Arte Orfila
Calle Orfila 3
Del 26 de octubre al 12 de noviembre de 2016.
Más información en www.galeriaorfila.com

Memoria de la pintura. Antonio Barceló Ballester
Galería de Arte Orfila, Madrid.

El miércoles 26 de Octubre se inaugurará la exposición Memoria de la Pintura del pintor Antonio Barceló Ballester, nacido en Cartagena en el año 1942 y con un amplio currículo profesional .

Una treintena de muestras individuales preceden a ésta, argumentada en la idea del homenaje a los grandes pintores que admira, Kandinsky, Juan Gris, Rembrandt, Arcimboldo, Klee, Cézanee, Van Gogh, Picasso… con obras calificadas por entusiasmos coloristas -técnicas mixtas de óleo y textiles sobre lienzo - ajenos a la contención expresiva predominante en sus etapas anteriores.

En el mismo acto de inauguración, Tomás Paredes, Presidente de la Asociación Española de Críticos de Arte, presentará el libro ANTONIO BARCELÓ EN LA MURRALLA DEL MAR del que es autor el también crítico Antonio Leyva.

El acto de inauguración tendrá lugar el miércoles, 26 de octubre, a las 19:30 horas.

sábado, 22 de octubre de 2016

Visita a: 1, 2, 3… ¡Grabando!

Espacio Fundación Telefónica
Planta 4ª
Calle Fuencarral 3
Hasta el 22 de enero de 2017
*Entrada gratuita
Más información en espacio.fundaciontelefonica.com

1, 2, 3… ¡Grabando!
Espacio Fundación Telefónica, Madrid.

La exposición 1, 2, 3…¡Grabando! Una historia del registro musical que estará en Espacio Fundación Telefónica hasta el 22 de enero de 2017, comisariada por Cristina Zúñiga, del equipo de exposiciones de Fundación Telefónica, trata del encuentro feliz de la música con la tecnología a mediados del siglo XIX, de los grandes avances técnicos en el registro y reproducción musical que se han sucedido desde entonces y de cómo éstos cambiaron la manera de crear, de escuchar, de sentir y de compartir la música.

1, 2, 3… ¡Grabando!
Espacio Fundación Telefónica, Madrid.

Un viaje fascinante que se inicia en los albores del registro sonoro con piezas como el fonoautógrafo de Scott de Martinville o el fonógrafo de Thomas A. Edison, que camina en paralelo a hitos tan paradigmáticos como el magnetófono, la casete compacta o el discman, y culmina en los más recientes dispositivos de reproducción musical como los reproductores mp3.

1, 2, 3… ¡Grabando!
Espacio Fundación Telefónica, Madrid.

La música es la primera industria creativa que se ha digitalizado casi al 100% y es la primera que ha asimilado y hecho suyas las posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías y las nuevas formas de uso, desde apps hasta el consumo en streaming, de ahí que sea una exposición que acerca la tecnología musical a lo largo de todos los tiempos.

1, 2, 3… ¡Grabando!
Espacio Fundación Telefónica, Madrid.

Siguiendo un orden cronológico, desde los primeros soportes de cera y vinilo a lo puramente digital, se mostrarán algunos de los principales hitos de la historia de la música y su influencia en la cultura. Así, habrá una sección, llamada ‘Orígenes’ que recoge cronológicamente los inventos que revolucionaron la grabación y reproducción musical en sus comienzos como el fonoautógrafo, el fonógrafo, el gramófono o el micrófono; el siguiente corresponde a la ‘Revolución Sonora’, donde el vinilo, el casete compacto, la grabadora, el radio casete, el Walkman y el Discman toman protagonismo; y para terminar nos adentramos en ‘Suena en digital’ para acercarnos a los más recientes avances tecnológicos desde el Mp3 hasta el Home Studio, el streaming o plataformas digitales como Spotify.

1, 2, 3… ¡Grabando!
Espacio Fundación Telefónica, Madrid.

Esta exposición es para todos los públicos, sea cual sea la generación y el nivel de interés que tengan por la muestra. Además a lo largo de los meses de la exposición se irán ofreciendo artículos periodísticos desarrollados por Diego Manrique incidiendo y contextualizando alguno de los aparatos musicales expuestos.

viernes, 21 de octubre de 2016

Sputtering de Jorge Isla, lo que el ojo humano no puede ver.

Espacio CentroCentro Cibeles
Planta 4ª
Plaza de Cibeles s/n
Hasta el 11 de diciembre de 2016
Más información en jorgeisla.com - www.centrocentro.org

Sputtring, de Jorge Isla
Espacio CentroCentro Cibeles, Madrid.

Lanzadera, el ciclo de CentroCentro que da visibilidad a la nueva generación de fotógrafos españoles, presenta el trabajo de Jorge Isla.

Sputtring, de Jorge Isla
Espacio CentroCentro Cibeles, Madrid.

Lanzadera es el ciclo de CentroCentro comisariado por Iñaki Domingo que tiene como objetivo dar visibilidad y difusión a una nueva generación de fotógrafos españoles. Desde el 14 de octubre presenta a Jorge Isla, quien actualmente centra su trabajo en mostrar a través de la fotografía efectos que la vista humana no es capaz de percibir.

Sputtring, de Jorge Isla
Espacio CentroCentro Cibeles, Madrid.

Isla presenta su trabajo Sputtering. Este término, pulverización catódica, es el proceso físico que provoca el parpadeo de una luz fluorescente. Un efecto invisible para el ojo humano, debido a su frecuencia retiniana, pero explorable a través de una cámara fotográfica configurada con los parámetros adecuados para ello. A través de la fórmula de la frecuencia (f=1/T), y conociendo que los fluorescentes funcionan con una frecuencia alterna de 50Hz, mediante el trabajo con la velocidad de obturación se puede percibir el parpadeo o flickering que estas luminarias desprenden, envolviendo al espectador en una atmósfera al límite de la representación.

Presentación: Los fauves. La pasión por el color.

Fundación Mapfre
Sala Recoletos
Calle Recoletos 23
Del 22 de octubre de 2016 al 29 de enero de 2017.
Más información en www.fundacionmapfre.org

Los fauves. La pasión por el color.
Fundación Mapfre. Sala Recoletos, Madrid.

Comisaria: María Teresa Ocaña

Desde el 22 de octubre 2016 hasta 29 de enero de 2017 podrás conocer qué es pasión por el color. La muestra, que hace una completa y cuidada presentación del fauvismo, reúne más de un centenar de pinturas, así como numerosos dibujos, acuarelas y una selección de piezas de cerámica.

Los fauves. La pasión por el color.
Fundación Mapfre. Sala Recoletos, Madrid.

La exposición ha sido producida por Fundación MAPFRE y ha sido posible únicamente gracias al apoyo de los más de ochenta prestadores que han colaborado en ella. Entre ellos destacan la TATE, el Centre Georges Pompidou, el Musée d’art moderne de la Ville de Paris, la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Düsseldorf, el Milwaukee Art Museum o el Statens Museum de Dinamarca. También ha sido imprescindible la generosidad de más de treinta coleccionistas particulares, que han accedido a prestar obras más desconocidas por el público pero de una calidad extraordinaria.

Los fauves. La pasión por el color.
Fundación Mapfre. Sala Recoletos, Madrid.


La exposición

El fauvismo es sinónimo de libertad, de fuerza, de transgresión. En la pintura fue el estandarte de la revolución del color, de la ausencia de la perspectiva y del desapego a la tradición. La intensidad y la vitalidad arrolladora de un grupo de jóvenes artistas formados en distintos talleres modificaron el curso del arte en la primera década del siglo XX.

Los fauves. La pasión por el color.
Fundación Mapfre. Sala Recoletos, Madrid.

Henri Matisse fue su representante por excelencia y estuvo acompañado por otros artistas con los que compartió una nueva visión de la pintura y un deseo constante por aprender y experimentar. Él junto a André Derain y Maurice de Vlaminck lideraron el grupo, en el que también se incluyeron Albert Marquet, Henri Manguin, Charles Camoin, Jean Puy, Raoul Dufy, Othon Friesz, Georges Braque, Georges Rouault y Kees van Dongen.

Los fauves. La pasión por el color.
Fundación Mapfre. Sala Recoletos, Madrid.
Estos defensores a ultranza del color exacerbado y de la ejecución de la obra a través de la percepción individual desarrollaron varios temas con especial dedicación, como los retratos entre los miembros del grupo, los paisajes lumínicos, la atmósfera del mediterráneo francés, los espacios intimistas y la sórdida atmósfera nocturna.

Los fauves. La pasión por el color.
Fundación Mapfre. Sala Recoletos, Madrid.
En este breve, pero apasionado periodo artístico, los fauves sucumbieron a las fuentes del postimpresionismo de Van Gogh, Cézanne y Gauguin y al neoimpresionismo de Signac, de tal manera que el conjunto de su obra se consideró como una revelación única para el cubismo y el expresionismo, dos de las vanguardias más relevantes de principios del siglo XX.